Cabaret de galaxias

Pj Harvey, la vorágine que sacudió a Inglaterra

2011-09-06T16:47:00.001-07:00

En noviembre del año pasado un comando estudiantil irrumpió a la fuerza en la sede del partido conservador en Inglaterra y provocó todo tipo de destrozos. Unos cuantos días después, manifestantes callejeros arrojaron latas de pintura al auto en que viajaban el Príncipe Carlos y Camila Parker. Sin duda, eran señales de la inconformidad que se gestaba.

Hoy día, las fuerzas policiales se esfuerzan por devolver a Inglaterra al orden y el sometimiento. Pero la rabia sigue allí… no es algo que se extirpe, que se elimine por decreto. El rencor hacía el sistema social se va acumulando progresivamente y permea de varias maneras. La violencia callejera y los asaltos a tiendas de electrónicos y calzado deportivo no lo son todo. Es por ello, que Let England Shake, (Universal, 2011) el disco más reciente de P J Harvey, resultó en cierto modo profético, pues plasmaba el estado de ánimo de un país casi siempre presente en conflictos bélicos, depauperado y con estructuras sociales y económicas muy deterioradas (viviendo de glorias colonialistas).

Esta enorme artista, nacida en Yeovil, compuso una obra mayor concentrando la sensación de estar inserta en un país decrépito y beligerante. Tomemos de ejemplo la canción “The color of the earth”, que incluye unos versos que dicen: “If i was asked i’d tell / The colour of the earth that day; / It was dull, and browny-red, / the colour of blood i’d say”. Y es que desde sus primeras presentaciones en sociedad, el disco estaba destinado a subrayar sus connotaciones socio-políticas. Quizá en mayo de 2010 no era particularmente relevante, pero Polly se presentó en el programa televisivo de Andrew Marr para tocar el tema que da nombre al disco y coincidió con que el invitado principal era nada menos que el primer ministro Gordon Brown. Cuando le preguntan acerca de aquel momento, lleno de tensión y simbolismo, la cantante explica: "Fue una experiencia extrañísima, y probablemente uno de los momentos álgidos de mi carrera". La pieza habla de un país envuelto en la vorágine.

Todo este contexto me permite desear que este sea un texto sobre música y a la vez no lo sea. Let England Shake es una experiencia profunda, quizá no siempre agradable; sus canciones tocan fibras sensibles sin carecer de un feeling estético muy especial. En él hay mucho de experiencia sensible pero también de reflexión seria. Lo encuentro estrechamente conectado con una conversación que recientemente sostuvieron los dos grandes de la filosofía contemporánea: el esloveno Slavoj Zizek y Peter Sloterdijk, alemán de nacimiento. En el diálogo titulado La quiebra de la civilización occidental, el periodista Nicolas Truong tiene oportunidad de intervenir y perfilar hacia donde apuntan los tiros en este momento: “Occidente vive una crisis del porvenir: las nuevas generaciones ya no creen que vivirán mejor que las anteriores. Una crisis de sentido, de orientación y de significación. Occidente sabe más o menos de dónde viene pero le da trabajo saber adónde va. Ciertamente, como decía el poeta francés René Char, “nuestra herencia no es precedida por ningún testamento” y a cada generación le corresponde dibujar su horizonte. Nuestros tormentos, sin embargo, no son infundados. El sentido de lo común se fragmentó. Con el “cada uno en lo suyo”, el sentimiento de pertenencia a un proyecto que trascienda las individualidades se evaporó. El derrumbe del colectivismo –tanto nacionalista como comunista– y del progresismo económico dio lugar al imperio del “yo”. El sentido del “nosotros” se dispersó”.

Cuando le preguntan a Harvey que siente a propósito de las protestas sociales –como la de los indignados en España- señala: “Es excitante ver a la gente apasionarse, levantarse y expresar aquello en lo que cree y en lo que no”. Sloterdijk y Zizek, que aceptaron debatir públicamente por primera vez sobre estos temas, al menos coinciden en torno a la idea de partición, y de que el bien común y el sentido de comunidad parecen haber volado en pedazos.

Para la prensa europea no pasó desapercibido el hecho que Let England Shake puede ser tomado como un acto de resistencia civil o de protesta. Así que fue inevitable volver a la pregunta acerca de sí un disco puede ser útil para cambiar en algo las cosas; P J es alguien que siempre ha dado la batalla: “Me gustaría pensar que sí. Me encantaría; hubo un tiempo en que era posible, en que la música tenía el poder de cambiar las cosas, de modificar el paisaje, pero no estoy segura de que eso sea viable hoy en día. Vivimos una época extraña, una época de gran desasosiego y de cambios políticos. Es difícil saber qué va a salir de todo esto. Sólo nos queda la esperanza de que seamos capaces de extraer algo bueno de lo que está sucediendo en el mundo”.

Y es que esta mujer sabe mirar en perspectiva; no en vano las canciones actuales se remontan a conflictos tan antiguos como Gallipolli y terminan revisando lo que pasa en Afganistán. PJ Harvey asume a la guerra como parte de lo humano, no en vano aparece una trompeta como llamando a las tropas en “The glorious Land” haciendo un contrapunto perfecto con versos que se remontan a la muerte: “What is the glorious fruit of our land? / Its fruit is orphaned children”.

En Let England Shake la acompaña su tándem habitual de trabajo: John Parish, Mick Harvey y el afamado productor Flood, cada uno se amolda a las necesidades creativas de Polly, que ahora pasan por usar recurrentemente una autoarpa, con lo que obtiene el carácter de un juglar del siglo XXI. No en vano ella dice que entiende a sus discos como una colección de poemas; claro que ahora tiene ese cariz de quien se sumerge en los acontecimientos: “Al escuchar el disco encuentras historias sobre cosas que están sucediendo en el mundo, narradas a través de diversos personajes, testigos de las materias sobre las que trato".

Poética y reflexiva, más sagaz y afilada que nunca, sus temas y decisiones nos hacen concentrarnos en su octavo disco como solista, o décimo si se cuenta su labor en mancuerna, antes que debatir si Rid of Me (1993) es mejor que Stories from the city, stories from the sea (200); no es relevante si se prefiere Is this desire? (1998) que To bring you my love (1995).

Se trata de un disco tan especial como el contexto en que fue grabado (en una antigua iglesia en Dorset, ubicada en lo alto de una loma junto al mar). Se trata de una obra de madurez de una artista que ha logrado reinventarse a lo largo del camino artístico que ha recorrido y de la que puede decirse que posee incluso la clarividencia de los grandes pensadores. Allí es cuando la Harvey pareciera hacer suyo el discurso de Sloterdik: “Hemos acumulado tantas deudas que la promesa del reembolso en la cual se funda la seriedad de nuestra construcción del mundo ya no puede sostenerse. Nadie en esta Tierra sabe cómo pagar la deuda colectiva. El porvenir de nuestra civilización choca contra un muro de deudas”.

2011-08-17T12:41:00.000-07:00

Un hombre se fuga del crematorio al que ha asistido para sentarse en la barra de un pub y establecer un monólogo interior sobre los trajes, la cerveza y la vida misma. Así es “The Copper Top”, una pieza casi de spoken world que sirve como atípico sencillo para un álbum que demoró 8 años en completarse.
Tras aparcar Arab Strap, el escocés Aidan Moffat ha labrado una carrera en solitario afincada en canciones que cronican el desbarrancadero de las pasiones o bien las acendradas rutinas que conlleva la vida adulta. Su acercamiento siempre es agridulce y conmovedor. Y esta colaboración con el pianista y compositor Bill Wells no lo es menos; este veterano del jazz ha tocado con The Pastels e Isobel Campbell, entre otros.
Y aun cuando los temas lentos (“The Greatest Story Ever Told”) les salen llegadores, la verdadera sorpresa radica en “Glasgow Jubilee”, que es una variación up tempo que hasta podrían firmar Gorillaz, y que le permite a Aidan soltar en cascada su discurso.
Para acentuar su excentricidad, existe una edición de triple vinyl y 14 temas adicionales, además de las partituras. He aquí un tratado sobre la fragilidad emocional que nos hace ver que pese a nuestros esfuerzos, todo esta envejeciendo a nuestro alrededor. Tras su escucha es inevitable percibir que la fama está pésima e injustamente repartida.

The Queen is dead, a 25 años de un momento cumbre del pop británico

2011-06-27T10:45:00.000-07:00

Con el regreso de Pulp en el Primavera Sound y luego con intervención sorpresa en Glastonbury, las sesiones dedicadas a tragos y música se sazonan con la disertación acerca de las bandas que mejores letras poseen. Y aquí es cuando la grandeza de la banda Morrisey y el guitarrista Johnny Marr emerge y se coloca hasta adelante.
The Smiths vivieron en estado de gracia con la melodía y su cantante contaba con la cultura suficiente para elaborar preciosas piezas que se nutrían de un gran habilidad para el retrato pero sazonados con grandes dosis de ironía. El sabor de la lírica de los de Manchester es agridulce. No hablaban de felicidad y parajes soleados. En lo suyo siempre hubo un dejo melancólico. Se mostraban como dandis del pop británico de los ochenta y sabían como plasmar su entorno a través de composiciones de alta calidad literaria, que nos llenaban de ilusión, así tuvieran un contexto triste.
Mientas en México temblaba en 1985, los Smiths, que se completaban con Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería), se encontraban encerrados grabando su tercer álbum, que se vería pospuesto en su edición por problemas con Rough Trade –su disquera-. Vio la luz hasta junio de 1986, mientras nos sumergíamos en el furor del mundial de futbol.
En su versión original en vinyl, el disco se abría como un gran cuaderno de tonos verdosos en el que podíamos ver a la marmórea figura del actor Alain Delon, tomada de un still de la película L’Insoumis, en el que aparece tendido y como en un trance lánguido.
Poco me dice que hallan trepado al lugar número 2 del top británico, al 70 del Billboard gringo, ante una canción de una belleza sublime como “The Boy With The Thorn in His Side”; a la postre considerada una de las grandes favoritas del grupo en palabras del propio Morrisey.
El disco al menos tiene otras tres dcanciones que alcanzan las cotas más altas de exigencia. En “There is a Light That Never Goes Out”, “Some Girls Are Bigger Than Others’s” y “Bigmouth Strikes Again” hay estribillos inolvidables y guitarras elusivas trazando arabescos, siempre aplicadas a un pop de lustre. La grandeza de aquellas hace que nos acordemos poco del tema que le dio nombre al Lp y que fuera otro ladrillazo contra la pestilente monarquía.
La historia musical de occidente reluce en cuanto al trabajo melódico y The smiths fueron unos enormes artesanos. The Queen is dead es un trabajo generoso. Ahí está también una “Vicar in a Tutu” esplendente. Se trata de una obra maestra que engalana la parte alta de toda lista acerca de los mejores discos de la historia. Como los buenos vinos, con el paso del tiempo va ganando en personalidad. Se trata de un disco que se quedará con nosotros para siempre. Se ha ganado su lugar en una gaveta localizada entre el placer y el dolor.

Za!: en la aldea cósmica del caos no hay error

2011-05-05T08:11:00.000-07:00

Edu Pou (Spazzfrica Ehd) y Pau Rodríguez, (Papa duPau) han decidido dejarse llevar por el pulso del caos y como si fueran émulos musicales de Borges, crear su Aleph particular donde confluyan pasado, presente y futuro en un mismo plano. Za! es sinónimo de libertad total, de desenfreno, llevado con sentido del humor y un poco de nociones ecologistas.
Megaflow –su segundo disco- emana notas mutantes, sonidos estridentes sin patria ni bandera. Juntos hacen algo que descoloca a la crítica tradicional, que ha recurrido a etiquetarlos como: primitivismo futurista o post-world music. Se recurre al lenguaje conocido para nombrar aquello que traspone la lógica simple. Y es que el recurso se justifica cuando la pareja expone lo que llegan a concentrar: "En una misma canción de este disco tocamos fado, nu metal, punk ruidoso y un jazz muy reflexivo, pequeñas versiones de grupos imaginarios".
Dignos herederos de Frank Zappa, estos catalanes no son unos recién llegados. Ya en 2009, con su debut Macumba o Muerte se colocaron como segundo mejor álbum del año y uno de los mejores de lo que va del siglo XXI, según la influyente revista española Rockdelux.
Megaflow descoloca, interroga, increpa… esas son su virtudes; se desplaza de lo conocido, se adentra en territorios musicales ignotos. Si volvemos e insistimos en el universo borgiano y su manipulación del tiempo, no encontraremos tan extraña la manera en que trabaja esta mancuerna: “El pliegue espaciotemporal permite que lo experimental se pueda cantar en el baño, que el ruido tenga estribillo y que las "músicas del mundo" se toquen con tres distorsiones y la guitarra pasada por dos amplificadores distintos”.
Pau estudió nociones básicas de trompeta y Edu dominó la batería casi de forma autodidacta. Lo que no les impide manipular gran cantidad de instrumentos –incluso en el directo-. Entre los dos –tras la partida del bajista Alberto Alegre rumbo a Camboya- montan y dirigen su orquesta freak, que parte se segmentos estructurados previamente pero que da mucho espacio a todo tipo de improvisación.
Uno de sus aciertos ha sido evitar que tal saturación de elementos se desparrame y pierda cohesión. No en vano llevaron el material grabado en España con Santi "MuerteMuerteMuerte" García para que fuera masterizado por Jeff Lipton, colaborador de Arcade Fire, Battles y Lightning Bolt. De allí el caos salió potenciado y rozando altas cotas de calidad de audio.
Acerca del secreto que habita en un álbum –editado por discográficas de tres países simultáneamente- la pareja explica en el Blog del sello Acuarela que: “radicaba en un agujero de gusano cósmico donde lo más probable es que todo encaje, donde Frank Zappa se marca un solo encima de los Animal Collective cantando en modo hooligan, donde la Orchestra Baobab de Senegal toca gamelan tomando prestados los instrumentos de los Boredoms, mientras Super Mario coge una estrella y corre desnudo por el museo del Cairo”.
De hecho, han tratado de que la gente interactúe con sus creaciones, en la instalación homónima que hicieron en la Fundación Joan Miró de Barcelona, los visitantes pueden manipular los temas y modificarlos a su gusto. Precisamente, el aspecto de la improvisación es algo que inquieta a la prensa europea; Za! simplifican el proceso –que también exploran en el proyecto alterno conocido como La orquesta del caballo ganador-: "Llevamos partes cerradas, más complejas, hasta que uno hace una señal, un riff, un acorde, lo que sea, y llega el momento de la improvisación. Tanto en el estudio como en directo. Hablamos de improvisación conducida, a la manera de Butch Morris, un tío que venía del free jazz y que se inventó un sistema de señales para conducir toda una orquesta, indicando simplemente texturas, volúmenes o tipos de sonido".
Para desenmarañar un poco todo el entuerto la portada del disco hace las veces de un mapa conceptual en el que el grupo construye una especie de biografía reconociendo influencias a modo de un sincero homenaje.
En apenas 46 minutos, Megaflow (Acuarela/Gandula/Discorporate Records) ofrece una experiencia alucinante y alucinada que recién han mostrado en el South By Southwest de Austin, Texas, y de regreso en Europa por Alemania, Inglaterra y Portugal. En ambos lados del Atlántico pudieron constatar ese fluido crepitante de free jazz, noise rock, metal, música clásica y folk psicodélico. Influencias divergentes que se aglutinan con el ánimo carnavalesco de Za!: "No entendemos por qué se asocia lo experimental siempre a lo serio, a lo trascendente. Se trata de probar, divertirse".
Pero medios y escuchas insisten en obtener una respuesta simple y comprensible del concepto de Megaflow; un acto tan nimio en el que no suele caer la pareja. En sentido contrario repiten que se trata de un lugar mental: “Es justo ahí donde se encuentra el Mundo Estrella, un estadio bidimensional formado solamente por seres que disfrutan y bendicen cada día las bondades que nos ofrece PachaMadreTierra. Camaradas, gritad nosotros y simulen un delay a lo King Tubby: ¡WAH!... Wah! wah! wh! w!”. Una reverberación que se va extinguiendo con la certeza de que en la aldea cósmica del caos no hay error.

¡Que se mueran los hipsters!

2011-03-19T09:43:00.000-07:00

Los desplantes provocados por la coyuntura mediática, la moda y el raquítico derivado de la vanguardia a lo que ahora llamamos “tendencia”, ciertamente provocan algo de repeluz, nauseas o comezón ideológica. También es innegable que a los sociólogos de última generación les encanta seguir subdividiendo al colectivo social en tribus urbanas cada vez más específicas.
Allá ellos, pero cuando esos cazadores de modas pasajeras llegan a afirmar que ahora en nuestra escena padecemos de males endémicos de otras regiones del mundo ponen sobre la mesa un debate al menos fastidioso y molesto. Mucho se lo deberían pensar al recordar que bastaron unas cuantas notas a tope de rating para que algunos emos resultaran tundidos por ciertos intolerantes. ¿Ahora resulta que en la escena músico-cultural mexicana estamos rodeados de hipsters? ¿Será un asunto estrictamente chilango o habrá hispsters mayas, chuntaros, tuzos o charros?
Lo que debemos acotar con firmeza es que tal estereotipo debía de seguir circunscrito a Nueva York y su área metropolitana. Allá inventaron el término, en tal sitio les sirve y su contexto cultural lo explica y sostiene. ¿Quién les recomendó que copiaran tal concepto y lo asentaran en tierra azteca?
Y es que en estas cuestiones socio-culturales nunca parece existir a quien echarle la culpa, pero en esta ocasión ocurre que al menos en Norteamérica el que esta palabra regresara a la jerga juvenil se lo debemos al menos a dos hombres con influencia comercial y de medios.
Uno de ellos es el responsable de las tiendas American Apparel: Dov Charney, instigador de una marca que pretende explotar un estilo de vida bohemio, “alivianado”, intelectual pero con poder adquisitivo, y el otro es Gavin McInnes, fundador de la revista Vice, acaso la publicación que inventó todo esto y que enarbola los mismos adjetivos entorno a la idea de: ser avant garde pero con billete, aquí no caben los hippies… por pobres.
A estos creativos les debemos el retorno de un término acuñado en 1957, por Norman Mailer en su ensayo The white negro. En aquel entonces aquellos urbanitas blancos se esmeraban en apropiarse de la cultura afroamericana y desplazarse del dominio de los WASP (blancos, anglosajones y protestantes). En tal contexto apareció la beat generation, a los que no les cuadró el calificativo. Algún crítico atento les colgó la etiqueta estirando alguna frase suelta de una entrevista.
Unos años después el sueño revolucionario terminó y casi nadie tuvo presentes a los hipsters, aunque siempre los hubo. Allá les cuelgan el milagrito a los que están atentos a todo lo último y lo hacen suyo, cuando acá resulta que se aplica para sustituir al calificativo de poser, de alguien que es un posado, un impostor, un mero copista de las modas, del hype. Y claro que hay muchísimos pero ¿qué necesidad había de decirles hipsters?

Entre la banda de por estos lares ya les colgaban el epíteto de wannabes, mientras que en España les llaman simplemente: modernos. Y es que en todos lados nadie quiere que se le llame de tal manera, ninguno se quiere subir al barco. Es un movimiento sin militantes. Nadie acepta abierta y orgullosamente ser un hipster.
El caso es que en pos de caracterizar a uno de ellos habrá que señalar que en su mayoría son gente urbana que crítica a las sociedades contemporáneas (aunque se alimenta de ellas), que son coolhunters (cazadores de tendencias), que buscan tomar lo más excéntrico de la moda (comida vegetariana, ecologismo, filosofías orientales). Habrá que precisar que no son precisamente jóvenes sino más bien se niegan a envejecer conservándose siempre en lo in.
En el caso de Norteamérica se trata de un fenómeno que no es nuevo y al que se viene rastreando desde antes del cambio de siglo. Incluso Mark Greif, editor de la revista n+1, ha contribuido a generar análisis más serios a través del libro What was the hipster? Valga subrayar que se trata de una óptica que aborda el tema desde una perspectiva de pasado.
Este periodista concentra en Nueva York el génesis de tal fenómeno: "Mi abuela vivía en el Lower East Side cuando en 1999 empezaron a venir los hipsters; se alegró. Con ellos venía más policía y calles limpias. Para ella eran monos. Jamás pensó eso de los punks. No le gustaba ni la palabra".
Se entiende entonces que no se trata de una variante de la contracultura sino de una derivación del marketing alternativo. Para el ensayista Eloy Fernández Porta, autor de Homo Sampler, no es complejo entender la situación, dado que: "Los modernos han sido las tropas de choque de la gentrificación, son los hijos del neoliberalismo, de la victoria definitiva de la sociedad de consumo. Están fuera del sistema esperando poder entrar. En su comunidad hay más coolhunters o diseñadores que músicos y poetas".
Ser hipster –aunque muchos lo nieguen- es sinónimo de oportunismoy hoy día parece que nadie los acepta. Existen blogs como Look at this f*cking hipster o camisetas con la frase: "Odio a los modernos”. Para Fernández Porta no son un grupo escaso: “No son como los punkis, hippies o incluso emos que al lustro de su nacimiento pasaron a ser secundarios en el mapa sociológico. Los hipsters son casi una casta”.
En tierra del Tío Sam juran contar con su escritor neo-hipster: Dave Eggers. Y en un tirón han colocado en la palestra a la tendencia pastoral de bandas como Fleet Foxes. En lo que respecta a México la cosa sería juzgar que en realidad el país se concentra en las expresiones del mal gusto. Basta con checar la música que impera, el tipo de estética que las televisoras imponen, la incultura masiva, es decir, el imperio absoluto de lo naco; entonces deberemos de preguntarnos: ¿preferimos que todo se quede como está o es opción elegir una nación de hipsters?
Cómo sea, ahora los hipsters están aquí –llenando bares y conciertos-, ¿deberemos de cuidarnos de ellos más que de el dengue, la malaria o cualquier otro virus mutante? No parecen existir señales que la versión nacional de estos posados se encuentre en vías de extinción sino todo lo contrario; ¿será momento de desear que se mueran los hipsters?

Nick Hornby, un novelista converso a la canción; Ben Folds, un músico usando letras ajenas

2011-02-22T16:18:00.000-08:00

Nick Hornby es un escritor que se ha ganado nuestra confianza por la veracidad que suele emanar de su prosa –y no es que siempre se mueva en clave autobiográfica-; se trata más bien de un tipo que suele exprimir el tuétano a la existencia y contar las intimidades –incluso más nimias- de un cotidiano al más puro estilo británico. Ya sea desde de las furiosas tribunas de los hinchas del Arsenal (Fiebre en las gradas), a partir de la perspectiva de un melómano en plena crisis de la edad adulta (Alta fidelidad), o bien como un patineto adolescente que se convierte en padre prematuro (Todo por una chica).
Egresado de la Universidad de Cambridge y en algún momento colaborador de Esquire, The Independent, GQ y Time, en sus libros se desborda la crónica de la clase media inglesa, aunque curiosamente ha puntualizado que sus principales referencias literarias proceden del otro lado del Atlántico: “siento que la escritura americana me ha formado mucho más que la propia. Es esa sencillez e inclusividad americana, su alma, su carencia de alusión. Mis propios héroes y modelos literarios, la gente que hizo que quisiera escribir, fueron todos americanos: Lorrie Moore, Tobias Wolff, Carver, Ford, Roth”.
El gran público lo descubrió no por su faceta de Dj o de spoken Word –que eventualmente aborda- sino por la adaptación cinematográfica de An Education (con Hugh Grant como protagonista). La buena racha llevó al autor de 31 canciones a organizar una celebración en la que estuvo presente su buen amigo Ben Folds, de quien eligió el tema “Smoke” para disertar en aquel libro.
Pese a que el músico norteamericano le contó que estaba tratando de asimilar a los grupos conformados por universitarios que interpretan a capella sus temas, Hornby le convenció para que trabajara con algunas letras que iría componiendo y que le haría llegar por mail. Así el novelista probaría con la idea del songwriter y el compositor debería de arreglárselas con textos ajenos.
Nonesuch Records se convirtió en el sello que albergaría a Lonely Avenue (10), un proyecto que para el escritor resultó muy equilibrado: “tiene su propia voz, que viene de algún lugar entre nosotros dos”, mientras que Folds le cede el protagonismo al debutante: “Me sentía como si hubiera encontrado una rareza en eBay o algo así. Nick debería haberlo hecho antes, pero es su primer gran esfuerzo y siento como si yo realmente estuviera de más.”

Ben trazó perfectamente la ruta de creación: preparó todo junto a su habitual cómplice Paul Buckmaster, colaborador nada menos que de Miles Davis, Elton John, Leonard Cohen y David Bowie; luego se trasladó a los míticos Abbey Road para grabar y masterizar, pensando siempre en el vinilo como formato fundamental y luego en sus otras versiones.

El resultado dista mucho de ser vanguardista, más bien raya en lo old school. Era presumible que los tiros irían más en la ruta de canciones de tufo oldie, quizá con Elvis Costello o Joe Jackson en mente. A fin de cuentas, las historias no se alejan de ese sabor tan agridulce que nos deja Nick en la mayoría de sus textos: En “Picture Window” una madre cuida a su hijo recluido en un hospital mientras observa los fuegos artificiales de Año Nuevo por la ventana; mientras que “Belinda” se remonta al ocaso de una carrera artística con más pena que gloria. Aunque su capacidad irónica se concentra en “Levi Johnston’s Blues”, dedicada al joven que embarazó a la hija adolescente de la pre-candidata republicana a la presidencia de los estados Unidos, Sarah Palin, y al que luego le dio por dedicarse al porno.

El contexto narrativo era preciso, por lo que Folds colocó por allá una sección de cuerdas, acá confeccionó una balada, jugueteó también con el pop de cepa, pero, ante todo, fue el responsable de cantar los temas, algo que sin lugar a dudas Nick no podía llevar a cabo. Sobre el papel desarrollado, Ben acota: “Al componer la música tuve que recorrer la gama que va de ser lo más simple a convertirme en Shostakovich”.
Por supuesto que la capacidad de Folds quedaba de manifiesto, no sólo en álbumes como Naked Baby Photos (98), The Unauthorized Biography of Reinhold Messner (99), sino también por su capacidad de improvisación. A comienzos del año organizó un concierto dedicado a la red social Chatroulette, que se dedica a enlazar desconocidos sin ningún vínculo aparente. Las personas aparecían en la pantalla y tras una muy breve intervención sobre quien eran, el compositor les dedicaba una cancioncilla. Varias versiones del acontecimiento ahora pueden verse en internet, por lo que un tipo que se conectó sentado en la taza del baño y con el rollo de papel bajo el brazo ha sido visto ya por más de 5 millones de personas. Curiosa manera de ceder parte de la intimidad, en una humorada muy del sello Folds.
En ese tenor, cierta parte maliciosa de la prensa –considerando el buen oficio letrístico de ambos involucrados- le recomendaba a Hornby que cuando vuelva a acumular grandes letras, mejor se las mande a un tipo que en verdad las necesite, como Liam Gallagher de Oasis. Pero no hay que olvidar que Lonely Avenue surge antes que otra cosa por el fuerte nexo de amistad que procede de varias años atrás, tal como lo cuenta el norteamericano: “En uno de mis primeros conciertos- como Ben Folds Five- probablemente cuando Alta Fidelidad estaba en su apogeo, Nick estuvo en uno de ellos. Si hubiera sabido que el muchacho cuyo libro estaba leyendo estaba allí, me hubiera puesto bastante nervioso. Incluso aunque no llegamos a conocernos, ahí fue donde empezó todo: él estaba escuchando mi disco mientras que yo leía su libro al mismo tiempo”.

Enrique Morente, hasta pronto!

2010-12-13T15:00:00.000-08:00

Enrique Morente transformó al flamenco y de paso creó uno de los discos más transgresores del siglo XX, Omega (junto a Lagartija Nick), donde incluye versos de Federico García Lorca y Leonard Cohen, entre otros. Falleció a los 67 años de edad, apenas algunos días después de haber cantado delante del Guernica de Picasso, a quien dedicaría un nuevo disco abriendo el 2011. Aquí ofrecemos un texto sobre su pasada entrega discográfica a modo de homenaje a un Cantaor único, a una voz capaz de derribar a una muralla, a un creador libérrimo e irreductible.

Enrique Morente o de las raíces del flamenco
Si existe un territorio musical donde la tradición se defienda con celo y algo de fanatismo es el del flamenco. Los viejos maestros y los eruditos calculan y valoran con tiento cada incursión para aquilatarla o desterrarla de los círculos ancestrales. Es por ello, que al cante le cuesta tanto tirar para adelante. Casi siempre se insiste en que a lo hecho por los artistas de leyenda no se le supera, si acaso se le iguala.
Pese a cierta inercia conservadora, de cuando en cuando surgen figuras que a través de su hacer son capaces de renovar el pasado y proyectar su arte hacia el futuro. Así lo ha hecho el granadino Enrique Morente (1942), que si bien comenzó su carrera apegado a las formas y estructuras históricas del flamenco halló la manera para alimentarlo de referencias poéticas y coqueteos con otros ritmos y escuelas más contemporáneas, como lo es el rock.
En su discografía conviven desde trabajos de línea pura como Cante Flamenco (67), acompañado por Félix de Utrera y Nueva York/Granada, Morente-Sabicas (90), la última grabación del maestro navarro de la guitarra, con obras de una inmensa capacidad rompedora como su Misa flamenca (91), con textos de San Juan de la Cruz, Fray Luis de León, Lope de Vega y Juan de la Encina; Omega (96) junto al grupo de rock granadino Lagartija Nick y numerosos artistas del flamenco, como Vicente Amigo y Tomatito, para adaptar poemas de Federico García Lorca y temas del cantautor canadiense Leonard Cohen. Este disco ha sido todo un referente en la revolución del flamenco e incluso se presentó en México en 2008. Otro trabajo en el que abreva de fuentes literarias es Morente sueña la alhambra (05), revisando autores hispanos y moros.
La gran capacidad interpretativa de Morente le ha llevado a montar, en 1988, el espectáculo El loco romántico, basado en Don Quijote de la Mancha, a presentarse ante la Catedral de Barcelona, acompañado de las Voces Búlgaras y más recientemente en el Festival Primavera Sound 2008, aclamado por un público joven y eminentemente rockero.
Pero en su trayectoria no existía un disco grabado en directo y concebido como tal. Por lo que decidió que el sucesor del álbum dedicado a Picasso, Pablo de Málaga (08), fuera su primer material en vivo y que obedece a una petición directa de su esposa Aurora, quien le pedía hacer un disco para la familia, totalmente flamenco, para que se despegará de “los discos raros que suele hacer”.
Así es como surge Morente Flamenco (Universal, 09), una revisión generosa y amplia de los distintos palos –claro, no están todos- en compañía de cinco guitarristas de primera línea: Juan y Pepe Habichuela, Rafael Riqueni, David Cerreduela y Juan José Suárez “Paquete”.
Este repaso a las raíces del género incluye homenajes a sus maestros, como la serrana de Pepe de la Matrona y los tientos a Sernita de Jerez, además del repaso a “Tangos de la vida”, “Soleá de los cañaverales” y “Fandangos naturales”.
El único tema inédito es el que abre y cierra la sesión. “Nana de Oriente” está dedicada “a las madres que han perdido a sus seres más queridos en guerras y cruzadas” y en ella aparecen sus hijas Estrella –de amplio reconocimiento- y Soleá –prácticamente haciendo su debut-. A ellas se suma un coro de niños –en el que están los nietos- para crear una atmósfera de tintes nostálgicos en esta bulería.
Considerado la primera figura del cante, cada proyecto de Morente despierta gran atención mediática. Es un hombre acostumbrado a tratar con la prensa, Pero no deja de sorprender la sinceridad humilde con la que aborda el comienzo de su carrera, que tuvo, en la década de los setenta, una importante estancia en suelo nacional. Cuando el periodista Luis Troquel se remonta a la pervivencia en el tiempo del cantaor, Enrique hace memoria: “A mí, cuando me preguntan dónde aprendí a cantar, tengo que decir: en México. Todo el mundo cuenta que aprendió en las cuevas, con su tía no sé qué, con su abuelo no sé cuántos, qué si soy nieto de tal y heredero de cuál dinastía… Pero en mi caso no fue así. Claro que le debo mucho al arte que tenía mi madre, que cantaba de maravilla aunque no se dedicara a ello, pero yo me encontré a mí mismo en México. Yo soy casi más mexicano que español”.
En nuestro país editó primero un disco-homenaje a Miguel Hernández (71) y convivio con artistas e intelectuales del exilio, entre ellos, Paco Ignacio Taibo I, que frecuentemente invitaba a españoles a comer y donde surgió una anécdota sensacional: “Todos los días aparecíamos unos cuantos caraduras a comer. Todos en una mesa muy larga… Había un tipo que casi no hablaba pero se reía mucho con las tonterías que decíamos el guitarrista y yo… y al cabo de unos años me cultivo un poco más, cojo algo de cultura, y un amigo me regala un libro que se llama Pedro Páramo y digo: ¡Pero si este es Juanito!”.
Así es el hombre del que se dice que "ha inventado el cante del siglo XXI". Un respetuoso de las fuentes de las que ha abrevado, al tiempo que ha sabido transgredir barreras y clichés: “El flamenco está ligado a muchos tópicos, a mentalidades casi islámicas. Dogmas y confusiones no dejan libre el oído. Me parece grave que sectores del flamenco adopten una actitud de partido político dentro del arte, atacando a unos y defendiendo a otros. Entender el flamenco, aun sin estar metido en este mundo, lo entiende todo el que sabe escuchar".

Las mañanas de John

2010-12-08T15:51:00.000-08:00

El día que murió Lennon estaba acostado todavía
transmitieron la nota en prime time
carecí de fuerza y causa para levantarme
-la provincia incurable, como siempre-
parecía que el tiempo se había detenido
aunque las concentraciones masivas nada me decían
las mismas mujeres histéricas tras descubrir a los escarabajos
-gritos carentes de sentido inundando Central Park-
muchos otros prefirieron callar
y perderse en la inmensidad de sus habitaciones
-la mía era tan grande como el mar
y terminé ahogado-.

Desde entonces es una de las escasas fechas que recuerdo
y cada 12 meses pienso en que si la historia es una espiral
ese día se torció.

No puedo negar que otros lo han intentado
pero John tenía un modo muy simple de revelar secretos
eso lo hacía tan cercano
mucho más que el cabello largo, las gafas y las poses.

Con él se fue la broma como oposición al sistema
lo imagino contento con los wikileaks
¿merecerían una nueva canción?
seguro le hizo gracia que un cantante regordete interpretara a su asesino
-un poco de humor negro convertido en biopic-.

Esta mañana los medios se alimentan
de cuando despertamos hace treinta años
el working class heroe sigue siendo rentable
sus canciones ahora se venden por iTunes
y juro que no me siento bien
nada bien
prefiero las expectativas modestas
prófugas de un disco de vinil que gira en una habitación.

John Grant: entre la caída de Zares y el encuentro de Reinas

2010-12-03T06:32:00.000-08:00

Si fuera por la parte más conservadora de la industria musical lo que privaría serían historias de gente que salió de la nada (preferentemente barrios pobres y familias disfuncionales) y alcanzó el éxito masivo pese a todo tipo de obstáculos. Adoran aquello de “Y vivieron felices para siempre”. Aunque también existe la vertiente que se alimenta y financia de las tragedias de las estrellas. Existen medios para dar seguimiento a las grandes figuras caídas en desgracia. Ese síndrome de Elvis y Marilyn en nuestros días crece en Pete Doherty, Charlie Sheen o Amy Winehouse. Los tabloides arden en deseo de nuevos desplantes, de más traspiés que llenen portadas y vendan miles de ejemplares.
Se tiende entonces a la dicotomía, a un universo maniqueo dividido únicamente en buenos y malos. Y así no es la vida. Existen muchas aristas, inflecciones y posturas que no nos hacen meros héroes y villanos. Existe una gran complejidad que de verdad nos humaniza, nos vincula con la experiencia existencial hasta la médula, ya sea a través del dolor o el placer.
No falta quien se aferra al modelo de la Cenicienta o Rocky, pero no son pocos a quienes seducen biografías como Sid Vicious o Ian Curtis de Joy división –la atracción por la tragedia-. Se trata de paradigmas extremos muy propios para las leyendas de celuloide, exageraciones que se salen de la medianía. Lo que es un hecho es que entre ambas tendencias hay un espectro vastísimo de formas de vivir para gente de carne y hueso; experiencias con subidas y bajadas que mucho tienen de impredecibles. Hay todo un rango donde se mueven personas que saben lo que es caer, levantarse y seguir luchando, sin que les importe como tema central el éxito; prefieren primero rescatarse y sobrevivir haciendo lo que mejor pueden y más les llena.
Así ha ocurrido con John Grant, quien hace una década trataba de subir algunos peldaños en el escalafón del rock junto a su banda: The Czars. Por más que la propuesta (shoegaze y pop ambiental) poseía calidad y calidez no trascendió; sus miembros al ver que nada bueno ocurría decidieron desintegrar el grupo tras de grabar Sorry, I Made You Cry (06), cambiar de aires y dejar Denver, entonces su centro de operaciones.
John se vio sin músicos y sin rumbo. Paró en Nueva York, donde se empleó por como mesero e intérprete en un hospital. Las más duras batallas las libró con su depresiva personalidad y con una historia crónica de adicciones. Hoy día ni se conmisera ni se victimiza, pero sabe que sigue siendo un conflicto que debe enfrentar: “A veces siento que tendría que haber seguido bebiendo, consumiendo cocaína y escapando, porque es muy duro afrontar todo esto. Hay gente ahí a la que puedo acudir. Lo que me dicen es que todo va a estar bien, ellos lo creen, pero tengo que ser yo quien lo crea. Me gustaría no tener que pasar por esto. A veces creo que mi cabeza va a explotar, porque no entiendo nada. Pero bueno, luego te despiertas y ahí está un día nuevo”.
Grant se debatía entre un estira y afloja, pero al menos algunos de sus buenos amigos no lo dejaban de lado. De vez en vez los Flaming Lips lo invitaban a tocar juntos, al igual que los texanos de Midlake. Estos últimos cambiaron el rumbo de esta historia; se preparaban para entrar a grabar lo que a la postre sería The courage of others (2010), pero pensaron que entre sesión y sesión se abrían espacios que su colega podría aprovechar para reactivar su carrera y si hacía falta una banda de apoyo ellos se encargarían de cubrir tal rol.
John Grant no tenía más que melancolía, resabios de sus adicciones, una infancia perdida como constante cita, y por si fuera poco, una atormentada vivencia de su homosexualidad. Reunió todo ello, lo transcribió en canciones y obtuvo Queen Of Denmark, un álbum hermosísimo, reposado y sincero, al que no dominan los pesares –no va en la ruta de Antony- sino una apreciación agridulce y humorística de cada una de sus tribulaciones: “Ahora que ha pasado más de un año desde que fue grabado me doy cuenta de que a estas canciones las ha salvado el humor. Es el principal motivo gracias al que puedo escuchar este disco. Hablo abiertamente sobre cuestiones muy personales, doy opiniones, lo que cuento podría no agradar. Pero el humor es humano y unifica”.
Otro aspecto importante de esta grabación, cobijada por el espléndido sello Bella Union, es que no se trata del manifiesto del que se ha sometido a una desintoxicación, fue al revés; ocurrió que tras escuchar sus propios composiciones fue que decidió ingresar a una clínica. Tras este trance, ahora hace de abridor para Wilco en su gira europea –lo que no es poca cosa-.
Queen of Denmark rebosa de pureza y elegancia desde el instante mismo en que comienza el tema de apertura “TC And Honeybear”, en que incluye, además de cuerdas, a una cantante de ópera. Pero parece que la aclamación –al menos de los especialistas- vino con “I wanna go to Marz”, de la que existe una gran versión en vivo desde el programa de Jools Holland. Importantes publicaciones como como Mojo o Uncut le han dedicado elogios unánimes. Lo que sin duda da sentido a un hombre volcado sobre su obra: “Mi implicación es muy grande, casi insoportable. Para mí es inevitable hacerlo así. Estoy intentando mirar dentro de mí y aceptar lo que veo. Necesito saber si puedo vivir con lo que soy. Hasta ahora este disco es lo más cercano que he tenido a disfrutar en el estudio, pero al mismo tiempo ha sido muy doloroso. Todo estaba sucediendo mientras lo grababa. Me gustaría hablar de la belleza, de pasarlo bien, de ser joven. Espero poder hacerlo algún día”.
Un poco de folk, orquestaciones perfectas, soft rock, teclados intimistas y una interpretación que cala hondo contribuyen a convertirlo en uno de los hallazgos del año, en una de sus joyas (escúchese “Where dreams go to die”). Aquí hay un torrente de verdad y entrega, que además se encauza sobre el flujo del preciosismo. Una estructura musical de ensueño que permite a un compositor mirar a la cara a sus demonios, como confesó a una revista española: “La gente pasa por la misma mierda por la que paso yo, así que a nadie le puedes importar realmente. Porque no eres especial, sólo eres una persona. Me resulta difícil llegar a darme cuenta de los motivos por los que yo puedo importar. Pero por otro lado pienso que estoy aquí. Estoy aquí y tengo contacto con gente cada día. Tú y yo estamos hablando ahora mismo, importamos”.

Muere Illy Bleeding: ¿conoce el rock mexicano a sus leyendas?

2010-10-27T18:46:00.000-07:00

Las ideas y los sucesos se agolpan. Leo que el Director de Wired señala que cada vez menos gente utiliza Internet para su sentido fundamental: navegar. La red es un espacio para que donde antes un paseante al estilo de Walter Benjamín recorría barrios y ciudades, ahora el internauta se pierda en laberintos virtuales. Me seduce la idea, así que prefiero vagar por donde me lleva esta digresión que pende de un click.
Reviso una nota sobre las colaboraciones de Gustavo Cerati; tal como esperaba los visitantes arrojan muchos datos más de los contemplados por el periodista. Uno de ellos rompe la secuencia de duetos del argentino, para avisar a los visitantes del Blog que ha muerto Jaime Keller, a quien la historia del rock mexicano conoció como Illy Bleeding o Illy Godzilla, vocalista de una agrupación seminal para el punk: Size.
De inmediato imagine que se trataría de un asunto para clavados, ya que las nuevas generaciones inmiscuidas en el consumo y culto de nuestro rock (¿o debería decir rockcito?) poco o nada conocen del periodo menos documentado del devenir del rock nacional; ese que comienza con la debacle tras Avándaro en 1971 y que concluye hacia mediados de los ochenta cuando regresan los conciertos internacionales y las agrupaciones nativas asoman la cabeza.
Es escasa la bibliografía existente, poco se apuesta por la historiografía y el periodismo especializado y los materiales discográficos son difíciles de conseguir aun en estos tiempos. Para mi sorpresa, descubro que hace menos de 3 meses, el crítico jalapeño José Homero dedicó su espacio de blog en Letras Libres para disertar sobre Size y su sitio en el desarrollo de nuestro rock (¿Lo que no diría Paz!).
Me parece oportuno citar el texto del también veracruzano poeta y ensayista:
“En 1978 surge Size con Illy Bleeding (o Illy Kosovo, Illy Godzilla e incluso Illy Keller), Walter Schmidt (también Dennis Sanborns), Carlos Robledo (This Grace) y Dean Style. En sus seis años de existencia dejaron huella con canciones memorables, y patentaron las vicisitudes y el devenir que la escena musical experimentaría a raíz del punk.
Canciones como la emblemática “Tonite” acusan el influjo del punk en el fraseo de Bleeding y en la crudeza de la letra, pero prepondera el elemento bailable, cifrado ya desde el inolvidable intro, con efectos juguetones, líneas funk en el bajo e inquietantes y líricos subrayados de sintetizador, que le otorgan ya un inconfundible sello postpunk. Se trata de la asimilación mexicana de esa experiencia que se decantó hacia la electrónica con instrumentos baratos, que comienza Daniel Miller y expresaron mejor Fad Gadget y Depeche Mode, justo en el sello del primero”.
Tras el artículo original han sido varios los que han alimentado una candente polémica que es característica de nuestro entorno. Un fan talibán apoya a las viejas figuras y no faltan los que ponen en tela de juicio los méritos de aquellas “glorias”. Que si Chac Mool es cumbre del progresivo azteca o que si Toncho Pilatos o Bandido daban escuela de lo que debía de ser una big band.
El más radical de los implicados no vacila en repudiar a Size por provenir de una clase acomodada, como también ocurría con Dangerous Rhythm –después Ritmo Peligroso-.
Un acontecimiento como la muerte de Illy nos permite plantear ciertas ideas a propósito de la manera en que se entiende y abordar al rock de acá. ¿En verdad es relevante aclarar si el punk más auténtico es el de los barrios periféricos y pobres? No le demos vueltas, el punk entró por el Pedregal y las Lomas –allí habitaban los primeros punks aztecas-. Luego bajó hasta Insurgentes Sur, donde se localizaba Hip 70, la tienda de Armando Blanco y que expendía los mejores discos, bien resguardados por un par de perros Doberman. El sitio contaba con una salita superior para conciertos, que como era de esperarse, tenía condiciones infames y equipo paupérrimo, pero allí comenzaron a tirar quienes no se lamentaban por no vivir en Londres o Nueva York. La cosa era intentarlo, ampliar los horizontes de mira y escucha.
Luego vinieron Silueta Pálida, Syntoma, Las Pijama A go go, Casino Shangai, El escuadrón del ritmo, Chula Chula Chaqueta, María Bonita, Interface, todos los proyectos del Dr. Fanatik y muchos otros visionarios. Si nos apegamos a estrictos juicios de calidad, obtendremos distintos valores para cada proyecto, pero es un asunto que requiere de más espacio.
Regresemos al fallecimiento de Bleeding, un tipo que atento a lo que ocurría fuera también se cortaba en el escenario más por seguir a Iggy Pop que a Sid Vicious, para plantear una interrogante: ¿porqué carecemos de verdaderos rockstars locales? ¿Por qué se ha demeritado tanto este tipo de figuras? Lo más devaluado del asunto sería que nos conformáramos con la saga de You tube en que arrestan a un ebrio como León de Zoe.
Antes para ganarse un sitio ante un público prácticamente inexistente había que poner todo por delante y nos sólo aparecer en revistas del corazón. Homero es quien se concentra en los haceres de Size, pioneros no sólo del punk, sino del new romantic y la electrónica: “Decía que distinguen a Size las texturas de sus acordes sintetizados. Schmidt posee un gran talento para crear riffs atractivos y pegajosos. Pero esos riffs no sólo atraen, a manera de una inteligente motivación ensayística, sino que sostienen la estructura de la composición y permiten los cambios de ritmo sin brusquedad. “Time Trap” y “El diablo en el cuerpo”, composiciones complejas, muestran claramente ese dominio digamos clásico de Schmidt en conjunción con Robledo, quien acentúa la melodía con su teclado, para transitar de un espacio sonoro a otro, puentes con tintes de complejidad barroca”.
Es lamentable que en México para todo –y no sólo en el rock- carezcamos de memoria histórica, que se nos olvide la mayor parte, que casi nada permanezca. Para que hoy existan personajes que rayan en lo vacuo o lo banal pero se sienten rockstars, debieron existir toda una generación de picapedreros a los que les tocó la parte más ingrata de una saga que ha construido una tradición –ciertamente endeble- peleando a la contra y con todo por perder.
Una figura como la de Illy Bleeding también nos permite enfatizar que para ciertas personas el rock and rock no sólo es fama, pasarelas y reflectores. Tras varios años fuera de la escena este hombre volvió con otro proyecto, acompañado por Los rebotes trucosos. Jamás alcanzó los escenarios más importantes, no obtuvo un reconocimiento masivo, pero allá donde los abismos del verdadero underground se abrían conectaba sus instrumentos y comenzaba a actuar.
Aquellos Beatiful losers –que anticipara Leonard Cohen- bien merece una hagiografía, una improvisada reivindicación que no conoce de clases sociales y que se limita a señalar esa perseverancia y espíritu irreductible de algunos rockeros de antaño. Illy vivió como el título que dio al álbum de Size: “Con el diablo en el cuerpo”.

Win Butler marcha

2010-10-15T12:22:00.001-07:00

Encontré un rincón debajo de un Billboard
que hacía las veces de un sofá de concreto
desde allí formulaba preguntas
arrullado por la marea lenta de automóviles
y viendo como las hojas rojizas flotaban en el aire
como pedazos de fuego levitantes.

Existir en los suburbios se vuelve lento y gris
pero algunos se creen los historias de una biblia de Neón
-la única luz que pueden imaginar-
a los demás no les queda más que el vacío y una tarjeta de crédito.

La gente suele reírse de mi pequeña rebelión
más cuando sabe que la tramé desde al asiento de atrás
escuchando y mirando postales efímeras
de ciudades en las que casi no había niños.

Me instalé luego en un cuarto vacío
justo en medio entre lo esencial vs lo aleatorio
delante del conflicto del hombre moderno
pero no puedo decir que me sintiera un poco mal siquiera.

Con el correr del tiempo apenas tengo claro
que una verdad siempre se deja ver por mitades
para irla asimilando poco a poco
como un niño pequeño que pierde el miedo a los columpios.

Sentado a la vera del camino
no tengo demasiada prisa
saben, para la jugada importante
se requieren dos cosas:
elegir bien y saber esperar.

Incluso hallar una zarza envuelta en fuego
puede ser un espejismo
que atrase una marcha de largo aliento;
el caminante conoce el momento de detenerse
cuando dejar que los carros sigan corriendo
sentir la pausa viene del interior
luego el cuerpo sentirá ese calor irrefrenable
la clara señal que estoy listo para arrancar de nuevo.

!!! o la danza ritual del clima extraño

2010-08-23T15:17:00.000-07:00

Una de las mejores propiedades que posee la música es que se trata de una expresión simple y directa, que en muchísimas ocasiones requiere de pocas explicaciones. Sencillamente, captura los sentidos, se va resbalando por la piel y atrapa primero el cuerpo para luego apoderarse de tu mente. Es una experiencia en sí misma que no requiere de ningún diccionario; es un lenguaje universal de acceso y disfrute inmediato.

Así que lo mejor que puedo decir de un grupo como !!!, es que me provoca esa excitación sensible que sólo una música libre, descarada y poderosa puede producir. Strange weather, isn't it? es apenas su cuarto largo en una carrera dilatada que se remonta a 1995, cuando se congregaron en Sacramento, California y aun no imaginaban su mudanza a Nueva York, donde se convertirían en uno de los emblemas andantes del punk funk, una andanada excitante en la que en su momento cabían desde The Rapture a unos esquivos LCD Soundystem, donde ahora milita su bajista original.

Pero antes que seguir en la ruta historiográfica, prefiero detenerme en el solaz que provoca “Made of Money”, el último corte del disco, pues además de que cierra el disco en todo lo alto y nos deja con el cuerpo lleno de endorfinas, representa la última pieza grabada por Jerry Fuchs, baterista que muriera en un accidente ocurrido en el elevador de un estacionamiento de autos.

Sin duda, se trató de una perdida grande para un grupo que se mueve como un colectivo, sin líder preponderante y con tan buena vibra que incluso montaron un proyecto paralelo, conocido como Out Hud (ahora desintegrado para siempre).

Strange weather, isn't it? (Warp,10) no se anda por las ramas; de inmediato se sienten esas gruesas líneas de bajo, las bases machaconas –que ahora casi rozan el drum & bass o el kraut rock- y las líneas melódicas que cortan en fragmentos el aire. Aquí hay una pátina de autor más que un descubrimiento. Más bien engrandecen una historia de baile tribal que arrancó con dos sencillos tremendos como “Take ectasy with me” y "Me And Giuliani Down By The School Yard (A True Story)", publicado en junio de 2003, y en el que retaban al mismísimo alcalde de Nueva York, célebre por sus políticas de cero tolerancia y que estableció fuertes medidas en contra de las discotecas y bares de concierto.

Pero fue con su anterior trabajo que todo lo sembrado dio frutos. Myth takes (07) despertó gran entusiasmo a partir de la contundencia de dos temas: “Heart to hearts” y “Must be the moon”. El grupo siempre ha mostrado gran solvencia sobre la parte instrumental y se sienten cómodos moviéndose, digamos que a media tabla, de la liga mundial del rock. Gozan de un prestigio underground y no parece que les obsesione el convertirse en cabezas de cartel de los grandes festivales. Sus canciones son robustas y contagiosas; conforman la médula de su oficio sin que la fama se convierta en un lastre.

Aprovechando un promisorio panorama que se les abría, optaron por moverse a Berlín para fraguar su siguiente largo, que presentaron al mundo a través del sencillo “AM/FM”, que se podía descargar de forma gratuita desde la web del grupo, en formato de un alucinado video dirigido por Black Dice.

A lo largo de los 11 temas que lo conforman se siguen explayando en la duración y dando gran importancia a los pasajes instrumentales. Se nota de sobra que Nic Offer, Mario Andreoni, Daniel Gorman, y Allan Wilson (miembros de antaño) y los recién llegados, Shannon Funchess (vocalista del grupo Light Asylum y colaboradora de gente como TV On The Radio y Telepathe) y el baterista Paul Quattrone (antes en la banda Modey Lemon) se lo pasan bárbaro.

Y ello podemos sentirlo en canciones como “The most certain sure”, “Wannagain, wannagain” (con un tremendo bajeo funk), “Jamie, my intentions are bass” y “Steady as the sidewalk cracks”.

Chk chk chk saben congraciarse tanto con la profesión como con los elementos externos. Intuyen que tienen esa capacidad para prender fuego a ese clima extraño que les rodea. Ante la indiferencia y frialdad que suelen transmitir las ciudades, este combo apuesta por un trance ritual a través del baile y la música. Podríamos definirlos como hedonistas inteligentes.

Si bien en la literatura Enrique Vila Matas se ha encargado de enfatizar el encanto y atracción de los llamados escritores raros o excéntricos, es tiempo de que hagamos algo parecido en términos de músicos. Sin duda, que existe como un tronco central en donde caben los grandes monstruos –que acaban siendo monolitos institucionalizados-; lejos del núcleo de esta arborescencia –en sus ramas lejanas- existen prodigios algo retorcidos, con formas poco comunes que se destacan.

Esta banda tiene tintes tan disfrutables como su nombre mismo, que tomaron de la terminación de las películas de la saga de Los dioses debe estar locos; producciones ochenteras donde un bosquimano enfrentaba la maldición de la cultura occidental encarnada en una botella de Coca-cola. Haberse bautizado con tres signos de admiración igual los hace una de las búsquedas más difíciles de Internet –si se teclean tal cual, no aparece nada-.

Si en el mundo de hoy el clima se muestra cada vez más y más enrarecido, al menos tenemos con nosotros a un disco cuyas propiedades convierten a su escucha en un ritual –que como las danzas primitivas- aleja al mal karma y trae consigo todo tipo de parabienes. Una vez más, la música y el baile nos harán libres.

Suave como el peligro

2010-07-25T16:19:00.000-07:00

Brotan de tus labios frases arborescentes
para renombrar
al jardín celeste del universo
(Del poema Que nadie sepa)

Casi siempre preparo a detalle lo que voy a decir de otros libros; usualmente me toca ser presentador y/o reseñista de obras ajenas y ello representa una emoción distinta. Es difícil tratar de describir el trabajo propio. Suave como el peligro es mi libro de más reciente publicación (apenas el lunes pasado se presentó en la Feria del Libro Infantil y Juvenil). Tal acontecimiento me provoca unas cuantas digresiones sobre lo que representa dar a conocer un trabajo terminado y el concepto que tengo acerca de la poesía.

Para empezar, celebro en todo lo que cabe su aparición porque representa la confirmación de una amistad fraguada a sangre, fuego y vino durante muchos años. El artista plástico Enrique Garnica y yo, durante años, nos hemos sentido como un par de islas que con su lento desplazamiento han ido creando un archipiélago. Con el tiempo funcionamos ya como una suma de ínsulas que confluyen en el intento de sacudir a una geografía aparentemente llana y carente de atractivos.

Sobre todas las cosas siempre ha prevalecido la creación; una y otra vez han surgido proyectos que nos mantienen juntos. En unos vamos con ciertas compañías, en otros cambian los nombres pero no las intenciones. El apoyo mutuo se convierte en el acicate para no soltar las amarras que unen a las islas.

Más allá de polémicas, diatribas e insolencias hemos trabajado en pos de que lo que quede sea nuestro trabajo, la obra que surge. Suave como el peligro nos permite subrayar que hoy más que nunca creemos que las fronteras entre las disciplinas artísticas se han ido difuminando. En la utópica nación que hemos constituido no hay distingos entre técnicas y procedencias. Aquí se puede oler la arquitectura; escuchar el canto de una pintura o paladear el sabor de una escultura.

Este libro surge de la necesidad personal de escribir una obra que no tuviera ninguna cita, ya que en Loop traicionero (05) recurrí a diversos remixes poéticos. Al final hubo una única concesión, el título es un verso del admiradísimo poeta y loco Leopoldo María Panero. Y nada más, el resto fue rendir un homenaje estético a una obra como la de Enrique, que trasuda vitalidad y riesgo, que encierra un sinnúmero de significados sin asumir por ello una actitud metafísica o mesiánica. Luego vendría una cita puesta antes de la impresión por quien estuvo al cuidado de la edición, Daniel Fragoso, quien completa la plataforma de Pachuco Press.

Quien ha contemplado cada una de las obras de Garnica sabe que en ellas hay una hermosura salvaje y un cierto latido de que algo siniestro subyace en el fondo. No puede ser de otra manera, es Suave como el peligro. Así le gusta ser, un cazador de belleza y verdad en lo profundo de los bajos fondos de la existencia.

Por otra parte, acotó acerca del porqué escribir un libro de poesía y no otra cosa. Aun cuando esta rama de la escritura no atraviese por el más popular de sus estadios sobre la línea del tiempo.

Considero, pues, necesario entender a la poesía -una derivación del lenguaje- como si de un organismo vivo se tratase; por lo que dada su naturaleza se mantiene en un permanente proceso de adaptación-mutación como parte de una estrategia que le permite sobrevivir.

Cada iniciativa de ajuste al medio permite elevar las posibilidades de sobrevivencia a cada individuo. En ese sentido, la literatura se muestra como una posibilidad íntima de salvación ante una fatalidad que agazapada espera el momento oportuno para ceñirse sobre una nueva víctima.

Ante el inevitable proceso de degradación y muerte, sólo nos sobrevivirá la palabra, hija putativa de su tiempo y en pos de una fuga que anticipe un fragmento del porvenir. Cuando no seamos más que restos de materia orgánica en reposo, la poesía –el lenguaje- dará cuenta de aquello que fuimos. Su eco habrá de encontrar la manera de perpetuarse, ya sea en las estrofas de una canción, el fluido digital contenido en una red infinita o la voz de una especie en pos de un poco de eternidad.

Quizá en el ordenador de los tiempos la escritura postrera consista en un poema, tal vez la exhalación final del último de los seres humanos sea un verso. Si la batalla está perdida, el arte es la única estrategia posible para dilatar una partida en contra del olvido y la extinción.

Suave como el peligro está a la venta en la librería Margarita Michelena (interior del teatro Hidalgo Bartolomé de Medina, en la Plaza Juárez).

Tierra trágalos de Kalus & Kinski

2010-06-14T15:58:00.000-07:00

Siempre vendrá bien un grupo que en cada texto llame la atención. Estos murcianos lo hicieron con el propio nombre y el primer disco (Tu hoguera está ardiendo, 08) y ahora repiten no sólo con el título mismo sino con canciones como “El Rey del Mambo y la Reina de Saba” y “Los niños muertos y la decadencia política”, que van del pasodoble a la balada noir.
No cualquier banda puede pasar de un ritmo a otro sin que su personalidad se diluya, aquí ocurre lo contrario. Saben ceñirse al Folk en ’Mamá no quiero ir al colegio” con su letra demoledora: (“Mamá no quiero levantarme porque no quiero morir / Mamá no quiero hacerme viejo y que no haya marcha atrás”), a la bossa nova “Deja el odio para después de comer” y llegan hasta el noise en “Ya estaba así cuando llegué”.
El único “pero” pasa por esa costumbre tan del rock español de revolver la pista de las voces con el resto de los instrumentos, lo que en este caso en particular lastra a frases bien trabajadas y cortantes. Por ahí le dedican un tema al padre del anarquismo (“Carne de Bakunin”) y recurren a la jerga de la teoría social.
Resabios de La buena vida en el estilo vocal, para un disco lleno de detalles (ritmos diversos, personajes históricos). Piezas como “Forma, sentido y realidad” y “Eres un sinvergüenza” son evidencia de que es un disco grande al que hay muchísimo por sacarle.

Referencias
Klaus & Kinski
Tu hoguera está ardiendo
El celebradísimo debut, igual llenos de recovecos y frases atrayentes.
Nosoträsh
Popemas
En su parte naif comparten letras llenas de ironía, humor siniestro, melodías soleadas y poesía callejera.

Yo la tengo
Popular songs

Klaus & Kinski
Tierra trágalos
Jabalina, 2010

Pensar y reflexionar el Vive latino 2010

2010-05-03T08:36:00.001-07:00

Un puñado de conclusiones

Una vez concluidas las tres jornadas de una cita crucial para la música contemporánea continental es interesante ofrecer una serie de ideas a modo de concreciones cualitativas de lo ocurrido y que se deslinden de las típicas crónicas al uso, con el fin de propiciar una reflexión que tanta falta nos hace. Tras el Vive Latino de este año podemos apreciar y subrayar que:
• Que con sus aciertos y errores se afirma como un evento necesario para el rock no sólo de México sino de Latinoamérica entera.

• Que los grupos con mayor calidad no son los que más publico convocan y viceversa; así crítica y público amplían su brecha irreconciliable.

• Que la Carpa Intolerante se consolida como un espacio sumamente propositivo, abundante en proyectos interesantes y que ofrece propuestas más arriesgadas y de calidad.

• Que un problema fundamental de esta edición fue la calidad de audio, pues muchos grupos tuvieron notables dificultades, y bueno, la tragedia de Austin se cuece aparte, ¡una lástima!

• Que no hizo falta una mayor cantidad de cabezas de cartel para contar con un festival de respetable calidad y atractivo.

• Que Calle 13 atraviesa por un importante momento; no sólo su música se ha enriquecido sino que se agradece la postura políticamente incorrecta de Residente. Sin duda, una de las dos mejores actuaciones del Festival.

• Que aun en los grupos más noveles se nota un mayor dominio de los instrumentos, se nota que se preparan con ahínco. Cada vez son menos las bandas que se muestran insolventes o casi amateurs sobre los escenarios.

• Que las huestes que siguen al ska y el rock combativo son las de menor capacidad intelectual; se comportan como si fueran barras futboleras y su actitud es la de provocar la revuelta sin sentido y razón, -el desmadre por el desmadre-.
• Que han aumentado la cantidad de músicos que integran las bandas y entre ellos ha crecido el número de ejecutantes de percusiones y metales. ¡Una grata y buena señal!
• Que otra actuación de excelencia memorable fue la de Calexico; finura e inspiración que nos llevó al paroxismo con la versión de “Love wil tear us appart” de Joy Division. Ojalá y vinieran más bandas de esa estirpe.
• Que el performance multimedia que realiza Empire of The Sun dividió opiniones, aun con su sofisticación técnica inapelable.
• Que uno de los peores momentos –inserto en una muy mala actuación- fue cuando Celso Piña –mal sonorizado y con pésimo grupo de apoyo- se alejó del vallenato para intentar una versión de “Más allá del sol” de El Tri.
• Que Sussie 4 ha madurado mucho su propuesta e incendió el escenario principal, ya en formato de banda completa e incluyendo a una vocalista mexicana preciosa y afinada (la invitada neoyorkina no tuvo gracia).
• Que Ozomatli tardó en arrancar; fue de menos a más (al igual que la actuación de Los tres) y terminaron por mostrar su oficio aplicado a la música de fusión (mejores los viejos temas que lo nuevo).
• Que Nacho Vegas es un artista impresionante; inspiración lírica y elegancia en una actuación breve pero rebosante en poesía.
• Que es posible decir que Klezmerson fue la absoluta revelación de este Vive. Su sonido del oriente medio es rico en matices y texturas. Sonaron frescos e impredecibles.
• Que las nuevas composiciones de Austin Tv hacen esperar lo mejor; han llevado su rollo casi a terrenos del math rock. Lástima que ni con Chino Moreno se libraron de las fallas de audio. La mala suerte malogró algo que se presagiaba inmenso.
• Que Ely Guerra salió voluntariosa como siempre pero quizá la selección del set no fue lo más acertada posible. No terminó por despegar por completo, tal como le pasó a Julieta Venegas. Ambas cumplieron pudiendo alcanzar mayores alturas.
• Que Los Auténticos decadentes viven en estado de gracia con el público mexicano; saben cómo variar los ritmos y salirse de lo predecible, como al momento de invitar a Banda de Turistas y Carca.
• Que ni los propios Polka Madre se esperaban la tremenda recepción que tuvieron en el escenario rojo. Presentaron a una holandesa de invitada en el canto y aunque se esmeraban en su rollo gitano, la gente se aferraba a hacer slam de cualquier cosa.
• Que no se trata de un Festival único, sino varios festivales yuxtapuestos que nos ofrecen diferentes lecturas y posibilidades de interpretación; que se trata pues de un festival para armar.
• Que en el escenario azul la suerte se repartió caprichosa; Chetes sonó muy bien y mejor al retomar las canciones de Zurdok (allí estaba Terracina en el bajo). Otros no corrieron la misma suerte con el audio.
• Que Sonex son una autoridad en cuanto a llevar al folklore mexicano a otro nivel. Inventiva en el uso de la jarana, un frontman impresionante que además es bailaor. Otro hallazgo para agradecer a la carpa.
• Que Pedro Piedra aun les falta trecho por recorrer y madurar; aun en el escenario pequeño se sentían como perdidos y faltos de chispa.
• Que es una total incongruencia que el guitarrista de Deftones use un instrumento decorado de Louis Vuitton. Además sonaron demasiado emplastados los instrumentos. Su mejor momento pasó hace mucho.
• Que una vez más se comprueba la versatilidad de los Tacubos (Meme y los hermanos Rangel) para andar palomeando con medio mundo.
• Que la presencia escénica y la propuesta de las Kumbia Queers daba para un show más largo (apenas tocaron 20 minutos) y hasta merecen repetir.
• Que tal como dijera Calle 13, la gobernadora de Arizona es una cabrona. ¡Que se tome esa luz verde pa invadirla, ja!
• Que Los tres deberían grabar la versión completa de “El jefe de jefes” que incluyeron en su set, que aunque tardó finalmente tuvo su punch.
• Que además de su espléndida canción “The Crystal Frontier”, inspirada en el libro de Carlos Fuentes, Calexico acertó al combinar “Güero Canelo” con “Desaparecido” de Manu Chao.
• Que al montaje de Tijuana No –quizá demasiado forzado- le faltó mesura y concreción. Eran demasiados en el escenario tocando canciones que sonaron poco amarradas.
• Que Los Románticos de zacatecas son una banda muy inflada mediáticamente y a la que le falta aplicación; disfrutan de una fama inmerecida y precoz.
• Que a los inadaptados –por fortuna, los menos- debemos que cierren la estación del metro a la salida, lo que genera aglomeraciones y caminatas fatales a esas horas.
• Que fue una lástima que El Cuarteto de Nos no consiguiera desplegar toda la energía de la que son capaces. La libraron pero apenas.
• Que la Chilanga Habanera va muy en alza y su noción del mestizaje es sabrosa y cachonda.
• Que habrá Vive Latino para muchos años; primero está el concepto que el elenco propiamente. En la diversidad ha logrado cosechar nuevos y mejores frutos.

Eclosionan ciencia espacial y poesía en un disco de rock

2010-03-20T11:32:00.000-07:00

Antonio Arias edita Multiverso

Mientras la ciencia a descubrir no alcance
las fuentes de la vida,
y en el mar o en el cielo haya un abismo
que al cálculo resista…
mientras haya un misterio para el hombre,
¡habrá poesía!"
Rimas IV
Gustavo Adolfo Bécquer

¿Cuántos discos en la historia del rock fueron grabados en un Observatorio?, ¿Existirán muchas canciones que citen a Kepler en sus letras?, ¿En cuántos discos de música aparece el logotipo del Instituto de Astrofísica de Andalucía?
Antonio Arias tiene una larga carrera como músico (casi 30 años), primero con el grupo 091 y luego con Lagartija Nick, una institución del noise rock español y siempre ha sido un atento lector de textos de ciencia y astronomía. Así que no es la primera vez, que este guitarrista hecha una mirada al espacio exterior, ya en 1999 invitó al astronauta Pedro Duque a sumarse al tema “Newton”, incluido en un disco epónimo.
Durante los últimos años, Arias ha venido cultivando una amistad con el científico José Antonio Caballero, quien desarrolla su trabajo principalmente en el Max-Planck-Institut für Astronomie de Heidelberg de Alemania. Fue el astrónomo español –seguidor de Lagartija Nick- quien estimuló a través del trato personal y algunos artículos sobre Música y Astronomía para que se animará a convertir en canciones algunos poemas sobre ciencia.
Una vez que se consideró que el proyecto era interesante –más aún porque el 2009 era el año Internacional de la Astronomía-, fue este mismo especialista quien realizó las gestiones correspondientes para que se les permitiera grabar al interior del Observatorio Espacial de Calar Alto en Almería, espacios usualmente muy restringidos. Se aprovechó pues este ambiente para registrar tres de las diez piezas que conforman a la postre Multiverso, un álbum al que su autor define como de "Astromúsica".
Arias y Caballero compilaron una buena selección de textos en los que abundan las referencias científicas, eligiendo material del Doctor en Física David Jou, de la periodista y escritora Natalia Carbajosa, del mexicano José Emilio Pacheco, del panameño Carlos Francisco Chanmartin y los españoles Ángel Mendoza y Carlos Marzal.
Así fue como canciones como “El ordenador simula el nacimiento de las estrellas” y “Desde una estrella enana” fueron conformando el primer disco en solitario de Antonio, que no implica un rompimiento con su grupo original sino una incursión paralela, a la que conminó a algunos de sus buenos colegas y amigos: Florent y J de Los Planetas, están presentes en "Laika", que también tiene coros de Noni y Alex de Lori Meyers. Estos intervienen también en los temas "Derrota de Bill Gates" y "Multiverso". Incluso Eric, Lorena y Víctor de Lagartija Nick hacen su aportación a "Cristal".
Multiverso (Recordings from the other side, Popstock, 09) comenzó a gestarse hace poco más de un año, cuando el guitarrista dedicaba su tiempo libre a buscar observatorios espaciales a través de Internet, para lo que pidió ayuda a Caballero. Con el proyecto en marcha, se trazaron dos objetivos: editar el disco antes de que terminara 2009, año de la celebración, y presentarlo en Granada, la ciudad natal del músico, donde consiguieron el palacio de Congresos. Posteriormente también llevaron el directo a las afueras del observatorio y ahora están dispuestos a presentar en otros sitios, acompañados con proyecciones cósmicas.
A fin de cuentas es un disco donde conviven la poesía y la ciencia; el pop y la psicodelia; un poco de catalán y mayormente castellano en las letras. El propósito común de los involucrados era intentar que la astronomía fuera comprensible y razonable –al menos en estas canciones-, y al parecer lo han conseguido, según lo explica su creador: “La música del disco está al servicio de la poesía porque es lo que mejor contrasta con esas letras cargadas de astronomía. Es una vertiente que me gusta mucho: letras científicas, nada personal. De esta manera se encuentra un punto de relajación entre los textos y la música. Me interesaba ese aspecto divulgativo de la ciencia, sin dejar de ser un disco de rock. Y todo haciéndolo con una sencillez muy evidente. Me animó mucho que en las primeras actuaciones la gente disfrutase con las canciones, sin conocerlas. Ciencia con diversión, sí”.
Para ello se ha recurrido a una base instrumental en la que cabe música espacial, y algo de rock puro, reunidos en un disco de ciencia cargado de filosofía del siglo XXI y en el que todavía suenan las reverberaciones naturales del Observatorio en el que fue parcialmente grabado; una experiencia indeleble en la memoria de Antonio Arias: “El viento se cuela por las cúpulas. Fue casi un ejercicio espiritual, entras en comunión con el ambiente y el entorno también entra en la canción. Además, es un sitio muy particular, con la misma llave se abren todas las puertas, está decorado como en los años 70”.

¡Liberté, Fraternité et Musique! 10 canciones de la Francia de Hoy

2010-03-02T15:05:00.000-08:00

Uno de los países más antiguos del mundo. Territorio de la cultura y el pensamiento. Su actual momento le lleva a replantear sus fundamentos y aceptarse –un tanto a la fuerza- policultural y múltiple. La Francia de hoy no tiene un color único de piel ni religión dominante. Su pasado colonial y la economía liberal provocan un flujo constante de gente que llega a la antigua Galia romana en busca de un futuro mejor.
Su complejidad socio-cultural la hace un territorio vibrante, intenso y rico en expresiones artísticas. A continuación ofrecemos una decena de canciones que se escuchan actualmente en el país de Balzac, Sartre, Zidane, Baudelaire, Tierry Henry, Daft Punk y –tristemente-, Sarkozy.
Dominique A
“Immortels”
Tras de casi 20 años de trayectoria, el arte de este hombre simboliza perfectamente la maleabilidad de la chanson. Heredero de Gainsbourg sabe cuando electrificarse y rozar el rock o el momento de quedarse con lo elemental y cultivar un folk casi acústico. He aquí el mejor ejemplo de lo que va el asunto: una canción intensa, casi mística, vaporosa. A base de teclado, programaciones y cajas de ritmo puede crear un universo metafísico lleno de metáforas elegantes y sensibilidad.
Caravan Palace
“Dragons”
Toda la belleza del jazz manouche -del que Django Reinhardt es leyenda- se combina con los beneficios de la electrónica más bullanguera. Así entre scratches, secuencias y cajas de ritmo surge una música que tiene toda la esencia de la bohemia típica de la ciudad luz. Un punto de encuentro entre tradición y actualidad resuelto con soltura y encanto. Abre su epónimo debut del 2009 y pone en el mapa al electro swing.
Benjamin Biolay
“Si tu suis mon regard”
A poca gente le embona tan bien el calificativo de enfant terrible. Este hombre es inclasificable, virtuoso y hasta de un petulante magnético. Letrista, productor y arreglista –todo lo hace con gran talento-. Su entrega del año pasado, La superbe es tan exuberante y lujosa como el personaje que ha creado. Aprovechó para reponerse del truene con Chiara Mastroianni, quien era su mujer. ¡Los amores rotos insuflan la canción gala; hasta en eso se parece a Gainsbourg!
Charlotte Gainsbourg
“Le Chat du Cafe des Artistes”
Turbulenta, inestable y controversial, así es la personalidad de la hija del feo más guapo de la historia, de quien recibió el apellido e hija también de Jane Birkin (inmortalizada por un orgasmo convertido en canción). De la mano de un mago vagabundo llamado Beck Hansen –volcado en el proyecto- hace una buena versión a un original de Jean-Pierre Ferland, que conserva la magia y misterio que asiste a París. Sin duda, la banda sonora para extraviarse por sus callejuelas, cafetines y plazas.
Phoenix
“Lisztomania”
Esta agrupación procedente de París está cobijada por una buena estrella enorme. Lo suyo es un rock pop de tintes electrónicos que no rebosa de originalidad, pero que se ha conectado con la sensibilidad del gran público. Son un producto de exportación de amplio reconocimiento (por eso cantan en inglés) que se apoya en melodías pegadizas, compuestas durante su residencia en un barquito anclado en el Sena. Esta pieza es parte esencial del laureado Wolfang Amadeus Phoenix (09).
Rachid Taha
“Ha baby”
Hijo de migrantes argelinos y procedente de la clase trabajadora, Rachid es una figura de la Francia mestiza, una nación que ha tenido que adaptarse al flujo humano procedente del Magreb y asimilar sus productos culturales, procedentes de una tradición milenaria. Taha gusta de la música árabe pero también del rock y la electrónica, que termina combinando en una mixtura subyugante y hermosa. Combativo en lo ideológico y lo político, es uno de los artistas más brillantes y respetables con que cuenta el país que inventó la guillotina.
Coralie Clement
“C´est la vie”
La peculiar óptica para entender la existencia de los galos, “entre ansiolíticos y café con crema”, que sale de la garganta suave de Coralie (hermana de Benjamin Biolay, quien la produce) acompañada por una flautita y un ukelele; folk silvestre hecho canción. Instrumentación de juguete, base de Toystore (08), que nos hace acordar de las bases que Manu Chao usó para Amadou et Mariam. No sabemos como lo hacen, pero en la simpleza encuentran la sofisticación.

The Do
“On my shoulders”
“Se acabaron los tiempos de Brel y Brassens, la música de hoy no puede tener fronteras”, esa la actitud de Olivia Bouyssou y Dan Levy, que forman el dueto conocido como The Do y que saltó a la fama poniendo fondo a un comercial. Instalados en una apertura de miras, pueden recurrir al finlandés o al inglés para cantar, lo que parece una irreverencia para los francofilicos. Aquí unas cuerdas de ensueño se incrustan en una bien lograda pieza de indie rock. Esta canción se convirtió en un éxito instantáneo y sustentó su brillante debut A Mouthful (08).
Les yeus noirs
“Calusul”
La presencia de la cultura judía es muy importante en la composición de la Francia de hoy. Los hermanos Eric y Oliver Slabiak llevan 20 años encabezando a un grupo que interpreta piezas de la tradición yiddish y klezmer procedentes de distintos países. La parte medular del proyecto consiste en que ambos cantan y tocan el violín con una sincronización asombrosa, su velocidad es sorprendente, y si a ello agregamos que la banda incluye doble bajo, acordeón, guitarra, chelo, cimbalón y batería, el atractivo salta a los oídos. Pueden parecer tradicionalistas, pero tienen un espíritu renovador, como puede comprobarse en el doble recopilatorio Best OYN/Opre escena (09).
Orchestre National de Barbes
“Sympathy for the devil”
Barbes es el barrio donde se establecen los inmigrantes africanos, lo que le da una energía muy especial. Algunos de los músicos del vecindario fundaron una orquesta que representa al rumbo como si fuera un estado virtual e independiente. Sus presentaciones son ardientes y en ellas abundan los instrumentos árabes, un folklore milenario y la fuerza del rock, como en este clásico de los Rolling con el que suelen cerrar sus mítines-concierto.
Bonus track
Moriarty
“Jimmy”
Son algo así como descendientes del Humprey Bogart en Casablanca. Son 5 tipos errabundos que se encontraron en París, cada uno con nacionalidad distinta, de Suiza a Vietnam. Se juntaron y decidieron homenajear a Jack Kerouac usando el apellido de uno de sus personajes más célebre. Tocan una mixtura de jazz y folk que teje brumosas atmosferas propias para la ensoñación. Esta canción viene en su disco debut Gee Whiz But This Is A Lonesome Town (08).

Los 20 discos de la década (más allá de las fronteras mexicanas)

2010-02-13T14:43:00.000-08:00

Hispanoamérica, un territorio ideológico y cultural atravesando una década que tendió vasos comunicantes a través de la explosión tecnológica. Escuchas más atentos que nunca intercambiando grabaciones y artistas. El surgimiento de figuras transcontinentales atendiendo a generaciones cada vez más cosmopolitas, pero ansiosas de encontrar mensajes que les brinden identidad a corta distancia.

Solemos prestar mayor atención al autoconsumo, a los fenómenos locales, así que nos viene bien repasar una veintena de grandes discos surgidos del imaginario hispanoparlante a partir de la premisa de no incluir a México en el recuento. He aquí los detalles de lo hallado.

Infame (03)
Babasónicos
Renovación generacional para el rock argentino, no sólo en forma sino en el discurso y la lírica. Una extraña y bella poesía callejera inserta en desplantes de glamour y mucha energía rutilante. Rock con chispazos electrónicos que se espació por toda Hispanoamérica. “Irresponsables”, “Putita” e “Y qué” se erigieron himnos instantáneos.

Hola, Chau (01)
Los fabulosos Cadillacs
No es usual incluir un doble en vivo en las listas, pero se trata de una obra vasta y generosa que marcó un antes y después en la historia de este combo. Hicieron una pausa en lo más alto, desbordando frenesí y posibilidades musicales. Punto de inflexión para el rock latino.

Los de atrás vienen conmigo (08)
Calle 13
Destruir las nociones y conceptos que se tengan del reggaetón desde el interior del reggaetón fue y es la consigna de Residente y Visitante. Han dotado de letras mordientes y lúcidas a su música mutante, que lo mismo recurre al hip hop, que a la salsa o pasajes balcánicos. Los duetos con Café Tacuba y Rubén Bládes son ejemplos perfectos de su mixtura.

El mundo según (06)
Sr. Chinarro
Un minucioso artesano de la palabra consiguiendo estupendas imágenes y metáforas. Antonio Luque tiene una larga carrera que lo confirma como una de las figuras más insignes del indie español. Sus letras van de un impresionismo sutil al que han considerado una interpretación hispana del surrealismo.

Alegranza (07)
El guincho
Dentro del panorama alternativo español este es el disco de mayor proyección internacional en mucho tiempo; tan es así que esta tropicalia electrónica en clave low fi fue reelanzada por el importante sello inglés XL Recodings. Pablo Diáz-Reixa creó una cumbre del cut & paste por la que pasa la enorme cultura musical que adquirió mientras vivía en las islas Canarias. Sin duda, la pista sonora para un carnaval globalizado.

Siempre es hoy (02)
Gustavo Cerati
Para Latinoamérica, el ex – líder de Soda Estéreo constituye un artista mayor, casi una especie de chamán que despierta un culto apasionado. En solitario ha probado con un rock sobrio y adulto cuidado al detalle. Entrega algunas canciones de medio tiempo siempre elegantes y evocadoras. Estilo y personalidad, esa es su gracia.

Vida de perros (05)
Los bunkers
Un puñado de mozalbetes chilenos aferrados al formato de canción rock con toda la vehemencia y fe del mundo. Y obtuvieron una colección llena de nervio y brío que se comunicaba de manera directa e inmediata con los más jóvenes. Espíritu rock en su más pura esencia.

La leyenda de espacio (07)
Los planetas
La banda de Granada alcanza su madurez plena explorando los palos del flamenco y llevándolos a los territorios más eléctricos y guitarreros del rock. Veteranos de mil batallas, poseen la capacidad suficiente para adaptar una tradición tan complicada y fascinante, y así rendir un sincero homenaje al inmenso Camarón de la Isla.

La lengua popular (06)
Andrés Calamaro
Tras de una carrera de excesos y proyectos desmesurados, regresa el Calamaro compositor de canciones redondas. En estado de gracias con la melodía y extrayendo de la cultura popular imágenes conmovedoras, Andrés se afirma como un héroe entrañable, cercano. Hace patente que basado en lo cotidiano puede gestar su propia épica.

Malamarismo (07)
La Mala rodríguez
Al hip hop en español le hacía falta ganarse a cabalidad las jotas. Esta mujer le da sofisticación, belleza y prestancia a su jip jop aflamencado. Conocedora de los problemas de la vida real y su dureza hace del micrófono una tribuna para lanzar reclamos y arengas. Los duetos con Raimundo Amador, Julieta Venegas y Tego Calderón apuntalan su calado.

Idioma suave (02)
Entre ríos
Isol es una mujer con un timbre de voz extraordinario, que le brindaba gran personalidad a la cruza de electrónica y pop generada por sus dos compañeros. Sus letras son como pinturas impresionistas que abordan el amplio espectro de experiencias del hombre imbuido en las grandes urbes. Fueron un orgullo argentino de lo que se entiende por una banda indie.

Hungría (07)
Gepe
Desde Chile vino una actualización del folk a través de la electrónica suave más pespuntes de pop. Una incursión casi minimalista que intenta ensanchar lo más posible el formato canción y llevarlo un paso adelante. Si en algún lado se vale recurrir a la poesía lírica es aquí. Menos trovero que Drexler pero sin llegar a ser Beck, aunque Original Hamster –el productor- bien lo hubiera deseado.

Estalla (08)
Bomba estéreo
No podemos conformarnos con Juanes y Shakira, Colombia es mucho, mucho más que eso. Así que este dueto revoluciona la cumbia y otros ritmos vernáculos para sazonarlos con rap, reggae y tecno low fi. Producen una música quemante, que es la fiesta en sí misma: despatarrada, callejera y carnal.

Ortopedías Bonitas (07)
Manos de topo
Tener a un cantante que prácticamente llora en cada tema puede llevarte a la gloria o condenarte. En Barcelona se tramó el debut de un grupo que dramatiza y se regodea en la tragedia amorosa, con la música como pretexto. Es un grupo excesivo que se destaca por no parecerse a nadie.

Coba Coba (09)
Novalima
Existen países, como Perú, en que las raíces africanas constituyen un fuerte acervo cultural. La perspectiva de un colectivo de músicos y productores como Novalima es utilizar estos materiales y pasarlos por un tamiz contemporáneo para obtener un producto final que respete la tradición y la catapulte a la modernidad.

Dont´ mess with the dragon (07)
Ozomatli
No puede hablarse de Hispanoamérica sin considerar California. Este combo norteamericano se ha caracterizado por abanderar causas sociales y canalizarlas mediante su fusión de salsa, ska y rap. En este álbum dejan un tanto de lado las consignas y se avocan a montar la fiesta más grande que Aztlán recuerde.

Flamingos (02)
Enrique Bunbury
Amado por muchos, odiado por tantos. El zaragozano es un músico arriesgado, potente y con gran voz y estilo interpretativo. Por si ello no bastara, disco a disco decide reinventarse y aquí recurre a un rock más puro y llano para explorar la mitología de la sociedad norteamericana. El sonido está influenciado por el Bowie del periodo berlinés.

The venezuelan Zinga Son Vol. 1 (03)
Los amigos invisibles
Ejemplo de tenacidad y perseverancia, desde su residencia neoyorkina impulsaron y esparcieron su sabroso menjurje de funk, disco y ritmos anfroantillanos. Pasaron de contar con el apoyo de David Byrne a impulsar por su cuenta su trabajo hasta que alcanzó un nivel cualitativo óptimo y reconocimiento continental.

Canciones inexplicables (07)
Nacho Vegas
Este cantautor permaneció durante años lejano a los reflectores mediáticos y el gran público, que se vale ponderar un recopilatorio que permitió mostrar grandes maravillas casi desconocidas. Una especie de Dylan o Leonard Cohen made in Spain. Gracias a esta antología podemos apreciar juntas “El hombre que casi conoció a Michi Panero”, “Que te vaya bien, Miss Carrusell” y “En el jardín de la duermevela”.

Romancero (09)
La bien querida
Ana Fernández Villaverde pintaba cuadros y tocaba en su ratos libres, hasta que buenos amigos como J. de Los Planetas y el Sr. Chinarro la animaron a tomárselo en serio. ¿El resultado? Pocas veces una mujer logra hablar con tanta franqueza de las relaciones amorosas y soltar sentencias como rayos. ¿La música? Un rock pop que puede irse al flamenco o al tecno según la pieza.

Bonus (el lugar 21)

Supercrepús (08)
Joe crepúsculo
Un cantante desafinado que se pertrecha con teclados viejos y cajas de ritmo de antaño. Luego utiliza como letrista a San Agustín o traduce a Barbara Streisand. El resultado es una obra magna del kitsch más delirante. Es disco barroco, dance intelectual o simplemente baladas pastelosas. Un proyecto que termina siendo un montaje performático lleno de frases ocurrentes y música pegadiza a mares.

Se cierra la trilogía Nocilla en un laboratorio imaginario

2010-02-02T17:24:00.000-08:00

Un bar en la isla de Cerdeña que se parece a otro ubicado en las Azores. Una pareja en un recorrido errático que les permite realizar un calculado y secretísimo Proyecto, que cabe dentro del estuche de una guitarra Les Paul. La vaciedad de una cárcel convertida en hotel de agroturismo que facilita el desdoblamiento y el plan vacacional del alter ego.
Obsesionado con las posibilidades y herramientas de la meta-ficción, Fernández Mallo crea otros Fernández Mallo que se expliquen mejor que él y dejen ir una escritura rizomática; un loop sempiterno de cultura y observación mundana, en que se acomodan una y otra vez imágenes extraídas de un televisor silente, un alud de bragas de mujer usadas y La música del azar de Paul Auster.
En la pieza que completa la trilogía Nocilla se crea un espacio obsesivo e inquietante donde lo ficcional absorbe a lo biográfico y los recursos narrativos y el lenguaje se diversifican, mutan una y otra vez para terminar siendo los mismos. Se trata del patíbulo para un Kafka del Siglo XXI que acompaña su última cena con Enrique Vila Matas. He aquí que la literatura todavía puede inquietar y sembrar interrogantes, como en los filmes más logrados de David Lynch.

Agustín Fernández Mallo
Nocilla lab
Ed. Alfaguara

Tarot Sport de Fuck buttons, la sagrada familia de las catedrales sónicas

2010-02-02T17:17:00.000-08:00

“El ruido no es la textura que nos interesa alcanzar, pero nos proporciona el lienzo sobre el que derramar nuestros experimentos con el sonido. Es una herramienta más, como lo son las melodías, la estructura, el ritmo o la percusión”
Quizá el ruido no sea el fin, pero si es un medio muy dúctil para que Andrew Hung y Benjamin John Power –Fuck Buttons- construyan auténticas odiseas sónicas, que en Street Horrrsing (ATP Recordings, 08) –su anterior lp- alcanzaba proporciones extremas, pero que también consiguió notoriedad al trasponer el estrecho círculo de consumidores de la música avanzada.
Los de Bristol han ido perfeccionando sus esculturas musicales, su arquitectura auditiva, porque es un hecho que su debut todavía contenía pasajes en los que la maraña abstracta y ruidista perdía un poco su rumbo. No olvidemos que estas cosas se sustentan en un proceso experimental, en el acierto y error; entre el hallazgo y el extravío. La música es búsqueda permanente, en ocasiones llegas a buen puerto y en otras permaneces a la deriva.
Y en insistir se basa el lograr; Fuck Buttons han dado en el blanco y lo han volado en mil pedazos. Tarot sport, su más reciente entrega, es una obra mayor; una experiencia estética de altos vuelos sustentada en capas y capas de sonido en las que texturas y ruidos están a disposición de generar un eclosión plena de sensaciones y registros. No se escucha algo así todos los días; no en vano la crítica especializada del diario inglés The Guardian, que suele ser seria y formal (no en vano tiene a Brian Eno entre sus colaboradores), ha considerado a este álbum “la Sagrada Familia de las catedrales sónicas”.
En buena medida han potenciado su propuesta gracias al trabajo de producción de Andrew Weatherall, a quien se debe la sapiencia al momento de dosificar el torrente eléctrico de My Bloody Valentine y dar mayor energía a Primal Scream. Ahora logró un equilibrio exacto trabajando el concepto del espacio (se dice que a mitad de las sesiones se salía de la sala para realizar una evaluación del sonido desde la distancia y ver hasta dónde podía llegar).
La odisea comienza con “Surf Solar” –dado a conocer como anticipo- que ahora alcanza los 10 minutos 35 segundos y es un manifiesto de lo que vendrá después: texturas rasposas, sonidos espaciales y efectos crepitantes que vagan sobre secuencias rítmicas que paulatinamente van cambiando.

Hung y Power se encargan de distorsionar las fuentes originales de sonido, pasándolas por filtros, pedales y demás aparataje, hasta llegar al punto de que es difícil identificar de qué instrumento se trata.
No son tantos los tracks, pero el suceso es intenso; hay cierta marcialidad en “The Lisbon Maru” y algo cercano a un trance hipnótico en “Olympians” y así hasta llegar a la pieza final, “Flight Of The Feathered Serpent”, que nos remite a la grandeza de las creaciones de Underworld sin olvidarnos un poco de la locura tribal de Animal Collective. Es lo más cercano a una canción bailable que han hecho.
Así, Tarot Sport está dedicado a la repetición, a la búsqueda de algo parecido a la hipnosis, alternando un sentido primitivo del ritmo con una telaraña ruidosa tejida con elementos digitales y análogos. Aun en su aspereza hay quien lo ve como un rock espacial de forma libre, un espacio imaginario donde confluyen distintas épocas y conceptos.
No se trata de un caso aislado, ahí están Gang Gang Dance, Atlas Sound y Black Dice para hacerles compañía. Lo cierto es que tras el minuto y treinta y pocos segundos que tarda en entrar el bombo en “Surf Solar” –haciendo las veces de introducción ambiente- se abren las puertas de entrada a otra dimensión; una en la que privan armonías en forma de serpentina, voces pululantes y una indeleble pátina de ruido que sube y baja de intensidad.
Es verdad, Fuco Butrones han construido La Sagrada familia de las catedrales sónicas, ahora sólo falta que el número de feligreses crezca notablemente. Milagros para fomentar su culto no les faltan.

Yeasayer: el lado sensible de lo experimental

2010-01-13T06:21:00.000-08:00

Si partimos de las apreciaciones que dicta el turismo, la fama de Nueva York se le atribuye principalmente a Manhattan, quizá el más célebre de los cincos distritos que conforman la ciudad. Allí se concentra el glamur y el dinero pero no la vitalidad y la energía creativa. Pensemos en novelas como La última salida a Brooklyn de Hubert Selby Jr., Llámame Brooklyn de Eduardo Lago y muchas de las obras de Paul Auster y tendremos una idea de para donde van los tiros del arte en la urbe de hierro.
Desde hace unos años el más grande asentamiento poblacional citadino se ha convertido en el centro neurálgico de la vanguardia musical contemporánea. Algunos reportajes han llegado a afirmar que se trata de la mayor concentración de artistas por metro cuadrado, superando a París y Londres. En poco territorio se han asentando un ejército de creadores de todas las disciplinas, pero ha sido la música donde dicha explosión estética ha cobrado mayor notoriedad.
No son pocas al agrupaciones brooklynitas: The National, Sufjan Stevens, Tv on the Radio, Gang Gang Dance, Telepathe, Prefuse 73, School of Seven Bells, Vampire Weekend, Harlem Shakes y Ra Ra Riot, entre muchísimos otros; tal es el caso de Yeasayer, la agrupación que conforman Anand Wilder, Chris Keating, Ira Wolf Tuton y Luke Fasano.
Juntos han optado por esa elástica concepción de lo experimental que caracteriza a los residentes del barrio. Su amplitud de miras permite que pasen del noise al folk sin perder el sentido popero. Es música mutante para el siglo XXI; elusiva de nacimiento, que busca no ceñirse a algún corsé en particular.
Si bien su debut All Hour Cymbals (We are free, 07) fue más ruidoso y peleón, ya en la muy lograda “Tightrope”, incluida en el compilado Dark Was The Night pudimos entrever que les interesaba torcer las melodías y hacer juegos armónicos sin dejar a un lado el sustento electrónico.
Y lo mejor fue que Odd Blood (Secretly Canadian, 10) exhibe a un grupo que no pierde energía pero gana en sensibilidad. Nunca falta quien achaca a la electrónica falta de alma y frialdad, aquí se puede dar cuenta de que la cosa no es así. Los aparatos están ahí para que el ser humano canalice sus sentimientos y les de forma musical.
Lo más curioso es que dos de las piezas centrales del disco, “I Remember” y “O.N.E.” resultan todo menos cerebrales y poco afectivas. Yeasayer han logrado una música muy emocional, cuando su punto de partida parecía anunciar algo diferente. Con insistencia señalaron que gran parte de la música actual es creada para hacerte sentir especialmente cool. Lo cual encuentran catastrófico, por lo que planeaban componer temas nuevos que hicieran sentir al público incómodo: “como si no fuera lo suficientemente cool como para estar escuchando esta música".
Tal vez lo hecho por sus colegas consiguió allanarles el camino. Pensemos en que propuestas como la de Animal Collective o Fuck buttons, que resultan más complejas en comparación, pero comparten la chispa excitante que sobreviene a un hallazgo importante. Una vez asimilados crucigramas sonoros tan difíciles, lo demás es una fiesta. Aquí las canciones se untan a la piel.
Porque Odd Blood tiene su parte electrosa, su veta psicodélica, pero también hay un paseo por esa década tan recurrida –y sobada en demasía-, como son los ochenta. “Love Me girl” alude toda ella a Duran Duran y los viejos fans de Japan, Yazoo o Visage hallaran cierto ADN sonoro en “Strange Reunions” y “Grizelda”.
En sentido contrario, “Ambling Alp” fue el primer anticipo y su estructura se emparenta con los mejores momentos de MGMT (compañeros de gira) y del cual existen remezclas de Memory Tapes y Dj Rupture. Absoluta actualidad y casi nada de retro.
Yeasayer no sólo logra convencernos con sus haceres de pop esquizoide, provoca emociones verdaderas con sus canciones freak, con su sofisticado pop mutante, al que han llegado a definir (Last Fm) como: “Middle Eastern-psych-snap-gospel”, cualquier cosa que ello signifique.
Queda pues demostrado que aun manipulando el amplio espectro de la música contemporánea de vanguardia se puede ser jovial y divertido; que aun transgrediendo géneros y esquemas se puede comunicar un sentimiento. Brooklyn sigue irradiando maravillas para obnubilar al resto del mundo.

15 películas de la década

2009-12-28T07:59:00.000-08:00

Los ingleses han bautizado a la década que concluye como la de los noughties, los años 00, los años nada; sin etiqueta, sin hilo conductor, quizá ensimismados, o perdidos en su modo de entender la historia.

El siglo XX acabó con la caída del muro de Berlín, pero el XXI despertó con el derrumbe de las Torres Gemelas, un devastador tsunami y una profunda crisis financiera. Todo ello influyó en un proceso sociocultural alentado por una vertiginosa sucesión de innovaciones tecnológicas.

Todo arte es hijo de su tiempo, por lo que es comprensible que el cine reflexione acerca de tales preocupaciones y dilemas. Los filmes que representan a la década reflejan con crudeza a una sociedad angustiada por sus demonios: la soledad, la desolación emocional, la incomunicación, la violencia extrema, las perturbadoras raíces del mal, el ajuste de cuentas con el pasado, el miedo al mañana y la dificultad de amar.

Tanto en las grandes producciones como en el cine independiente se perciben estos elementos, manifiestos en el conjunto que ofrezco a continuación para que cada lector lo recomponga y arme según su criterio. El orden será lo de menos, lo importante es validar que merezcan estar entre las 15 grandes.

1. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (04)
Dir. Michel Grondy
El director lo es todo y este francés un genio, incluso para sacar lo mejor de Jim Carrey y hacerlo un actor serio. Entrecruzamiento entre thriller psicológico, drama existencial-amoroso y asunto de ciencia ficción; se trata de una rara avis maestra.

2. Elephant (03)
Dir. Gus van Sant
La figura por antonomasia del cine independiente revisa en clave la matanza de Columbine y se llevó la palma de Oro en Cannes. Aquí el cineasta muestra su lado más especulativo sobre la nación más violenta del mundo.

3. Réquiem por un sueño (00)
Dir. Darren Aronofsky
Una radiografía de las adicciones: de la vida junkie juvenil al anzuelo al que pueden colgarse las amas de casa (dietas y programas de televisión). Una decadente sociedad contemporánea cancelando la posibilidad de cumplir los sueños. Cuenta además con una realización impecable.

4. No hay lugar para los débiles (07)
Dir. Joel y Ethan Coen
Una gran novela de Cormac McCarthy (No es país para viejos) es llevada a la pantalla por una de las mancuernas más sólidas del panorama internacional. Estos hermanos dan cátedra del modo de contar una historia negra ambientada en Texas en 1980, en la que un cazador descubre a unos hombres asesinados, droga y dinero.

5. Bailando en la oscuridad (00)
Dir. Lars von Trier
Se olvidó un rato del Dogma, para hacer un bizarro melodrama musical agridulce, donde cabe además una reflexión sobre la vista. Bjork hace un trabajo espléndido y el cine sin ataduras corre a rienda suelta.

6.- El pianista (02)
Roman Polanski
Un pianista judío tocaba un nocturno de Chopin en una radio polaca cuando la Luftwaffe arrasó la emisora. Fue recluido en el gueto de Varsovia y fortuitamente escapa de los trenes de la muerte. De todo nos enteramos vía las memorias recuperadas. Una historia muy similar a la de su realizador, ahora sumido en un polémico juicio.

7. Cinco días para vengarse (Oldboy) (04)
Dir. Park Chan-wook
En Corea, un hombre permanece secuestrado 15 años sin explicación en un departamento (tiene televisión y comida). Al ser liberado concentra su furia en hallar al culpable de su encierro. El cine oriental ha acaparado la atención por sus frescos tratamientos y este filme ultraviolento no es la excepción.

8.- Deseando amar (00)
Wong Kar Wai
Hong Kong a principios de los sesenta. No hace falta realmente una historia, existe gran belleza en la creación de imágenes y ambientes. Kar Wai es un sibarita, un esteta interesado en mirar con parsimonia y casi en silencio. Una oda a los pequeños detalles.

9. Amores perros (00)
Dir. Alejandro González Iñárritu
El contundente debut del director mexicano en mancuerna con el espléndido guionista Guillermo Arriaga. Aquí se entrecruzan tres historias (como será su estilo) y el México actual arroja personajes movidos por un instinto animal a medio camino entre la sobrevivencia y la violencia como modus vivendi.

10. Hable con ella (02)
Dir. Pedro Almodóvar
En Francia fueron muy enfáticos para con esta película: "Filmar la muerte es, a veces, la forma más bella de hablar de la vida. Gracias Pedro." Dos hombres se enfrentan de distintas maneras a la incomunicación, la soledad, pasión irracional y fatalidad. Una obra maestra conmovedora, allá donde las haya.

11. Zodiac (07)
Dir. David Fincher
Un thriller impecable acerca del famoso Asesino del Zodiaco, que operó en California entre 1966 y 1978. Ahí están dos detectives que pretenden cazarlo y dos periodistas en busca de su identidad. Obsesión y capacidad de sacrificio marcan esta joya reciente del cine negro.

12. Ciudad de Dios (02)
Dir. Fernando Meireles)
El eslogan del filme fue: "Lucha y nunca sobrevivirás... Corre y nunca escaparás...". Así de lapidaria es la vida en las favelas brasileñas. Se basó en el libro escrito a partir de una guerra real entre personajes del hampa callejera y se sumaron a personajes del barrio como actores. Un brutal encontronazo con la realidad desde la ficción.

13. Persépolis (07)
Dir. Vincent Paronnand
Marjane es una niña que vive en una familia pro-occidental en el Irán de la década de los 70. Tras la revolución islámica y su vuelta al fundamentalismo, la chica debe viajar al exilio francés. Versión cinematográfica de un comic célebre, ganó el Premio del jurado en Cannes y en Francia se convirtió en todo un fenómeno social. Sencillamente, encantadora.

14. Secreto en la montaña (Brokeback mountain) (05)
Dir. Ang Lee
Una vida de hipocresía y disimulo para una pareja de vaqueros gays insertos en la conservadora sociedad gabacha del Oeste. Un amor imposible domando por las convenciones sociales. El director traspone clichés para acercarse con veracidad al drama humano.

15. 4 Meses, 3 semanas y 2 días (07)
Dir. Cristian Mungiu
Filme crítico de la sociedad comunista –en este caso, Rumanía bajo Ceausescu–. La hipocresía de una moral oficial que dista mucho de empatar con la realidad social. Una joven quiere abortar y para hacerlo, deberá bregar con las miserias –más espirituales que físicas– de todo aquello que la rodea. La película, de lenguaje visual directo, se pasea por el infierno, pero lo hace desde el lado de la compasión.

Nota: De mi columna Las posiblidades del odio de Milenio Hidalgo (03/01/10)

Rock mexicano: 12 discos de la década (2000-2009)

2009-11-25T06:20:00.000-08:00

Siempre polémico y convulso, al rock nuestro de cada día hay quien lo considera de segunda o como un “rockcito”, aunque en otras latitudes del continente lo señalen como el país en boga. Cuenta con una endeble infraestructura y escaso apoyo de los medios. Gracias a las nuevas generaciones y sus hábitos de consumo y gustos, el rock hecho en casa levantó la cabeza, y pese a los pesares nos entrega una docena respetable y virtuosa.
Cuatro Caminos (03)
Café Tacuba
El impacto y la notoriedad de una canción como “Eres” resulta decisivo, pero además está conformado por otros buenos temas. Muestra al grupo en total madurez creativa y con un sonido siempre innovador. Suena mexicano e internacional a la vez. ¿Quién puede argumentar en contra de nuestra mejor banda?
Kinky (01)
Kinky
Un grupo enteramente cosmopolita que metía en una licuadora sonidos latinos, funk, música disco, electrónica y rock. De repente podía sonar un guitarrón norteño y luego una secuencia house o instrucciones de una lección de baile. Esta excitante combinación corrió como reguero de pólvora en el panorama internacional (incluso fueron fichados por un sello extranjero). Un disco vibrante que aun no deja de emocionar.
Tijuana sessions vol. 1(01)
Nortec
Recomendado por gente de la talla del manager de U2 y Bill Gates. Sonó en ferias mundiales y fue tocado en directo por casi todo el mundo. La ópera prima del colectivo norteño puso a su ciudad y a México en el mapa de la música de vanguardia. ¿Sonidos de banda combinados con electrónica avanzada?, ¿Puede existir una mezcla más delirante?

Memo Rex Commander y el corazón atómico de la vía láctea (06)
Zoe
Ejemplo de tenacidad y persistencia. Una banda que inicialmente las disqueras no querían, se convierte en un fenómeno de masas con el relevo generacional. Quizá su propuesta no sea tan peculiar en el concierto internacional, pero en nuestra escena su calidad compositiva y dominio técnico son sobresalientes. “No me destruyas” aboga mucho en su favor.
MTV Unplugged (08)
Julieta Venegas
Arreglos de gran finura y elegancia, realizados por músicos prestigiados como Gustavo Santaolalla y Jacques Morelenbaum. Una orquesta de 15 músicos (incluidos Natalia Lafourcade y Cecilia Bastida). La Venegas es capaz de acercarse a distintos ritmos y adaptar su muy buen repertorio. Por si fuera poco, dos divas hacen duetos: la brasileña Marisa Monte y la españolísima Mala Rodríguez, además de Juan Son. Musicalmente es una lección de gran altura.
Sufro sufro sufro (03)
San Pascualito Rey
Una banda interesada en retomar la estética de las rancheras y los boleros de arrabal para juntarlos con el rock. Generan gran tensión dramática en sus canciones, que poseen el agregado de letras de gran belleza y calidad casi poética. Son energéticos, llegadores, pasionales y algo obscuros, ¿se debe pedir más a un grupo?
La última noche del mundo (03)
Austin tv
Eran casi unos niños cuando editaron su primer lp, pero en cuanto a ideas sorprendieron a propios y extraños. Elaborando una música completamente instrumental, en que la voz sólo aparecía en sampleos de viejas películas. Emocionales hasta la médula; poseedores de una cuidada imagen mediante variados disfraces. Sonaban frescos y únicos en nuestro contexto. Su debut estaba lleno de esperanza y maravilla.

Bestia (09)
Hello Seahorse
Sapiencia al momento de recurrir al pop y la electrónica. Actitud de cierta timidez y espontaneidad (¿espíritu indie será eso?). Las nuevas generaciones asimilando las influencias de un mundo que cada vez tienen más cerca de su mano. Canciones que brillan como el sol y que comenzaron un garaje y que luego llegaron a los premios Grammy.
Música Moderna (02)
Sussie 4
Un dueto tapatío que logró coadyuvar el arsenal de ritmos latinos con su onda housera y hacer de su propuesta toda una alegoría del hedonismo más fiestero. Se trató del proyecto más logrado del colectivo Nopal beat, que haciendo honor a su nombre, agregaron ese tinte sabrosón a la expresión tecno. Memorable es su suite tropical.
Sweet & sour, hot y spicy (04)
Ely Guerra
Al rock le hace falta sensualidad, elegancia y glamour; todo ello se lo da Ely, pero le agrega su interés por generar un brebaje de pop que provenga de diversas raíces. Sus toques jazzy, pinceladas electrónicas y hasta lo calador de algunas baladas. “Mi playa” –compuesta con Meme Tacubo- es un monumento de engrandece al álbum. Un trabajo para paladearse.

Pop Street Sound (02)
Wakal
Un creador avezado en las técnicas y recursos de la electrónica vagando por el centro histórico del DF armando con una grabadora. Luego construye un estudio en una azotea y procesa sus hallazgos. La locura y exuberancia de la gran Tenochtitlán convertida en tecno bailable. Francia se rindió ante está rara belleza. Sin duda, la parte visionaria de esta historia.

Atemahawke (07)
Porter
Desde Guadalajara llegó una banda, lastimosamente efímera, con gran soltura para recurrir a la psicodelia y el surrealismo casual. Crearon una brumosa maraña en la que cabían todo tipo de influencias, ya fueran folk, sonidos etéreos y un pop mutante de reciente cuño. Excelente presencia escénica potenciaba a Porter, que en cuanto a composición no conoció limitante alguna al momento de concebir estas piezas bizarras pero contagiosas.

Dub Colossus: Etiopia futura en el presente

2009-11-07T09:58:00.000-08:00

Nick Page, conocido como Count Dubulah mientras formó parte de Transglobal Underground, y luego miembro de Temple of Sound, ha sido un explorador y manipulador incansable de músicas de raíz (principalmente africanas y orientales) a las que lleva al territorio electrónico.
Con la intención de incentivar el surgimiento de un sonido contemporáneo de Etiopia, realizó varios viajes a su capital para interactuar con los músicos tradicionales Azamari e ir de lo ancestral al etio-jazz y otros ritmos como el dub y el reggae. En marzo del 2008 se invitó a un grupo de destacados intérpretes locales para que viajaran a Inglaterra para grabar en los legendarios estudios Real World.
El talento africano da su carácter distintivo al disco, ahí están la cantante Sintayehu 'Mimi' Zenebe (conocida como la Edith Piaf etíope y propietaria del Doku Club, lugar de culto de la música Azmari, enclavado en Addis), el maestro saxofonista Feleke Hailu (director de la Yared Music School), Teremag Weretow, dueña de una voz de registro lastimero e intérprete del messenqo (violín de una sola cuerda) y Tsedenia Gebremarkos, una cantante de excepción.
Un viaje iniciático por una tradición milenaria que se mantiene viva en el presente y sabe utilizar sus recursos y herramientas.
Dub Colossus
In a town called Addis
Real world, 09

El arte extremo de Joe Crepúsculo

2009-10-29T16:28:00.000-07:00

Chill Out es su tercer Lp

Da gusto encontrar en el panorama musical contemporáneo una propuesta que sea tan peculiar, tan torcida, tan irritante y seductora. El personaje conocido como Joe Crepúsculo se coloca detrás de una baraja de añejos teclados, usa cajas de ritmo de otras eras y tiene una habilidad para la composición que puede convertir a San Agustín en su letrista principal y acuñar una frase de combate como “Ama y haz lo que quieras”, también puede usar con orgullo y cinismo un fragmento de Barbra Streisand o Elton John para bautizar alguna de sus canciones.

Joel Iriarte (nombre de pila de Crepúsculo) sabe como hacer eclosionar estéticas e ideologías y lograr que la gente se cuestione si lo suyo es ultracursi, kitsch de veta intelectual, o si alcanza a rayar de plano en la corriente del feismo. A fin de cuentas, hace canciones que sueltan frases que calan, que pueden seducir o repeler por igual.

Quien también funge como tecladista del grupo Tarántula, hizo del 2008 el año que lo convirtió en un suceso en su natal España. Ganador del disco nacional del año según la influyente revista Rockdelux, no sólo publicó Supercrepus –que lo hizo célebre-, unos meses antes debutó con Escuela de zebras. Ambos trabajos fueron ofrecidos gratuitamente a través del portal de Producciones Doradas, lo que no obstó para que posteriormente le fuera muy bien en cuanto a ventas.

Acostumbrado a trabajar como Joe en solitario, tuvo que inventarse una banda (los destructores) para hacer frente a la gran cantidad de directos que lo reclamaban. En unos cuantos meses dejó su empleó digitalizando documentos antiguos en una biblioteca para ser un músico de tiempo completo. Canciones como “Amar en tiempos de Democracia” transformaron drásticamente su situación, tan es así que aunque en esencia no haya cambiado se perciben cambios notables en su tercera entrega.

Para empezar, Chill out (Discoteca Oceáno, 09) no tiene tantos temas –es mucho más breve-, pero posee un sonido trabajado, mucho más “profesional” o pulcro con relación al acabado rústico de sus anteriores materiales.

Artistas y proyectos de esta naturaleza corren el riesgo de perder la gracia si se les liman las asperezas, si se aburguesan de la noche a la mañana; si la felicidad y el éxito los arropa, pero afortunadamente Crepúsculo se mantuvo indemne. Ahora contó con mayores recursos y mejores condiciones, pero lo despatarrado y verbenero no lo perdió, si acaso bajo la velocidad en algunos cortes.

Lo principal tras escuchar la cosecha reciente es reflexionar si en verdad en el pasado le interesaba la onda low fi o el tipo de sonido pasaba por la estrechez de infraestructura y presupuesto; lo que conlleva a pensar si la actitud para con el kitsch no se basa estrictamente en el humor y para él la cosa es seria al 100% y parte del chiste un aspecto involuntario.

En esta docena de canciones chillouteras destaca la presencia de músicos reales y no sólo cachivaches tecnológicos; ahora lucen a pleno pianos, guitarras eléctricas y acústicas, acordeones, saxos y baterías reales, en lo que para su autor es el álbum más oscuro a la fecha, sin que por ello falten al menos tres estruendosas joyas de techno-dance: “Ritmo mágico”, “Diriri Diririra” y “Todo lo bello es gratis”, donde al sonido ya conocido se agrega una guitarra española que le da una nueva dimensión a lo que a la postre es también una pegadiza canción anarquista.

Abrigado por el mismo sello que El guincho, Joe se ha propuesto llegar a un público más amplio y se halla en vías de conseguirlo. Se sabe un rara avis, una figura atípica e inimitable. No se detiene para recurrir a la balada (“Canción del adiós”) o al viejo rock and roll (“Momentos bestias”).

Aun con la túnica del pop como cobertura se puede hacer un arte mayor que cuando menos desconcierte a las masas e irrite a los puristas. Joe Crepúsculo es extravagante. Si lo haces tuyo verás como tus fiestas además de subir de nivel se convierten también en un campo de batalla intelectual. ¡Que venga la controversia, muera la inquisición del siglo XXI!

Wild beast: la inglaterra rural también rockea

2009-10-18T09:16:00.000-07:00

La importancia de disquera les abre positivamente el panorama y en consecuencia el sello no firmaría a cualquiera. Esta peculiar banda originaria de un poblado pequeño (Kendal) se ha movido a Leeds para tener mayor presencia y vaya que lo consigue. La BBC los está apoyando con fuerza, ya que su poderoso sonido no parece provenir de una banda emergente.

Guitarras procesadas y programaciones intensas acompañan a un cantante de registro muy agudo cantando en falsete (una rareza parecida a lo que hace el cantante de Miranda, pero de alto nivel). Letras muy trabajadas surgen de una banda de imagen silvestre y calmada, -otra peculiaridad-. “Hooting & Howling” y “The fun powder plot” nos mantendrán hablando del segundo disco de estas bestias salvajes que combinan sofisticación con animalidad.

Wild Beasts
Two dancers
Domino, 09

Conversando con Bernardo Fernández, Bef

2009-10-17T16:58:00.000-07:00

A propósito de Ojos de Lagarto

En ocasiones la reflexión y el análisis ameritan un sentido unidireccional; requieren de un periodista solitario cavilando y poniendo a disposición de los lectores sus hallazgos. Pero en muchos otros momentos, el aprendizaje surge a través del diálogo. Es la conversación una fuente inagotable de conocimiento que permite crecer a quien escucha y posteriormente también a quien se entera de dicho intercambio.
Es por ello que comparto una parte de la charla con un espléndido y muy joven escritor, cuyo reconocimiento pleno se ha dado incluso con más fuerza fuera de México. Bernardo Fernández, Bef, (D.F., 1972) es autor de la celebrada novela Tiempo de Alacranes y por Gel Azul ha obtenido el Premio Ignotus. Es un experto también en libros para niños (Cuentos de Hadas para conejos, Vacaciones en Marte) y un dibujante de comics de talla internacional.
Su nueva novela, Ojos de lagarto (Planeta, 09) nos reconcilia con las grandes sagas de aventuras, homenajea la escuela clásica al tiempo que especula sobre la posible existencia de los dragones y su casi extinción en Mexicali. La obra además aborda la migración de orientales a nuestro país; la llamada cuarta raíz, que poco o nada se consigna en nuestra literatura.
En muchas ocasiones los escritores se ven seducidos por una parte por la vanguardia, por los autores punta de lanza, pero también suelen citar como fuente de inspiración a los clásicos, al canon inapelable, pero aquí siento que hay un homenaje a escritores inmensos que son poco apreciados, del tipo de Mark Twain, Verne, pero sobre todo Emilio Salgari. Escritores de esas grandes novelas de aventuras que al ser abrazadas por el gran público fueron mal vistas por la crítica exquisita, ¿coincides con esta apreciación?
Claro. Por alguna razón que desconozco el género de la aventura es poco frecuentado por nuestras letras. Destacan en ese rubro Pablo Soler Frost e Ignacio Padilla. Creo que lo que sucede con nuestro canon literario, solemne y pedorro, es que si es amena o divertida, lo considera automáticamente subliteratura. Ni modo. (Y desde luego, la apreciación es correcta: mucho me robé de Twain, Joseph Conrad y especialmente de Salgari. De hecho, me robé cínicamente un par de personajes de Las tribulaciones de un chino en China, de Verne).

En el Post scriptum del libro cuentas acerca de algunas de las investigaciones que realizaste para la novela, sin que por ello tenga un carácter histórico, pero no indicas si buscaste también material sobre la historia de los dragones como tal.
Eché mano de un par de libros sobre dragones. Especialmente uno llamado Dragons and Unicorns, a Natural History, especie de falsa monografía escrita por Paul Johnsgard, un ornitólogo que al alimón con su hija de trece años escribió este tratado naturalista que es una delicia por lo conciso. De otro modo me hubiera perdido en la vastísima bibliografía que hay sobre el tema.
¿Le debía la literatura mexicana una buena obra a la migración de orientales, a perfilar una historia escasamente contada?
Sí, no hay muchas voces que hablen de esta cuarta raíz. La migración oriental tiene más de cien años y muy poco se ha hablado de ella. Tengo cercanía personal con la comunidad japonesa-mexicana y ello me dio la materia prima para escribir mi novela El esturendo del silencio incluida en mi libro Gel azul. Ahora se la debo a los chinos. Curioso que haya pocos escritores orientales-mexicanos. Sólo puedo pensar de momento en el poeta Óscar Wong (cuyo trabajo no me es familiar).
¿Será esta la novela que habrá de llevarte hacía un público más amplio, no sólo los consumidores de fantasía y ciencia ficción?
Curioso que lo señales. Quise que no dijera por ningún lado que es una novela de subgénero. Ni siquiera aparece la palabra “dragón” en la cuarta de forros. Sí, es parte de esa estrategia. Después de años de militar en los subgéneros ahora estoy por romper las fronteras de los ghettos literarios.
Encuentro cierta semejanza en la estructura de Ojos de lagarto con alguna de las grandes novelas de Paco Ignacio Taibo II, ¿te influyó de alguna manera este autor en la construcción de la novela? Incluso el manejo del leguaje popular es coincidente.
Hum, no especialmente, aunque desde luego tengo una deuda con el gran jefe PIT II (toda mi generación la tiene, aunque renieguen de él). En realidad pensaba en la estructura de Noticias del Imperio, de Fernando del Paso, que es una novela por la que tengo una gran devoción. Desde luego, estoy a años luz de escribir una obra tan ambiciosa.

¿Imaginas en algún momento que alguna de tus obras se convierta en película?
Las pienso más en términos de cómics. Pero me encantaría, claro. Creo que por ser pensadas como historietas suelen tener gran vocación visual. Sería lindo.

Parade y la Fortaleza de la soledad

2009-10-10T10:38:00.000-07:00

Sería una verdadera lástima que el vínculo perdido entre la música española y los escuchas mexicanos siguiera extendiéndose e hiciera que esta pequeña maravilla pasara desapercibida.

El quinto disco de Antonio Galváñ, nativo de Murcia, es una obra casi conceptual con canciones que saben adaptarse a los arreglos sinfónicos y detalles electrónicos sin perder el brillo del pop más esplendente. En los tiempos que corren ya casi es inusual hallar un disco con por lo menos 4 temas enormes y este los tiene, comenzando por el que le da nombre y que habla de la tristeza que llega a embargar a Superman hasta obligarlo a huir a su refugio; luego esta la pieza que abre, dedicada el científico Stephen Hawking y que lo ubica flotando en el espacio; siguiendo este tipo de asuntos se encuentra “El astrónomo melancólico”, para abordar luego un surrealista paisaje entorno a Dylan y un aerolito.

En el complemento hay una saga llamada Rainbows Avenue que nos remite al rock argentino al estilo Charly García y una versión de los Carpenters. Parade ha hecho un opus espacial que nace desde la comodidad de la alcoba, donde comienzan los grandes viajes. Notable y delicioso.

Parade
La fortaleza de la soledad
Jabalina, 09

Nocturno sin la negra

2009-10-05T18:46:00.000-07:00

La noche que te fuiste, negra,
nos faltaron las fuerzas
y si en Buenos Aires no estabas sola,
acá me arrastraba un dolor huérfano.

Ni siquiera era consuelo saber que la memoria ardería para siempre,
y que tu voz de roble
no se callaría nunca –ni en ciudades y pampas-,
allí donde lo injusto todavía se niega a desaparecer.

Muchas veces dijiste que la vida es una hoguera,
y hoy siento ganas de encenderme
entre piras de frases que queman al mencionar tu nombre,
a mitad de la noche más negra que otras noches,
una inmensidad en que casi se nos olvida
cantar tu canción sobre el deseo infinito
y así –tal vez- no acabarás jamás de dejarnos.

Cuando el amor no salva, la música es un refugio

2009-09-25T08:23:00.000-07:00

Kyp Malone (Tv on the radio) presenta su primer disco Rain Machine.

Una canción que lleva por titulo “Love won´t save you” anticipa mucho de su esencia; establece de entrada su naturaleza poco complaciente: quizá ni la fuerza más grande del mundo podrá salvarte. Y entonces aparece pletórica la voz, que es lo que apuntala el debut solista de Kyp Malone, guitarra y canto en uno de los colectivos musicales más importantes del rock contemporáneo: Tv on the Radio.

Ya nos estábamos acostumbrando a que Dave Sitek, el único blanco en la banda de Brooklyn, acaparara las planas, produciendo a Scarlet Johannson, colaborando con los Yeah Yeah Yeahs, entre otras muchas iniciativas. El resto de los miembros permanecían agazapados y guardando un perfil más bajo. Tras una gira importante por los escenarios más influyentes del planeta se veía venir un periodo de descanso, un año sabático para que los integrantes tomaran oxígeno. Pero tanto talento no podía permanecer inerte.

Una voz potente, flexible y de tan amplios registros –de graves cavernosos al falsete- debía de ser usada para mostrar la manera en que su dueño comprende las cosas y las transforma en música. Y si alguien tenía duda de la aportación de cada persona a la banda, ahora es posible apreciar cuanto del sello personal de Malone había en Tv. Es posible subrayar en que medida era y es “su banda”, pues más allá de la maraña de efectos eléctricos que aporta el hombre pálido de las gafas, aquí se aprecia la misma esencia de las canciones, que abrevan de distintos afluentes de la negritud. Es música con alma y sentimiento, que puede casi cabalgar sola como “Love won´t save you” o guarecerse en la potencia completa del rock, que en “Give Blood” es todo ritmo y furia.

Kip había venido componiendo con o sin grupo, incluso llegó a presentarse como Black Lights, pero existía otra agrupación similar y lo dejó. Al momento de concebir su material como un álbum, visualizó su nombre impreso en afiches y camisetas y no le gustó, así surgió la Máquina de lluvia.

Esta primera entrega, editada por Anti (sello también establecido en Nueva York), se sostiene en la interpretación, en esos juegos vocales. Ian Brennan se encargó de un acabado de producción discreto pero efectivo, que fuera agregando los instrumentos necesarios para mantener distancia con la jungla sonora entre la que está acostumbrado a cantar, para evidenciarlo basta con escuchar “Smiling black faces”.
El fondo de campanas va apareciendo paulatinamente, junto al resto de la base rítmica, para apoyar la línea de voz. Para la guitarra se reserva un preciso punteo.

Con estas 11 canciones, Kyp pretendía conducir al escucha por una experiencia placentera, que es: “el reflejo de una variedad de emociones y situaciones reales e imaginarias, algo de ritmo y algo de rima”.

El músico toma una pequeña piedra, la rueda en la nieve y cuando se da cuenta ya creó una enorme bola que en cualquier momento deja caer. Lo que comienza como una música de evocaciones ancestrales va lentamente sublimando su naturaleza y se hace otra cosa distinta, como en “Driftwood heart”.

Con Tv on the Radio aparcados durante un año, Kyp Malone nos ofrece buen alimento para el alma, tenemos con nosotros a un músico hábil, capaz de trasformar al soul y al bluegrass, de darles un nuevo rostro. No hubiera bastado toda su capacidad técnica si no se tratará de un hombre que habla con honestidad. Si es verdad que el amor no podrá salvarnos, al menos tendremos la música como un refugio viable y hasta cierto punto seguro.

Museo Vivo o de cuando la plástica detona la poesía

2009-09-18T18:53:00.001-07:00

A los poetas les suele atraer el reto de trastocar las estructuras tradicionales y hallar, además, fuentes diversas que provoquen el momento creativo. En este sentido es interesante el primer libro de Ordoñez (Toluca, 1981), que parte de su pasión por las artes plásticas para enfrentar la escritura. Aprecia ciertas obras que le provocan escribir poemas que no pretenden ser la fiel transpolación de la pieza sino un pretexto para construirse y decontruirse a sí mismo a través del lenguaje.
46 obras, procedentes de épocas y corrientes distantes, detonan el surgimiento de los versos, que han de ser tan polimorfos para resignificar universos disímbolos como los de El Bosco, Damien Hirst, Francis Bacon, Giorgio de Chirico, Robert Motherwell o Paul Klee. La imagen es la célula madre pero luego viene el corpus amasado por el escritor.
La lectura de este libro se convierte en una experiencia viva por un museo orgánico y el escritor un ente que teclea trasmutando instantes precisos, como en Lucky Lulu Blonde: “La artillería alemana se aproxima y aquí arde algo, pero no es un astro ni tu ojos, Lulu, es un cigarrillo entre dedos engarrotados”. Los poetas emergentes libran con valor sus batallas; al menos esa es una buena señal.
Museo Vivo
Saúl Ordoñez
Fondo Editorial Tierra Adentro, 09

La elegancia callejera de Speech Debelle

2009-09-17T16:03:00.000-07:00

Ganadora del Mercury Prize 09

Es importante constatar que existen concursos en los que los jurados se toman muy en serio su papel y analizan a conciencia el material. Esta semi desconocida rapera de South London ha dejado con las ganas a figuras tan vigentes como Bat for Lashes, The Horrors, La roux o Kasabian, entre otros, y se ha alzado con el influyente premio Mercury que se entrega en el Reino Unido.
Y es que el debut de esta cantante con una convulsa biografía vinculada a la vida callejera es un disco que se desmarca de la mayoría del hip hop existente por su elegancia, cuidadosos arreglos, coqueteos jazzy e impecable producción. Aquí no hay estruendo y gritoneo para sacar la rabia sino estilo interpretativo, contención y buen sentido musical.
Mucha sincopa, sentimientos desgarrados, guitarras acústicas y honestidad, al que si debo encontrar una liga es con The Streets por ese toque tan british. Un brillante ejercicio en pos de la reconciliación (consigo misma, su oficio y su familia). Aquí los golpes de la existencia son convertidos en buenas líneas que le dan una nota alta a la faceta menos recurrente del hip hop.

Speech Debelle
Speech Theraphy
Ninja Tune, 09

The Gaslight Anthem: la revuelta comienza en el patio trasero de un pueblo chico

2009-08-18T16:28:00.000-07:00

Cuando se habla de la vida en el norte de la costa este de los Estados Unidos existen dos grandes escenarios. Por un lado, la vida en las grandes ciudades (las figuras de Nueva York y Boston lo acaparan casi todo), y sus implicaciones de caos y hacinamiento urbano. Pero también está lo que ocurre en la periferia, en los pequeños poblados que parecen ir a un ritmo más lento que el resto del país y que también conllevan su complejidad social.

En eso sitios viven adultos y jóvenes que no gozan del American dream y que palpa de muy cerca la falta de empleo y opciones de progreso. El espejismo capitalista nos vende la polaroid de un mundo en que cada individuo pasa por ser un ejecutivo, pero no difunde por igual el retrato de los obreros llenos de grasa tras la jornada o la de los granjeros lidiando con los problemas diarios de la siembra.

No existe pues una visión monolítica de los U.S.A., sus realidades alternan en tiempo y espacio con un marcado alto contraste que subraya sus diferencias. Un artista que ha desarrollado su carrera cronicando las historias de esta gente es Bruce Springsteen, considerado un bardo de este segmento de la cultura popular gabacha: la clase trabajadora.

Muchos de los jóvenes de este tipo de zonas crecen escuchando sus canciones, que alternan con otros referentes como el punk, el rockabilly o el metal. Es importante subrayar la función que cumple la música en estos grupos sociales, pues se convierte en el vehículo a través del cuál se encauzan los pesares que la existencia va dejando.

Aquí es donde se preserva integra la capacidad del rock para brindar identidad a sus seguidores. Tal es el caso de una banda procedente de New Brunswick, New Jersey, cuyas composiciones aglutinan el discurso de Springsteen con las enseñanzas de distintas corrientes que van del punk a lo The Clash al tratamiento peculiar de guitarras que caracteriza a The Cure.

En un momento en que el punk se ha convertido mayormente en glamour e impostura, no es fácil hallar artistas cuyo discurso sea congruente y alejado del panfleto político o la vaciedad adolescente. Eso es lo que ha hecho que The Gaslight Anthem se destaque; han encontrado la manera de componer canciones con una lírica interesante que también se apoyan en melodías que suenan épicas.

Sus composiciones poseen fuerza y elusividad; no se dejan encasillar tan fácilmente, por ello su debut Sink or Swim (XOXO Records, 07) llamó la atención de todo tipo de portales y publicaciones punks, pero también de medios más establecidos, como las revistas Spin y Kerrang. Esta publicación inglesa, de corte rocker, los catapultó a la portada prácticamente sin haber escrito nada previo y los recomendó como: “La mejor banda que vas a escuchar en el 2008”.

Así se abrieron espacios en la BBC para una banda novata y casi inédita en Europa, que no decepcionó con su segundo largo The 59 sound, cuyos temas dan cuentan de las cosas que pasan en la bahía de Jersey (Jersey Shore). Se trata de un grupo que encontró la manera de ser y sonar norteamericanos sin caer en los clichés; las canciones cuentan historias desde la óptica de sabios vagabundos que extraen la esencia del entorno, de ahí títulos tales como “Even Cowgirls Get The Blues” y “Here’s Looking At You, Kid”.

Otro aspecto muy loable de la banda, es que no por ser muy jóvenes desconocen a sus antecesores, todo lo contrario, aprecian y estiman la tradición, como lo confirma Alex Rosamilia, guitarra de la banda: “Me gustaría pensar que las referencias a Peter Seger, Tom Petty o Dylan son debidas a que nos gusta la buena música y el hecho de que no hay mucha buena últimamente. También la literatura es una manera de contar cosas y como tal también es otra influencia”.

Por ello no extraña que el primer corte este inspirado en Grandes esperanzas de Charles Dickens, cuya figura impregna otros momentos del disco, por el que desfilan otros fantasmas de gran peso, como en “Miles Davis & The Cool” y “Casanova, Baby”.

The Gaslight Anthem se empeñan en nutrir de sustancia sus temas, ya que encuentran que actualmente demasiadas bandas se fijan mucho en cosas externas más allá de la propia canción. Parecen como salidos de otra época, no les atraen los asuntos relativos a la moda, ellos aprecian el estilo antiguo de entender al rock, donde había compromiso y honestidad: “Estaría muy bien haber nacido hace décadas y haber podido abrir algún concierto para Elvis Presley, pero también lo es poder hacerlo para Social Distortion o Bruce Springsteen”. Un sueño que hace muy poco se cumplió.
Con todo, The 59 sound es un trabajo cuya proyección ha sido gradual, pues aunque lleva tiempo editado en su país natal apenas aparece en Europa, como un novedad para mover durante el circuito veraniego de festivales (como en el de Bilbao donde les fue muy bien).

Brian Fallon, el vocalista, es quien resume su labor: “Gran parte de nuestro material se puede considerar como intrincado, pues no sólo tiene que ver en la cantidad de notas que puedes meter en una composición de tiempo extraño, también se trata de ser capaces de subir y bajar, y de alguna manera meterse en la cabeza de alguien”.

Para renovar al punk prefirieron tirarse de cabeza en las raíces, así que no sólo podemos rememorar al Boss, allí está la herencia de Joe Strummer, junto a The Clash y luego con Los mezcaleros. Sus personajes parecen prófugos de una canción de Tom Waits o de una película de Jim Jarmush. Por fortuna, nos encontramos con unos chicos rudos que en vez de conformarse con solamente gritar peroratas, prefieren narrar historias sobre los héroes anónimos y domésticos. A final de cuentas, las grandes batallas –y su épica- comienzan en el patio trasero de un pueblo chico.

Principios básicos de astronomía

2009-08-12T16:18:00.000-07:00

¿Qué tan lejos estamos de Los Planetas?
Es un hecho de sobra conocido que las nuevas generaciones de roqueros han crecido con sus sentidos puestos en la cultura anglosajona. La Unión Americana e Inglaterra compiten fieramente por conservar tanto la vanguardia como la oferta mainstream. Poca atención se presta a otras regiones del planeta, con ciertas excepciones: Francia, Canadá y los países escandinavos.
Cuando nos enfocamos al rock español la mayor referencia sigue siendo la generación de la Movida, que nos trajo su música durante la segunda mitad de los ochenta y principios de los noventa, hasta ir perdiendo fuerza. Durante años nos llegan del territorio ibérico las agrupaciones y solistas de mayor potencial comercial y menor índice cualitativo.
Aunado a ello, los grupos mexicanos están más interesados en aprender a cantar bien en inglés que en conocer y asimilar el trabajo de quienes usan el castellano. Estos son factores que han alimentado el distanciamiento entre la parte más novel del movimiento rocker y el trabajo de los artistas hispanos, que se concentran más en el autoconsumo que en la proyección internacional (hasta la llegada de El Guincho no habían tenido una figura indie que traspusiera fronteras).
Permanece como una tarea pendiente a través del tiempo, entre otras muchas cosas, el adentrarse en el conocimiento de un grupo que ha dado distintos ejemplos de su lucidez y valentía. Los Planetas son una banda que ha logrado preservar su personalidad ante la industria, sabiendo navegar a contracorriente e impulsar una personalísima forma de entender al shoegaze y el noise pop.
Porque la herencia de la banda granadina, empujando discográficamente desde 1994, es la de hallar el modo para cobijar a las melodías y los estribillos de capas y capas de mantas eléctricas y sedas disonantes. Provienen de una casta que tiene en The Jesús and Mary Chain, Neds Atomic Dustbin, Mercury Rev, Chapterhouse y Curve algunos de sus miembros más insignes.
Los planetas han dado también ejemplo de que un grupo de rock madura a través de un continuo fogueo sobre el escenario. Han recorrido en incontables ocasiones España de punta a punta para mostrar lo suyo. Con el tiempo se fueron haciendo mejores instrumentistas, enfocaron mejor su sonido y establecieron fuertes nexos con la gente, el sostén esencial de un artista.
Durante 15 años de carrera han dado múltiples dolores de cabeza a sus disqueras por aferrarse a hacer las cosas a su modo, que incluyen su manera de mezclar las voces –casi fundidas a los instrumentos-, conservar el mismo diseñador de arte (Javier Aramburu) durante años, arriesgando con fórmulas nuevas disco a disco: sumando sección de cuerdas, trabajando con orquesta, dando mayor o menor énfasis a los teclados, coqueteando con otras tradiciones, como el flamenco, haciendo madurar su trabajo lírico y creando conceptos sólidos y coherentes para cada álbum.
Siete álbumes y 15 años de carrera no son poca cosa, por lo que han decido celebrarlos con una compilación que no esta conformada de manera típica sino que se centra en el trabajo de ilustración de 22 canciones elegidas, a cargo del dibujante Juanjo Saéz, autor del comic de 48 páginas a color, que se acompaña del cd respectivo y un dvd que conjunta todos los trabajos de videoclip realizados por el grupo.
De las 19 canciones incluidas finalmente en el disco, 18 son ya conocidas y una es de reciente creación. “Soy un Pobre Granaino” nos deja ver que la agrupación encabezada por J. y Florent aun le queda mucho que experimentar con ese entrecruzamiento entre los palos flamencos y el rock más vibrante.
El resto posee la peculiaridad de proceder de una selección subjetiva y no cumplir objetivos documentales o de semblanza. Ya se han alzado voces que señalan la ausencia de ¿Qué puedo hacer?, uno de los temas insignia, o que en general no refleja la carrera entera y que tiene mayor énfasis en los discos más recientes, lo que quizá le agrega un carácter distintivo al conjunto.
Con todos los reclamos de los especialistas, no deja de ser una buena manera de crearnos un panorama general, que arranca con “De viaje” del inical Super 8 (94) y pasa por la célebre “Himno generacional #83”, procedente del Pop (96).
Pero el verdadero redescubrimiento viene con “Un buen día”, original de Unidad de desplazamiento (00), donde la suma de talentos genera un importante volumen de rock, concentra su capacidad pop para desarrollar armonías y melodías y su coloquial modo de compartir historias.
Habrá quien prefiera •”Devuélveme la pasta” (Contra la ley de gravedad, 04) o bien “Yo no me asomo a la reja” (La leyenda del espacio, 07). Lo cierto es abunda el material en que Los planetas subrayan que se han negado a perder su lado silvestre, a condensar su energía, a ser domesticados por las transnacionales.
Aquí un cuidado paquete lleno de arte, una introducción para recién llegados y el mejor ejemplo que en esto del rock and roll hace falta perseverancia y disciplina aunada a la locura y el debraye. Los planetas nos dan sus lecciones de astronomía y nos hacen ver que el genio no se encuentra en una galaxia lejano sino muy cerca de quien quiera verlo.

El dinosaurio está en la granja

2009-07-19T10:57:00.000-07:00

J. Mascis, Murph y Lou Barlow no han inventado nada juntos, no pasa por ellos algún retortijón provocado por la originalidad, pero tocando a pleno han redefinido y dejado una huella indeleble sobre el rock norteamericano desde la segunda mitad de los ochenta, cuando el dinosaurio bebé vio la luz.
Su influencia fue fundamental en deidades como Nirvana, Pixies, Pearl Jam y una lista muy larga. Su estruendoso guitarreo se anticipó a la revuelta grunge, pero enseñó a muchos ejecutantes la manera en volver arte sublime al ruido y la distorsión. Crearon una leyenda negra tras perder su alineación original rozando los noventa, pleitos y desacuerdos por doquier, pero en 2007 el enorme reptil volvió a rugir como tal.
Retornaron con Beyond dejando en claro que los años no les restaron energía ni contundencia. Rockean como una aplanadora, un trío perfectamente ajustado que da lecciones acerca de las supervivencia de los largos solos de guitarra, una práctica casi en extinción.
Banda de culto, agrupación más apreciada por músicos; una tercia de desadaptados. Dinosaur Jr acometen con Farm (Jagjaguwar), donde hacen explícito que la fórmula funciona: rock de rompe y rasga, himnos eléctricos no aptos para niños bonitos.
12 canciones parejas en su notable calidad, pero a menester de resaltar ahí están “I want you to know”, “Pieces”, “I dont´t wanna go there” y “Plans”. Este es el grupo que deben escuchar las nuevas generaciones –de fans y músicos- para aprender algo acerca del rock. Frase atrevida que no tengo menor duda en sostener, sobran las figuras en quienes apoyarme. No hay duda: los viejos rockeros nunca mueren, aunque no tengan nada de originales, ni falta que hace, son auténticos.

Santa N: Canciones nocturnas para el Mediterráneo.

2009-07-08T17:06:00.000-07:00

Carlos Ann es una figura que destella más allá de la banal superficie de la música española contemporánea. Basta recordar que formó parte de Bushido, una banda conformada junto a Enrique Bunbury y Shuarma. No obstante contar con 6 discos como solista y haber sido producido nada menos que por Howie B. en Entre lujos y miserias (02), el hecho de ser colaborador del Héroe del silencio en Bunbury Feak Show (05) le ha abierto horizontes en América latina, especialmente en México, donde cuenta con un nutrido grupo de seguidores, que abrazan con emoción cada una de sus incursiones.

Discos como el que realizó con el poeta Bruno Galindo y Bunbury entorno a la figura del poeta maldito Leopoldo María Panero y que dio pie a un documental, un cd y un libro, publicados en 2004; su incursión como poeta en Líneas abiertas y ahora el dueto constituido con Mariona Aupí, conocido como Santa N, cuyo disco debut ha venido a presentar a tierras aztecas, hacen de este hombre un músico de culto, apasionado por el arte de la vida y sus secretos. Algunos de los cuales nos comparte haciendo gala de su peculiar modo para acariciar al lenguaje.

Por ahí se cuenta de la primera reunión formal entre Mariona y tú, en un restaurante de la Barceloneta, comiendo una paella, pero no se dice cómo o porqué llegaron hasta allí, ¿Quién los convocó?

El azar nos juntó de una de las maneras más comunicantes que existe: "la culinaria". Empezamos a escribir textos sobre los manteles de papel y a jugar con las tintas de la paella, estuvimos bebiendo, comiendo y cantando canciones de Antonio Machín, Chavela Vargas y Parálisis Permanente, hasta que no quedó nadie en el restaurante. Mariona es “una alma poética” que poco tiene que ver con los tiempos actuales, es muy difícil estar con Mariona y no sucumbir al arte.

Mariona escribió los textos y luego trabajaste la música, ¿de manera espontánea surgió ese entrecruzamiento entre los ambientes de arrabal, Tom Waits, el vodevil y hasta algún eco de ranchera?

Mariona escribió los textos que ella canta, excepto el de la canción "labios", que lo escribió Peinga Rayo y las canciones interpretadas por mi son textos míos. Desde luego, para realizar conjuntamente un disco con alguien debes conectar con un montón de cosas. En el caso de Santa N, hemos ido de la mano con Tom Waits, Chavela Vargas y un larguísimo etc... Estamos en un momento que la música con una clara raíz e identidad nos persigue muchísimo.

Ambos llevaban largo trecho en la música, ¿fue fácil ceder y concertar para que el proyecto fluyera?

Fue muy fácil: la pasión hacia la música, el champagne, el sueño y el misterio, el mar mediterráneo y la magia, hicieron perfectamente su trabajo, nosotros simplemente nos dejamos llevar.

¿De qué manera guardar una sana distancia entre el músico –el cantante de canciones- y el poeta? ¿Son estadios distintos o complementarios?

Estoy entrando en un lugar, en el que todo me parece lo mismo, el poema, la canción, el cante, “todo es uno”. Es un área en la que no puedo separar un trazo de un eje, una melodía de una sirena, un paisaje de un poema. Todo está conectado y estoy disfrutando muchísimo de este misterio.

Las piezas que integran Santa N son muy ricas en instrumentación y los arreglos minuciosos y cuidados, ¿cómo se fueron visualizando las necesidades de cada uno de los temas?

Se trata de un disco artesano, cuidado casi como una pieza única; elaborado con la más absoluta calma y dedicación. Cada canción podría pertenecer a un disco diferente, sobretodo a nivel de arreglos. El proceso fue larguísimo, a la vez muy enriquecedor y mágico. Son canciones que le gusta llevar un buen traje, ir bien peinadas y sentir la vida. Pero han conocido todos los estados físicos y mentales de la creación, y hasta han buscado el delirio como forma de subsistencia.

En España el trabajo dedicado a Panero fue contundente y muy apreciado, ¿consideras que en México no se conoció lo suficiente?

En México gustó lo que tenía que agradar, igual que en España. Es un disco difícil, con una selección de poemas no apta para todos los públicos y con una notable transgresión. Sinceramente para mi, todo fue una gran sorpresa.

¿A que atribuyes el desarrollo de ese fuerte nexo que has establecido con el público mexicano?

Pasión, entrega y verdad, es algo recíproco; además el público mexicano tiene mucha memoria, identidad y búsqueda.

¿Cómo es que has conseguido seguir desarrollando la estructura de la canción para que no quede en su forma más habitual?

Estoy trabajando muchísimo en las estructuras musicales, es casi una obsesión en mi forma actual de crear. Me gusta mucho deconstruir y volver a construir. Cada canción escrita forma parte de un juego de llaves que voy guardando. Todas tienen su habitación en “el castillo de la música”.

Han comentado que una de sus influencias es Federico Fellini, ¿crees que le gustarían las canciones de Santa N?

No sé si las canciones le gustarían, pero que se lo pasaría en grande con nosotros, eso te lo puedo asegurar.

¿Cómo surge el proyecto Pierda usted cuidado con Juan Carlos Allende y Enrique Castañeda, músicos de Chavela Vargas?

Disfrutando de sus discos noche a noche, he estado años escuchando esos “requintos” que me arañaban y dignificaban mi corazón.Todo se materializó en un concierto de Chavela en Barcelona, me lancé al escenario y los abordé, como si se tratara de un barco pirata. Me dejé llevar y me salió bien. No me pude contener, nadie me paró. Todo estaba escrito. Juan Carlos Allende lo recuerda como si yo estuviera totalmente poseído, y bueno, creo que no se equivoca del todo.

A partir de ahí sólo han hablado las canciones. Ese va a ser mi próximo disco, llevo mucho tiempo trabajando en él, puedo asegurar que ahí están algunas de las mejores canciones que he escrito nunca.

Stuaart Murdoch y su música para películas futuras

2009-07-07T16:19:00.000-07:00

El creador de Belle and Sebastian es un tipo de otros tiempos; sencillamente, no pertenece a esta época. Su pop de orfebrería me hace compararlo con un anticuario, alguien que ama las cosas del pasado por sobre las novedades. Ahora su particular perspectiva lo hace convocar a distintas vocalistas, con tal que no se parezcan a Celine Dion, para elaborar lo que será la música de una película del mismo título que comenzará a rodarse hasta el próximo año.
Apoyado en dos recreaciones de temas de antaño (“Act of the Apostle”, y “Funny Little Frog” de The life pursuit), resulta el disco con la más pura esencia de la banda en muchos años. Un trabajo lleno de pasajes orquestales, tratamientos a lo spaghetti western y pinceladas jazz, que conviven con momentos de music hall y rock pop oldie.
El álbum toca la historia de una joven llamada Eve, recién salida de un manicomio y en proceso de buscar novio y una nueva vida. En cada uno de los 14 temas que lo conforman hay detalles interesantes, como la participación de Neil Hannon de Divine Comedy en una canción que le es ideal: “Perfection As A Hipster”. Entre las damas elegidas por Stuart destacan Catherine Ireton (que se lleva casi todo el disco) y Brittany Stallings que hacen brillar canciones tan acariciantes y aterciopeladas como la que le da título, “Musicians, Please Take Heed”, “I’ll Have To Dance With Cassie” y “Come Monday Night”.

Stuart Murdoch
God Help the Girl
Matador, 09

Akron/Family: La furia y la calma de la weird America.

2009-05-30T15:35:00.000-07:00

Antes eran cuatro pero ahora como trío los de Pennsylvania no han perdido un ápice de potencia y creatividad; lo suyo traspira de total libertad y van a tope en aquello que se entiende como freak-folk. Ellos hacen una versión orgánica al 100% parecida a lo que Animal Collective logran su mescolanza, pero aun hay que precisar que aun en los momentos en los que priva el caos no se pierde el rigor y la buena factura.

Una agrupación como esta da testimonio de que existen corrientes por las que circulan sonoridades realmente heterodoxas; vamos que no son bandas que suenen del todo convencional y que si dan señas de que exista algo parecido a una Weird America.

Más asentados que nunca, no desprecian la calma y siguen amando la furia; saben torcer las melodías y hacer el uso necesario de los aires primitivistas. Se afirman como prolongadores y distorsionadores de la música ancestral de Norteamérica, gracias a temas como “River”, “They will apear” (con una guitarra afiladísima) y “Gravely Mountains of the Moon” (que rinde pleitesía a Neil Young y sus Crazy Horse). Akron/Family entrega la mejor de las cuentas, muchos les apartan un lugar en lo mejor del año, pelando palmo a palmo con Geizzly Bear.

Akron/Family
Set ´Em Wild, Set ´Em Free
Dead Oceans, 09

White Rabbits: Piano rock de locomotoras a dos baterías

2009-05-30T14:34:00.000-07:00

Esta banda originaria de Missouri, pero con unos años asentada en Brooklyn, Nueva York, se ha ganado a pulso un lugar en el paisaje internacional de la música por tener un directo contundente, que se potencia por el hecho de que el sexteto incluye dos baterías. Con Fort Nightly (07) consiguieron un alentador debut que les llevó a telonear para The Walkmen, Kaiser Chiefs y Spoon, banda de la que tomaron a Britt Daniel, cantante y guitarrista, para producir su segunda incursión.
En esto del rock es bien difícil construir un sonido propio y estos conejillos lo han logrado dosificando la parte experimental, dando su lugar al piano y las guitarras acústicos. Hasta podemos acordarnos de Primal Scream cuando los escuchamos (“Rudie Fails”), y, siendo optimistas, incluso de los Radiohead más ligeros (“They done wrong/ We done wrong”), con quienes comparten disquera. Pero aunque este trabajo los lleva adelante ahora deberán concentrarse en componer canciones memorables, de esas que se recuerdan siempre.
Autodefinidos como creadores de un piano rock de locomotora, suenan actuales, aguerridos e inquietos, sólo les falta que su materia prima perviva, que sus temas se queden para siempre. La suerte no les ha faltado, ellos mismos se jactan se ser la banda más desconocida que ha pasado por el Late Show de David Letterman.
White Rabbits están a punto de grabar un disco que los congracie con la eternidad, por lo pronto han conseguido un segundo trabajo respetable y lleno de detalles.
White Rabbits
I`ts Frightening
TBD Records, 09

Folk de terciopelo, un leñador de nuestros días

2009-05-30T10:42:00.000-07:00

Ojalá la mayoría de las disqueras y los artistas entendieran que especialmente los discos de rarezas, lados B y versiones deben ser generosos para contar con el favor del fan. Sam Beam es un tipo brillante y ello lo demuestra no sólo en su folk de terciopelo sino en el modo de dirigirse por la vida y esta entrega no es la excepción, pues resulta toda congruencia desde el arte a los 23 cortes que la integran.

Sorprende que este leñador de nuestros días, cuya discografía no es tan extensa en cuanto a álbumes (3), posea tal cantidad de canciones con un nivel de calidad y belleza superlativo. En ningún momento se siente como material de relleno; todo lo contrario, se halla en estado de gracia en cuanto a su rol de cantautor acústico.

Siguiendo la vereda por la que un día transitaron Nick Drake y Elliot Smith, compila viejas grabaciones domésticas, sesiones registradas con recursos elementales, ejercicios de estilo y temas ajenos elegidos con tacto que hacen las veces de enormes imanes: “Such Great Heights” de The Postal Service , “Waitin’ for a Superman” de Flaming Lips y“Love Vigilantes” de New Order.

Sam y su vieja guitarra, sentado en un porche y soltando pequeñas maravillas como: “Belated Promise Ring”, “Dearest Forsaken” y “Hickory”. A su lado tiene una banca vacía que espera por nosotros.

Vicente Amigo: un Paseo de Gracia visto por un flamenco

2009-05-30T10:20:00.000-07:00

Por si no bastara haber acompañado a inmensos cantaores como Camarón de la Isla y Carmen Linares, este discípulo de Manolo Sanlúcar se cruzó con la gloria cuando en 1992 formó parte del mítico concierto Leyendas de guitarra en Sevilla, donde alternó con Paco de Lucía, Keith Richards y Bob Dylan. ¿Hace falta algo más para recomendar a un músico?
El cordobés Vicente Amigo (1967) ha mantenido un romance de largo aliento con el flamenco y ahora con su sexto disco se da tiempo de dedicarle un homenaje a una de las zonas más fascinantes de Barcelona, al tiempo que convoca a una pléyade de figuras del flamenco para que sumaran su arte.
Por este Paseo de Gracia (Sony/BMG, 09) desfilan la familia Morente entera (el inmenso Enrique junto a Estrella, Soleá y Enrique hijo). A su vera están Niña Pastori, Rafael de Utrera, Lin y Nani Cortés, entre un nutrido grupo de invitados.
Vicente ha conseguido un equilibrio entre la vena flamenca y la canción; consigue toquetear otros ritmos sin perder elegancia, sabiduría y jondura. Musicalmente, se encuentra arropado como nunca: Tino di Geraldo (batería y percusión), Antonio Ramos “Maca” (bajo), Alexis Lefêvre (violín) y Paquito González (percusión).
Los empeños de un músico dedicado a cantar a través de la guitarra ahora son puestos al servicio de letras escritas por él mismo y que le aportan al disco ese grado de intimidad tan personal (Ahí está “Autorretrato”) aun pasando por tantos colaboradores.
Como siempre, la parte armónica es elaborada con maestría y filigrana sin importar “el palo” al que recurra o si se atreve a saltar a otro género, como en la rumba-tango “Amor de nadie” y el paso por bulerías de “Luz de la sombra".
Bastan 9 temas para comprobar que este Amigo ha dado en estado de Gracia un Paseo empapado de arte flamenco por las calles de la Joya del Mediterráneo.

Ojos de brujo: brillante collar del mestizaje musical.

2009-05-23T10:03:00.000-07:00

Si Barcelona es la perla del Mediterráneo, esta banda es el collar en que está engarzada. Desde hace años que su mixtura de flamenco, electrónica y otras hierbas engrandece el ambiente de su ciudad, que se precia por su toque multicultural.
Tras recorrer buena parte del mundo, recibiendo merecidos elogios, Marina “La canillas” había optado por detener el trote del combo y tras de varios alumbramientos de por medio (de ella y esposas de otros miembros) han regresado con energías renovadas con este Ahora (Aocaná en caló gitano).
El disco representa una vuelta a la rumba, género que les es natural, pero con perceptibles influencias de los ritmos latinos, traídos por Carlitos (trompetista y esposo de Marina); Siempre elegante es el trabajo guitarrístico de Ramón Giménez y Dj Panko se muestra más sabio y contenido, pero ello no resta al disco nada de la potencia y la prodigiosa ejecución que los define.
Ahí sigue su vena política (“Una verdad incómoda”) y “Baraka”, un tango-bolero sobre el drama de la inmigración clandestina. Por si no fuera poco con su arte romaní se hacen acompañar del rapero Tote King, el gran Chano Domínguez al piano, el flamenco Duquende y la legendaria orquesta cubana Los Van Van.
Son cubano, bulerías, chispazos electrónicos, reggae, funk y hasta sonidos hindúes (de parte de Katana College of percussion) confluyen en un disco que tiene en “La rumba del adiós” su punto más alto.
Ojos de brujo
Aocaná
Warner, 09

Bombay Dub Orchestra: transformando la música tradicional hindú

2009-05-23T09:46:00.000-07:00

El éxito de la película Slumdog Millonaire trajo consigo no sólo que su banda sonora se venda como pan caliente, sino que muchos escuchas están apuntando sus oídos hacía las nuevas sonoridades que emanan del subcontinente Indio y esto ha beneficiado incluso a agrupaciones y solistas que venían transformando el sonido de una tradición musical milenaria.

Tal es el caso de Bombay Dub Orchestra, un proyecto creado por los británicos Gary Hughes y Andrew T. Mackay, que han desarrollado un trabajo integral (son músicos, productores y arreglistas) que cada vez crece en sus dimensiones; para este segundo álbum grabaron en Mumbai (antigua Bombay), Chennai (Madras), donde trabajaron con una orquesta de 75 músicos, posteriormente dar el toque electrónico y post-producir en Londres. La estancia en tales ciudades les sugirió el título de una entrega que ha sido apoyada por el influyente sello de San Francisco, California, Six Deegres, especializado en este tipo de entrecruzamientos.

El acervo folklórico pasa por el tratamiento clásico de la orquesta para finalmente obtener su cariz contemporáneo durante su acabado final. Esta carambola de tres bandas, así como la imaginería y seriedad puestos en los en los 11 temas hacen de esta propuesta un elemento clave para renovar el anquilosado concepto de chill out.

Bombay Dub Orchestra representan la complejidad de la India del presente, asida a su pasado pero buscando nuevos horizontes. Un disco que no escatima al momento de regalarnos paisajes sonoros de serena belleza.

Bombay Dub Orchestra
3 cities
Six Deegres, 09

2009-05-23T07:39:00.000-07:00

2009-05-23T07:38:00.000-07:00

Réquiem Pop para Antonio

2009-05-12T17:02:00.000-07:00

Insistías en conocer la Anatomía de una ola
o hacer de Madrid un lugar perdido
donde pasar 3000 horas con Marga
pero la impostergable cita
se cumplió una mañana de mayo.

En una décima de segundo salió la última gota
de la jeringa que selló el trato
escrito con sangre sobre un opiáceo lienzo años atrás.

Mientras transcurría el otoño
amenazabas con venirte abajo
pero la chica de ayer te redimía siempre
sin importar el gigante con el que dar la lucha.

Los relojes ocultos en la oscuridad juntaron sus manecillas
y una voz susurrante te dijo: -vístete-;
para decir adiós a la ciudad sólo deseabas mirar una vez más
las calles mojadas que te vieron crecer
pero ya no hubo tiempo,
apenas unos segundos y una frase anotada
casi sin pensar en un papel:
“demasiado tarde para comprender
chica vete a tu casa no podemos jugar".

Les Yeux Noirs: prodigio del jazz gitano y la música judía

2009-05-04T11:25:00.001-07:00

No siempre la intensidad y excitación que genera la música procede del rock, el pop o la electrónica –que dominan el espectro de difusión-, existen otras muchas músicas que derraman pasión y vida. No puede sentirse ni decirse otra cosa ante la escucha de los haceres de Les Yeux Noirs, una banda Yiddish establecida en Francia desde donde dan otro rostro al jazz gitano y la tradición klezmer (judía).
Con una alineación que incluye doble bajo, acordeón, guitarra, chelo, cimbalón y batería, los dos hermanos Eric y Oliver Slabiak, cantan y tocan el violín con un virtuosismo rebelde, que les hace apropiarse de temas tradicionales de Rumania, Hungría y Rusia o bien llenar de emoción sus propias composiciones.
Juntos prácticamente por 20 años, ahora deciden publicar un álbum doble Best OYN / Oprescena (Harmonia Mundi, 09) que recoge en un disco 15 temas seleccionados de su trayectoria y en otro, 13 piezas grabadas en directo por Radio France.
Quizá su material no sea muy conocido de este lado del charco, pero posee una belleza poco común, ya sea cuando tocan a toda velocidad y nos dejan pasmados o cuando bajan la marcha y nos remontan a tiempos ancestrales.
Una maravilla sin desperdicio de parte de un grupo que toma su nombre de una canción original de Philippe Leotard, “Oï tzigané”, que dice: “la joven chica de Ojos Negros vino de los Urales con el viento en su mano”). De plano, si no consigue emocionarte es que estás muerto.

Bonnie "Prince" Billy: cronista y poeta de la Norteamerica profunda

2009-05-03T11:29:00.000-07:00

El pensamiento único es una trampa, reforzada por el sistema comercial que pretende estandarizarlo todo para aumentar su potencial mercado. Un país como los Estados Unidos fraguado con base en los migrantes no puede ser representado por una cultura monolítica y superficial. No todos los gringos son estúpidos y no todo en música se limita a Britney o Rihanna. En verdad existe un acervo enorme que procede de la raíz multirracial y que de verdad honra a la historia de uno de los países más jóvenes del planeta.

Casi de todos lados del orbe arribó gente para asentarse en ese vasto territorio de la parte norte de América. Cada grupo social llevó sus costumbres y tradiciones, cada pueblo le puso música a su existencia. Unos para quejarse de su situación, otros para elevar una plegaria y tantos más para acompañar sus celebraciones y acontecimientos.

Sobre esa tierra fértil descansa una nación extraviada en su soberbia y egoísmo, pero afortunadamente existen creadores que se desmarcan, que dan cuenta de la existencia de otra nación, que aunque agazapada existe y transpira. A lo que hace Bonnie Prince Billy se le puede llamar country alternativo, weird folk, o cualquier otro término, pero ante todo es un músico que se encarga de componer temas con alma, que son honestos en su modo de narrar el mundo y que en el escucha atento buscan complicidad.

Apenas han pasado unos cuantos meses de que publicó su último álbum de estudio“Lie Down in the Hill” (Drag City/Domino, 08), y un directo “Is It The Sea?” (Domino, 08) cuando ya está de vuelta con una obra que ya es considerada como maestra entre quienes conocen el trabajo de un hombre barbado que no es materia para la frívola farándula, los tabloides escandalosos y la radio fórmula.

Más que emanado de las grandes ciudades, el sonido de este hombre, creador de varios seudónimos, es campirano y ciertamente melancólico. No desparrama alegría, más bien se orienta hacia una sensibilidad taciturna y reposada. Beware (Dragcity/Domino,09), su disco nuevo, es un ejemplo máximo de lo que es una belleza serena, pero no por ello menos impactante o emocional.

Nunca como ahora se dedicó a detallar un disco grande: reunió casi a una orquesta, grabó rodeado de recursos y puso énfasis a su modo de cantar, antes un tanto solemne. Este admirador de Elvis, figura del Americana y elusivo compositor, se acercó incluso al góspel en está oportunidad, se rodeó de coros femeninos y, como siempre, agregó muchas vivencias personales a las letras, que son evidentes en títulos como “I won’t ask again”, “My life´s work”, “You can´t hurt me now” y “I am goodbye”, que por cierto es el primer sencillo.

Beware es su trabajo más rico en orquestación y matices, lo que se debe por una parte al uso de instrumentos diversos, como xilófono, banjo, saxofón y violín, aunados a la participación de gente como Josh Abrams de Town and Country, Jennifer Hutt, Emmett Kelly de The Cairo Gang, Michael Zerang, Rob Mazurek (Chicago Underground Orchestra, Isotope 217), Greg Leisz (Matthew Sweet Band), Leroy Bach (ex Wilco), Jon Langford (The Mekons) y Azita Youssefi.
Algunos son habituales junto a Will Oldham, como en realidad se llama Bonnie, y otros fueron invitados especialmente para enriquecer composiciones embriagadas de vida que ahora ya no lucen tan desnudas o desprotegidas.
Quizá la gente que no haya pasado por desilusiones o que finge ser completamente feliz no se identifique con canciones que constantemente hablan de despedidas, que suenan: "a adiós / como el fin de algo maravilloso".
Teniendo de su lado un caudal de más de 30 disco editados de 1993 a la fecha, Prince Billy sólo tiene al cielo por frontera; es un vaquero que cabalga rumbo a la eternidad mientras canta como si no se inmutara siquiera. No necesita del estruendo para decir verdades enormes o lamentarse de la rutina adulta. La parte más luminosa y rítmica la deja para “I´m goodbye”, con acento bluegrass y corta duración (apenas poco más de dos minutos).
Al autor de I see darkness (02) y The letting go (06), nacido en Louisville, Kentucky, hay quien lo ve como el más digno sucesor de Dylan, elogio grande pero merecido, aunque en Beware subraya que anda en la misma senda polvosa por la que paso Johnny Cash; el hombre de negro puede reconfortarse en el más allá al saber que tiene alguien que supo asimilar sus enseñanzas.
Bonnie Prince Billy es un talento silvestre, un poeta lírico, un artista taciturno que ha encontrado la manera de congraciarse con la esencia de la música tradicional de un país que muchos no quieren mirar pero que existe. La Norteamérica profundo tiene en este hombre a uno de sus más grandes cronistas.

Rompepistas, diario íntimo de un punk de provincia

2009-05-01T08:45:00.000-07:00

· Tercera novela del español KiKo Amat.

Porque en este pueblo,
¿cómo escoges un color,
cuando lo único que hay son distintos tonos de gris mierda?

La destartalada banda de punk llamada Las duelistas estaba compuesta por tres adolescentes que vivían en el extrarradio barcelonés, en una pequeña ciudad que sólo es conocida por sus manicomios y su equipo de rugby. Los tres tenían 17 años y se hallaban extraviados entre el aburrimiento colectivo y el desmoronamiento familiar, gastando su existencia fingiendo ser rudos, pero exudando solamente ternura.

Rompepistas, del que se oculta siempre el nombre de pila, es miope, esquelético, asmático y tiene el pelo teñido de rubio; expulsado del colegio, junto a su compinche Carnaval, da cuenta de cómo va tirando por la borda los días, que transcurren entre su amor frustrado con Clareana, bajista del grupo, encendidos pleitos paternales y las interminable juergas y tropelías junto a los Skinheads por la Paz, una turba despatarrada, cuyo líder es un hooligan conocido como el Chopped, y compuesta por tipos de apodos tan delirantes como el jejé, el puños, el pachanga, el sutil, el bomba fétida, el antología y el peligro.

Salpimentada con canciones de Generation X, The Clash y The Specials (aunque no falta el rock radical vasco de Kortatu), la tercera novela del también periodista Kiko Amat, editada por Anagrama, cierra una trilogía sobre historias de adolescentes, con las que el autor guarda cierto contacto autobiográfico.

Nacido en 1971, Amat da cuenta de lo vivido durante los ochenta (la obra se centra en 1987) en la comarca de Sant Boi de Llobregat, donde esa pandilla de provincianos pasa de la adolescencia a la juventud acompañados del nerviosismo del No futuro y el burbujeo de inagotables cervezas. Rompepistas es honesto en cuanto al rol que desempeñaban: “Éramos la sarna del pueblo y como tal nos comportábamos”.

Se trata de una novela punk, imbuida de la candidez de ese tipo de espíritu romántico; y en ese sentido, genuina, honesta y natural. Apasionado de la cultura pop –de filia británica-, KiKo no ha hecho un ejercicio experimental ni una introspección psicológica en los personajes; no se trata pues de una obra de grandes pretensiones formales sino de una gesta escritural en la que priva el deseo por contar de manera eficiente y cálida una historia.

Más allá de las peleas callejeras y el recuento de una violenta infancia en un colegio católico, en el que no escaseaban los castigos y las vejaciones, subyacen tópicos como la amistad, la traición y la fidelidad; los miedos e inseguridades propios de la edad y la súbita y brutal pérdida de la inocencia.
Colaborador de La vanguardia y también autor de El día que me vaya no se lo diré a nadie (03) y Cosas que hacen BUM (07), aprovechó sus primeras obras para llegar a esta, una evocación del momento en que: “a todos los efectos eres un niño pero haces majaderías de adulto; un punto extraño e indefinido”.

La novela como acto memorialista de una generación, que anhelaba hallar una vía de escape, existente en muchas ocasiones a través de la música. Para el escritor la fórmula era simple: “En aquel tiempo, todas las cosas eran usadas, no reflexionadas. Los discos eran para bailar, no para elaborar grandes tesis”. En ese sentido, se trata de un libro que habrá de decepcionar a los amantes de las estructuras complejas o de los grandes retos narrativos. Aquí hay una historia sencilla, contada con afilado humor y vehemencia, y por la que se filtran asuntos como la culpa y el remordimiento.

Un rara avis del periodismo, como puede constatarse en su blog La escuela moderna, e instalado en las antípodas del fenómeno Nocilla y todo el asunto del afterpop, Kiko es más bien un escritor tradicionalista al estilo del inglés Nick Hornby (Alta fidelidad, Fiebre en las gradas).
A lo largo de la novela se recuperan viejas canciones y frases para el combate callejero, que hoy dan risa: Curas al paredón, Nuclear si… por supuesto, Condenados a luchar. 20 años pasaron para que el autor pudiese decantar y transformar sus recuerdos, que de alguna manera exaltan los viejos tiempos: "la cohesión de la banda fue lo que nos salvó, mientras que las canciones de los discos de vinilo eran la única posibilidad de acceder a algo bonito".

Rompepistas es ante todo el diario íntimo de un punk de provincias, una instantánea novelada de: "unos niños dañados y perdidos en un mundo que no entendían, con todo en contra".

Harlem shakes: ¿Dylan era new wave? ?The birds sobre una pista de baile?

2009-04-24T17:15:00.000-07:00

La fiesta technicolor comienza en Brooklyn

Sí uno tiene una banda en que el vocalista tenga el registro gangoso de Bob Dylan, donde el resto de los miembros tiene conocimiento y gusto tanto por los ritmos latinos como por el afro-pop; sí además te conviertes en amistad cercana de los vecinos, que son Vampire Weekend y compartes incluso juergas con ellos, aunado a que agregas a tu sonido algunos riffs de country y haces que de los teclados salten líneas saltarinas, lo único que te falta es convocar a un productor que sea figura de la escena e invitar a un puñado de gente ilustre que vive y pasa por el barrio para que te conviertas en el siguiente gran suceso de Brooklyn y desde ahí trazar tu propio plan para conquistar al mundo.

Para complementar tal ardid, un quinteto de chavales, que arrancaron apenas en 2006, tomaron un nombre de un estilo de baile procedente de Etiopia y consistente en agitar los hombros, popular porque que aparecía en el video de “Lets Get It” de G-dep. El bailecito dominado entre la gente del famoso barrio habitado por gente de color y latinos, principalmente, y denominado como Harlem shake. Una buena decisión pues suena exótico y desparpajado a la vez.

Lo cierto es que Burning Birthdays, el EP con el que debutaron apenas unos meses después de su conformación, tuvo más que generosos comentarios de parte de medios influyentes, que van de Pitchfork a Rolling Stone, pasando por SPIN y The Village Voice, entre tantos otros.

Insertos en el mismo envión en el que se hallan grupos como The Walkmen, White Rabbits y Born Ruffians, la banda generó grandes expectativas acerca de su primer largo, para lo cuál reclutaron a Chris Zane, quien ya había hecho lo propio con Les Savy Fav y Passion Pit; un tipo que conoce de sobra de que va esta chispeante movida neoyorkina.

Y es que Technicolor Health (Gigantic Records, 2009) no decepciona, todo lo contrario; sus canciones pertenecen a un género mutante que acepta casi de todo; guitarras acústicas, metales, percusiones onda world beat y vocales en coro, muy en plan sixties. Pero no se trata de un retorcido ejercicio experimental sino de una festiva andanada de alegre pop bizarro.

Pero no sólo girar con Clap Your Hands and Say Yeah!, Deerhoof y Vampire les vino bien, también fueron invitados por los mismísimos Arctic Monkeys y Beirut. Lo que le sobra a los Harlem Shakes es carisma y buena vibra, por ello no extraña la pasarela de ilustres colegas que pasaron por el estudio a echarles una mano: “En el disco contamos con la experiencia de Stuart Bogie de Antibalas/TV on the Radio al saxo barítono y tenor, Eric Biondo de Antibalas y Beyondo a la trompeta, Kelly Pratt de Arcade Fire y Team B a la trompa, Jon Natchez de Beirut al saxo, Shilpa Ray de Shilpa Ray and Her Happy Hookers y Beat the Devil, Julia Tepper de Frances and The Americans a las voces, y la adorable Larkin Grimm de Young God Recordings en otros coros”, apunta Lex, el líder no oficial y principal cantante.

El resultado de todo ese desfile de personalidades contribuyó a que las 10 canciones tengan una excelente factura y una vibra contagiosa: “Strictly Game”, primer sencillo, explota su lado afro; “Natural man” hace lucir pletóricos los coros y tiene una esencia dylanesca subida de velocidad, mientras que “TFO” presume el trabajo colectivo en todo su poder y “Sunlight” combina al folk con secuencias y programaciones apropiadas para el baile y –predeciblemente- ochenteras. De este tema hay quien dice que suena: “como sí Arcade Fire se inyectaran cafeína mientras manipulan una caja de ritmos”.

Tan sólo de pensar en la posibilidad de un Dylan versión New Wave, o unos coros propios de The Birds aplicados a la pista de baile hacen interesante a estos Harlem Shakes, que tienen en “Niagara falls”, “Radio Orlando” y “Unhurried Hearts” otra gran terna de canciones y reflejo fiel de la propuesta: plantarle la cara al ambiente hostil, actitud positiva, creativo trabajo melódico y reivindicaciones diversas del pasado musical.

Si algo hay que agregar acerca del debut de Harlem Shakes es acerca de su carácter abigarrado, saltarín y, sin duda, multicolor y brillante. A ellos no les preocupa ni las implicaciones acerca del nombre, ya que plantean: “¿eran los Afghan Whigs de Afganistán? ¿son los Tokyo Police Club de Tokyo?”, y mucho menos la idea de que exista en Brooklyn un sonido uniforme: “aunque somos amigos de algunas de las bandas significativas de allí, y estamos inevitablemente influenciados/inspirados por algunos amigos, somos fuertemente independientes”.

La Bien querida: ¿de qué hablamos cuando hablamos de amor?

2009-04-18T09:01:00.000-07:00

Sin duda, lo mejor que puede decirse de Romancero es que se trata de un disco destinado a convertirse en un clásico inmediato de la España contemporánea y es que posee un encanto y una simplicidad abrumadores. De hecho, la primera frase que lo compone dice: “Te estuve esperando, toda la tarde, toda la noche, tu no aparecías y yo no sabía que hacer”.
Lírica silvestre, una voz delicada que mucho recuerda a Jeannette y una personalidad envolvente. Aquí menos no sólo es más, lo es todo. La propuesta de La bien querida es harto sencilla pero nos hace rozar el cielo, paladear unos instantes de eternidad.
Ana Fernández Villaverde nos confirma que la canción no pasará jamás y comienza su leyenda después de haber grabado uno de los demos más apreciados y perseguidos en años, y que provocó que personajes claves del rock hispano, como Luis Calvo y Jesús Llorente se entusiasmaran tanto como cuando escucharon por primera vez las canciones de Family, Los Planetas o El Sr. Chinarro.
Fue precisamente este último artista quien animó a esta mujer a dar sus primeros pasos, a grabar su maqueta (con Horacio Nistal y Edu de Waldorf Histeria) y presentarse luego en público, fungiendo como acompañamiento. Aunque también estaban ahí Jota y David Rodríguez (Beef y La Estrella De David), que ahora funge también como productor del debut, arropado por una de las indies más influyentes de aquellos lares: Elefant Records.
Tras un fervor inesperado provocado por su My space (medio por el que conoció incluso a su productor), sus escasas presentaciones y su voz, Ana se apartó momentáneamente de su carrera como pintora, que le había brindado su único contacto con la industria musical al realizar un óleo para la portada de Grandes éxitos y fracasos (Episodio I), una compilación de Extremoduro.
Precisamente en un impasse de su trayectoria como artista plástico fue que decidió bajarse de internet algunos acordes e incursionar con la guitarra. Ya que su padre es músico, algún gen le ayudó a dominar el instrumento con rapidez para componer canciones que son como manifiestos de una chica frágil y sensible que es toda verdad: “tengo miedo que en algún descuido me rompas de un golpe el corazón”
A la postre, Romancero se integró con nuevas versiones de los 7 temas del célebre demo que le antecede, más cinco composiciones recientes, en las que Rodríguez vertió toda su pasión por el pop de orfebrería: guitarras acústicas, percusiones discretas, pinceladas de flamenco ligero, flautas, teclados etéreos, etc. Todo dispuesto para que lo que luzca sea la voz de La bien querida, siempre en primer plano y por momentos casi a capella.
Un álbum que es todo amor, más aun si tomamos en cuenta que Ana y David se liaron sentimentalmente durante la grabación, por lo que es ensoñador e intenso, aun en los momentos menos evidentes, como en la fantástica y marcial “Corpus Christi”: “Los aeronautas hablan de la eflorescencia del aire en invierno y los astrofísicos del sol y las estrellas en el universo”. Mientras esto pasa, la chica se rompe en pedazos ya que transcurren 4 días sin ver al objeto del deseo.

Ana ha tomado todo el barullo con naturalidad y templanza, utilizando las tablas con las que ya contaba como pintora y señalando los puntos de contacto entre ambas disciplinas: “Para mí hay una conexión total entre música y pintura. Un cuadro y una canción son temática, composición, armonía y tonalidad”.

Nacida en Bilbao, hija única de un pareja interesada en la cultura, arribó a Madrid con 20 años para dedicarse a las artes plásticas pero el éxito le ha llegado a través de la música y eso que ella sólo pretendía entretenerse con canciones simples al estilo Mojave 3, pero “De momento abril” y “El zoo absoluto” tienen la elegancia y la finura del pop de las más alta estirpe. Ella es una princesa que viste de andaluza en la portada de un disco que va a estar entre nuestros “bien queridos” por largo tiempo.

Nos viene de lo mejor contar con una mujer que suelta verdades sencillas pero inapelables y que además canta en castellano. De hecho se sincera con la prensa española acerca de la naturaleza de sus canciones: “A mí no me avergüenza decir ‘amor’ o ‘enamorarme’ en una canción. Lo que me produciría pudor sería dar vueltas sobre esa idea sin enfrentarme a ella. Canto sobre experiencias personales y por el momento se trata tan sólo de canciones de amor porque no me salen de otra forma. Mis libros de cabecera no tienen nada que ver con la temática amorosa, son cosas como Petrarca, Lucrecio, Cioran, Breton… Me encantaría hacer letras que tratasen sobre la astronomía, la botánica o las aves exóticas, pero de momento no me salen, no hay manera”.

Por si la naturaleza orgánica de 11 canciones no fuera bastante para seducirnos, una de las viejas canciones estuvo a punto de quedar fuera de no ser por que decidieron darle un tratamiento electrónico. Así “9.6” suena incluso un poco “bakalao” para su autora, pero se ha convertido en un auténtico rompepistas que pronto contará con versión extendend. Algo que para el productor era una versión a modo de broma de mal gustó será la que alcance la mayor difusión mediática.

La saga de poesía callejera un tanto naive acompañada de música de ensueño, a la usanza de bandas como La Buena Vida y Le Mans, ya tiene otra obra mayor que desentraña ese peculiar enigma que ya planteara Raymond Carver en uno de sus mejores libros: ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor? ¡Larga vida a La Bien querida!

Elvis Perkins in Dearland

2009-04-12T19:20:00.001-07:00

La tragedia se ha ceñido sobre la familia de Elvis Perkins, por lo que la fatalidad le ha hecho sombra al trabajo de un compositor dedicado, minucioso y valiente. Ash Wednesday, su debut, no alcanzó todo el reconocimiento que se merecía pero lo puso en camino: un chico blanco, conocedor de la tradición norteamericana y fino letrista.
Creando un vínculo más estrecho con el trío que lo acompaña, se presenta ahora como una unidad y profundiza en su trabajo con la negritud: del blues al góspel, de los pantanos de Lousiana a las calles de Nueva Orleans. Se muestra como un Huckleberry Finn del folk-rock y sorprende a propios y extraños cuando alcanza registros que en mucho nos recuerdan al Bob Marley más acústico, como es patente en“Shampoo”, el tema de apertura del disco Elvis Perkins in Dearland (XL Recordings, 09)
En “’l´ ll Be Arriving” utiliza el sonido de las cadenas que agitaban los esclavos y logra un efecto poderoso en su terrible alusión. Sus temas son profundos y su postura abierta, no sobredramatiza ni sobre sí mismo ni sobre el mundo, pero sí pone el dedo en las llagas, en las heridas. Al dedicarse a estos menesteres no puede negar todas las enseñanzas de aquel que se apellida Dylan; ni hablar, es un enorme paradigma.
En fin, que los vientos del pasado soplan huracanados en un disco distante de las modas. Metales campiranos, metáforas robadas de tiempos idos… el pasado deja una pátina imposible de quitar de este otro Elvis, un vaquero dispuesto a cabalgar en esta época, temas como “Doomsday”, “Chains, Chains, Chains” y “Send My Fond Regards To Lonelyville” nos invitan a recorrer con él sus propias praderas.

Extraperlo: el sonido más cálido y festivo del Mediterráneo

2009-04-12T12:16:00.001-07:00

Hace tiempo que la escena española está produciendo artistas muy propositivos, más allá del estrato comercial con el que nos castiga la industria. Ya no son casos aislados, el conjunto es nutrido y su postura es transgredir fronteras y tender puentes con otros territorios, lo que de hecho se da en su factura, ahora falta que se de en su difusión.
Alguien puede decirme: ¿Porqué se perdió el nexo entre México y el movimiento contemporáneo musical hispano? Es buen momento sin duda para prestar atención a grupos tan anchos de miras como Extraperlo, que buscan incluso tomar gran distancia con lo hecho por las grandes estrellas locales de los últimos tiempos, como Los planetas o La habitación roja.
Interesados por devorar el mapamundi sonoro, toman prestados ecos africanos, pasajes latinos y bases electrónicas para trazar su Mediterráneo del presente. Su debut Desayuno continental (Mushroom Pillow, 09) es cálido, soleado y festivo, y se inserta en esa tendencia de grupos que no cantan propiamente sus temas, casi los recitan, los dicen sin énfasis y acento. Al perder a su baterista, estuvieron en ruta para consolidar su personalidad: una vieja caja de ritmos, programada con simplicidad, puede dar un soporte muy en “onda”.
Aquí hay canción pop, bossa mutante, resabios tecnosos y condimentos diversos. Tras la escucha de piezas como “Las palmeras del amor”, “Bañadores” y “Entre las plantas” se perciben las acotaciones de Vampire Weekend y el reciente suceso español conocido como El guincho, que colabora con su tambache percusivo, y con el que comparten bajista.
Pinceladas de calypso y matices tropicalistas dan cierto toque a un disco que no carece de buenos temas, como los ya mencionados, y a los que hay que sumar “Negroni” y “Wornie”. Quizá el único “pero” sea esa manía tan ibérica de dejar el nivel de la voz fundido con el resto de los instrumentos, aunque se aprecia una decisión intencional del todo.
11 canciones para musicalizar una primavera ardiente y vacacional. Nuevos vientos soplan desde la vieja Hispania.

Cómo alcanzar el cielo desde Escocia

2009-04-12T09:14:00.000-07:00

Aidan Moffat es un tipo robusto y barbado, de mediana edad, que decidió poner fin a su banda en el mejor momento de su carrera. En 2005 puso fin a Arab Strap con quien hacía canciones con frases tan rudas como: “el sexo sin amor es un paseo recomendable, pero el amor sin sexo está a un segundo de la muerte”. A partir de entonces este hosco sujeto y atento observador tuvo que reinventarse inventando una banda que le acompaña y a la que modestamente llamó The Best Of´.
Para completar su tour de forcé dejó de lado las aseveraciones lapidarias para componer su primer disco dedicado por completo al amor en sus distintas manifestaciones, pues dedicó una canción a su fallecido padre que ahora se aparece como fantasma y otra a su hijo que estaba por nacer y donde le cuenta que estaba muerto de miedo por su llegada (una vez en este mundo tuvo la ocurrencia de ponerle por tercer nombre: ¡Batman!).
Tomó el título para el álbum, How to Get Heaven from Scotland (Chemikal Undregorund, 09) de un panfleto que le dejaron en su puerta sus religiosos vecinos del sur de Glasgow, ciudad que de alguna manera influye en su sonido scotish y en estos temas de baja velocidad que ahora ensaya. El hombre sabe lo que quiere contar y no le importa tener una gran voz o dificultades para hacer cuadrar la melodía; él va a lo suyo y disfruta de su entera libertad para prácticamente decir las canciones o insertar sonidos ambientales o el latido de su hijo recién nacido.
Puede citar sin pudor a Pat Benatar que hacer una lista con los nombres de sus ex – novias (con todo y que es casado) o confesar su afición por contemplar jovencitas cuando se puede. Tanta sinceridad se agradece; no es abundante en los tiempos que corren y menos si se mezcla con grandes dosis de inteligencia como en “Atheist Lament” –una belleza lenta-.
Aidan se sabe un artista confesional, sórdido y cínico, para completar la humorada publicó este álbum el 14 de febrero. Aquí la vida es la más infinita de las bromas y transcurre a baja velocidad.

Joe Crepúsculo: la filosofía en el pop y el pop como filosofía.

2009-03-21T09:02:00.000-07:00

Barcelona, España

Un estudiante de filosofía se mantiene de digitalizar documentos antiguos procedentes de la catedral de Girona y la Biblioteca Nacional de Catalunya. A cada sesión de copiado lleva un cuaderno donde anota algunas de las curiosidades escritas en esos viejos legajos. Mientras labora, escucha en sus audífonos las pistas que ha compuesto el día anterior en su casa.
Jöel Iriarte cuenta con un montón de añejos teclados, pues ha tocado techno duro, surf, rock y heavy metal; su sensibilidad es amplia, así que no le faltan instrumentos diversos y una baraja descabellada de influencias en la que caben: Dire Straits, Pink Floyd, Supertramp y Elton John, entre muchos otros; además tiene de su lado el conocimiento del pensamiento clásico, que le sirve para convertir al propio San Agustín de Hipona en un letrista pop. El personaje al que bautizó como Joe Crepúsculo puede usar una obra cristiana como Las Confesiones y convertir una de sus máximas en el coro de una canción: “Ama y haz lo que quieras”.
Si ya parece alucinado combinar a San Agustín (“la medida del amor es amar sin medida”) y teclados vintage, todavía lo es más cuando en vez de cantar de un modo tradicional, las letras se dicen con aparente total desgana, sin énfasis, como quien lee una receta o el directorio telefónico. Si a ello sumamos el gusto del compositor por los sonidos feos o cursis, tenemos delante a uno de los proyectos más bizarros de los últimos años en el panorama español.
Miembro también del grupo Tarántula y en proceso de titulación, Jöel crea para sí mismo y no esperaba nada de sus canciones, quizá esa sea su mayor virtud. En menos de un año editó dos discos: Escuelas de zebras y Supercrepus, que no sólo distribuyen Producciones Doradas sino que él mismo regala por doquier, además de ofrecerlos completos de forma gratuita en su página.
Hablar de Joe Crepúsculo es hablar de total desparpajo, de una oda al mal gusto que resulta sublime. Allá lo llaman cutre, acá podemos decirle art nacó o lo que se nos ocurra. Se trata de un proyecto no exento de un fino sentido del humor pues siempre resultará difícil tratar de reconciliar lo irreconciliable; valga de muestra una línea: “no es fácil amar en tiempos de democracia/ cuando la moral ha perdido toda su eficacia y esplendor social”.
¿Un tipo proveniente de tiempos perdidos y armado con un sintetizador o un genio del sarcasmo y la programación? Tal vez ambas cosas. En un desplante de honestidad ha contado que para “Amor congelado” puso la letra de “Time and love” de Barbra Streisand en un traductor de internet para obtener frases utilizables. En otro tema, “El faro”, convierte en estribillo castizo un clásico de Elton John, “Don´t let the sun go down on me”.
El resultado cuando menos descoloca e intriga, y no es para menos, al escuchar frases como: “cuando las navajas se te clavan en las nalgas y te sangran los ojos de ilusión” (“Sandra”). Nada es intocable para Crepúsculo, quien incluso en “La amistad” hace un guiño a la banda sonora de El rey león. Mientras se le escucha, uno no puede sino recordar a los tecladistas de bar o los que actúan en fiestas particulares.
Heredero de ciertos aspectos de la movida, -esas cajas de ritmos hiper ochenteras-; poeta chirriante y vocalista descuadrado, su falta de ambición vino colmada de buena fortuna. No esperaba nada y de golpe resulta elegido como el mejor disco español del año por la influyente revista Rockdelux, es entrevistado por el diario El país, entre otros, y las ofertas le llueven, al grado de dejar su viejo empleo para atender múltiples compromisos.
Y no es que todas las canciones le salgan bien; algunas quedan cursis a ultranza, desparramando mermelada y crema batida, pero cuando da en el blanco del pop como filosofía de vida obtiene maravillas como “Capitán”, a partir de un poema de Antonio Machado, o bien “El día de las medusas” y la ya citada, “Amar en tiempos de democracia”, deudora de los primeros Alaska y Dinarama.
Joe no conoce límites, en “Baraja de cuchillos” quiso hacer algo como “Walk of life” de Dire Straits y el resultado ni se parece. Luego llena sus piezas con campanas o cencerros sacadas de la era oscura de la disco music y hace coros, con voces dobladas, que le envidiarían las más edulcoradas baladistas de temporada.
Lo que en un principio pretendía ser un álbum dedicado al amor, al final contiene canciones de agua, de aire y de navajas, e incluso una instrumental, “El día de la sardina”. ¿Cómo no despatarrarse de la risa cuando una canción dice: “tengo un papagayo verde para ti”?
Supercrepus, disco palíndromo, puede ser irritante y provocador, pero también nostálgico (en hora buena el cover de “No me acostumbro”, original de El último de la fila); por un instante ser super banal (“ven a reír, ven a bailar”) y luego soltar aseveraciones como: “nadie puede ser libre hasta que lo sean los demás”.
Esa ambivalencia es la que lo destaca, lo sublima, lo hace untarse a la piel y taladrar la mente, porque como dice en “La canción del verano”: “La música es tan frágil que los recuerdos se quedan impregnados para siempre”.

The decemberists en estado de gracia presentan The Hazards of Love

2009-03-21T08:59:00.000-07:00

El rock como una forma de arte

En un momento en que una tendencia del rock es la perdida de significados y el predominio de una música hueca que es más artificio que sustancia, debemos celebrar la aparición de un álbum como lo es el quinto de esta deslumbrante banda de Pórtland, que se caracteriza por realizar temas llenos de matices, nutrida instrumentación y trabajar al detalle las letras, como si se tratase de un obra literaria con peso específico propio.

Desarrollando una carrera de largo aliento y sin prisas, The Decemberists han logrado dotar al rock contemporáneo –lo de menos es sí es indie, alternativo u lo que sea- de personalidad, inteligencia e inspiración. Si ya en Picaresque (05) y The Crane Wife (06) –especialmente este disco- estábamos ante una agrupación de importancia notable, tras escuchar su más reciente trabajo podemos aventurar que nos hallamos delante de un nuevo clásico, de una obra de la que se va a hablar durante mucho tiempo.

El escuadrón que comanda Colin Melloy –culto pero ligero- se ha atrevido a incursionar en el difícil y traicionero campo de la Ópera rock, a la usanza de Tommy o Quadrophenia de The Who, y The Wall de Pink Floyd. Ya en su anterior entrega se percibían ciertos tintes progresivos que conviven con la parte de folk-rock que predomina en su sonido.

The hazards of love (Capitol, 09) es una obra difícil de encasillar, es huidiza en su parte musical, aunque el núcleo narrativo sea muy sólido: la historia bordea entre lo épico, la fantasía y lo amoroso. Tiene a Margaret como personaje central y narra un periplo que la llevará a un encuentro sexual con un ser que cambia de forma, su secuestro y eventual matrimonio con The Rake, un villano en toda la línea.

La chica enfrentará los celos de una reina, maligna y poderosa –como deben de ser- y la cadena de infortunios se extiende hasta que encuentre la muerte a manos, nada menos, que de su amor verdadero. Una tragedia de ley.

17 temas muy diferentes entre sí, que parten de un “Preludio” en que priva el silencio; el escucha puede desesperarse pero paulatinamente irán apareciendo las primeras notas. Luego habrá pasajes densos, de un blues casi desnudo, también hay sitio para coros infantiles y odiseas de rock a plenitud de poder.

Las piezas se van engarzando unas con otras, para no perder la secuencia narrativa, que aborda momentos precisos de la historia, como en “The Rake Song”, que cuenta como el villano embaraza varias veces a Margaret. Una vez que da a luz, los bebés son asesinados por ser considerados un molesto estorbo. Pero no todo queda en infanticidio, los niños regresan como un coro fantasmal para llevar a cabo una revancha en “The Hazards of Love 3 (Revenge!).

Así como aquel artista que dijo: “mi genio es festivo, los asuntos trágicos”. La música brinda un cálido soporte a una historia truculenta, en la que intervienen otros músicos talentosos, como son Becky Stark de los injustamente valorados Lavender Diamond encarnando a Margaret; mientras que Shara Worden de My Brightest Diamond hace a la reina. Y para placer de sus tantos fans, aparece por también Jim James de My Morning Jacket.

The decemberists dan un salto largo en su travesía de grandes ambiciones; poseen canciones incontestables –sean o no sencillos- . Se trata de un disco brillante y complejo a la vez; intrépido y sólido. Una banda en estado de gracia nos demuestra como el rock puede convertirse en una refinada y deslumbrante forma de arte.

1994: Radiohead en Pachuca.

2009-03-09T13:28:00.000-07:00

Más allá de la leyenda urbana.
(Publicado en la revista Marvin 69-Marzo, ya en venta y con más fotos)

Edgar Chávez y Jorge Romero

En 1994 nadie imaginaba el monstruo musical en que se convertiría esa banda de jóvenes ingleses, apenas formada cinco años en la Universidad de Oxford, cuyo primer sencillo, Creep, parecía una de esas rolas contaminadas por el virus del one hit wonder y vampirizada por MTV.

Banda visionaria, rabiosa y melancólica, motivo de culto y veneración, Radiohead visitará en breve México, aunque, para sorpresa de muchos, no será la primera vez que pise territorio nacional. En su visita inicial, hace ya casi 15 años, el incipiente grupo inglés ofreció tres conciertos: el primero en la Ciudad de México, en La Diabla, antro antológico de la vida nocturna capitalina noventera; el segundo en Trastorno, ubicado en la hacienda Ojo de Agua, en el Estado de México, y el tercero, en Pachuca -aunque usted no lo crea-.

El grupo que a la postre compuso Ok Computer, considerado por muchos el mejor disco de la década de los noventa, se presentó en el Teatro San Francisco de la capital del estado de Hidalgo, el 30 de octubre de 1994. La entrada costó 60 nuevos pesos y el lugar no alcanzó a llenarse.

En ese entonces, Juan Carlos Hidalgo, hoy colaborador de Marvin, integró el equipo que hizo posible que la novel banda británica pisara la Bella Airosa. Lo endeble del circuito de conciertos local y la falta de tradición rockera de la ciudad, contribuyeron a que dicha presentación se inserte en el terreno de las leyendas urbanas, aunque existen testimonios y documentos que sustentan un excelente concierto, según el propio grupo, debido a las condiciones acústicas del recinto teatral.

Tan limitado era el repertorio de Radiohead en ese entonces, que para congraciarse con el público pachuqueño, tuvieron que interpretar todas las canciones de su primera producción Pablo Honey, e incluso tocar dos veces Creep, ya que de lo contrario, su presentación no habría superado siquiera los sesenta minutos. Por cierto, en aquel momento la banda recién había lanzado el EP My Iron Lung, que se sumaba a Drill, otro extended en el cual se incluía el histórico sencillo, convertido en disco de oro en Estados Unidos y que se convertiría en la llave que les abriría la puerta a una primera gira internacional.

Por lo insólito que resultaría hoy la realización de un concierto de Radiohead en Pachuca, mucha gente especula acerca de la veracidad del acontecimiento. Marvin conversó con algunos de los protagonistas para despejar dudas y refutar a los incrédulos.

Al respecto, Juan Carlos Hidalgo recuerda que aquella presentación se convirtió en un reto mayúsculo, pues Pachuca era una ciudad que no contaba con un circuito permanente de conciertos y por ello fue difícil cumplir los requerimientos de un grupo como Radiohead. Para su organización, se conformó un grupo de trabajo en cuyo núcleo estuvieron Juan Carlos Hidalgo, Mauricio Corona y el diseñador y artista plástico Enrique Garnica. Además de otros muchos entusiastas locales, más el apoyo de Ricardo Serafín, promotor de eventos a través del consorcio La Iguana Internacional.

“Básicamente, entre los tres aportamos el capital necesario, aunque cabe decir que contamos con la colaboración generosa de gente que apoyó, dado que se trataba de un evento con un perfil cultural y autogestivo, más que un negocio. En un principio nos dio facilidades el Instituto de Cultura, pero como hubo cambio de autoridades, criticaron el evento y hostigaron a los organizadores: “que rondabamos los veinte y algo de años en aquel entonces”.

Juan Carlos Hidalgo pertenecía a un colectivo que realizaba el programa radiofónico Movimiento y publicaba artículos en distintos suplementos de diarios locales: “Como una prolongación de nuestras actividades se dio la organización de conciertos, junto a Mauricio Corona, músico local conocido como El Petiso y miembro de El eterno grito. Conjuntamente se hicieron La Maldita Vecindad y Fobia. En cada uno solían abrir bandas locales. Nuestro empecinamiento por dinamizar la escena local de la cultura y el rock fue total; intentamos abarcar todos los aspectos”, comenta.

Por su parte Corona apunta: “El concierto de Radiohead formaba parte de una estrategia que buscaba llevar también a Los Héroes del Silencio a Pachuca. Ricardo Serafín (primero manager de La Castañeda y luego promotor independiente vio nuestra forma de trabajo; decidió ofrecernos una fecha para tratar de establecer un circuito fijo de conciertos que abarcara La Diabla (DF), Trastorno y Pachuca”.

Aunque no se vislumbraba que fuese a convertirse en la banda de dimensión histórica que es hoy día, se sabía de sobra la calidad del rock británico. A los organizadores les interesaba ofrecer cosas importantes. Ya en una anterior ocasión habían incluido una banda de Suiza en uno de los carteles, por lo que decidieron que era buena opción llevar a Radiohead a Pachuca.

De esta forma, se eligió el Teatro San Francisco, que tiene una capacidad para alrededor de 900 espectadores, y que tenía poco tiempo de ser reinaugurado, tras una remodelación a fondo. “Vendimos entre 750 y 800 de las 900 localidades; desafortunadamente dimos muchas cortesías, lo que mermó el ingreso (cosas de la inexperiencia). Un concierto de tales dimensiones implicó que pese a que el teatro contaba con iluminación, el grupo trajo equipo completo, que también hubo que arrendar, además de otros requerimientos específicos”.

Para cerrar la noche se organizó un after party para el que se consideró que: “un par de miembros del crew eran vegetarianos, por lo que no debían faltar ensaladas. En cuanto a la bebida no eran muy exigentes; nada fuera de lo normal. Aunque predominó la cerveza bohemia. Algunos de los músicos también comieron pozole”, precisa Hidalgo.

Otra de las personas que acudieron, Carlos Cadena, promotor musical, rememora: “recuerdo que, incluso, al terminar el concierto, nos llevamos a Thom Yorke a comer unos tacos a la avenida Constitución, buen tipo, la verdad éramos como unos 10 allí en la calle comiendo”, dice entre risas, pues ahora no puede imaginarse la misma escena, es casi imposible, surrealista”.

Contra lo que pudiera pensarse, no puede considerarse aquel concierto como algo lucrativo. “Se cubrieron los gastos, pero no hubo ganancias”, señala. De cualquier manera, esa no era la expectativa ni el interés fundamental”.

“Para mucha gente fue el mejor concierto de su vida. La presencia y magnetismo del grupo, además de un sonido excelente fue una experiencia reconfortante y plena en sí misma. Lo demás ya fue asunto financiero, pero seguimos armando cosas después de esa fecha, como la visita de Danza Invisible de España”.

Así lo confirman quienes con un poco de nostalgia, cuelgan sus recuerdos en la red y consignan lo siguiente: “Por medio de mi ex-novio pude estar en los ensayos del toquín de Pachuca y la verdad, no se me hacía la gran cosa los “cabezas de radio”, aunque sí les puedo decir que eran bastante alivianados y hasta mi CD del Pablo Honey me autografiaron. Sin embargo, su show estuvo bastante decente y por supuesto, con esa energía muy particular de los grupos nuevos que aún no han perdido la cabeza con el ‘éxito’”.

Entre las cosas que se dicen de esa gira de Radiohead en México, es que los subieron a una camioneta que se quedó sin frenos, cosa que refuta Juan Carlos Hidalgo y explica: “Lo único que puedo decir, por haberlo vivido directamente, es un gran agotamiento de parte de uno de los músicos debido al trajín de la gira y un poco a los excesos. Tuvimos que hacer una breve parada al médico para una revisión preventiva. De allí, directos al hotel en Pachuca. Al día siguiente se fueron a conocer Teotihuacan y luego al show. Ninguno de nuestros vehículos sufrió desperfecto alguno”.

A manera de conclusión añade: “Como periodista he seguido puntualmente la carrera de Radiohead. La verdad es que disfruto mucho su música, pero sí creo que en torno a ellos se ha desarrollado un fanatismo muchas veces irracional de parte de jóvenes que se comportan como ultras y que creen que cada gesto de Thom Yorke es genial y que prácticamente habría que canonizarlo. Lo que es innegable es la lucidez con que se han comportado, sus hábiles estrategias de posicionamiento y promoción. Amén de haber creado una de las estéticas sonoras más importantes del siglo XX y lo que llevamos del XXI”.

Abe Vigoda: el esqueleto africano del punk

2009-03-09T13:15:00.000-07:00

Existe en México una tendencia exagerada para apropiarse los éxitos de los co-nacionales en el extranjero, pese a que sus familias o ellos mismos hayan tenido que emigrar ilegalmente o a que sean mexicanos de segunda generación, tal como ocurre con gente como Óscar de la Hoya, Tony Romo y, recientemente, con el quarterback de UCLA, Matt Garza. En ese sentido, es posible caer en la tentación de elogiar lo hecho por la banda californiana Abe Vigoda sólo por que la mitad esta conformada por jóvenes mexicanos que apenas rondan los veintipocos años de edad.
Pero sus orígenes son mera circunstancia, ellos pertenecen al entorno social en que han crecido, han asimilado su cultura y sus referentes, así les hagan gracia las rancheras. Lo cierto es que tienen los oídos puestos en música procedente de todas partes del mundo: “Hace un año empezamos a interesarnos por la world music, por grupos como Konono o Hallelujah Chicken Run Band, que llevaban la música tradicional africana al terreno del pop. También nos nutrimos de corridos y discos de calypso sin portada”.
El asunto es que Abe Vigoda (Juan Velázquez (líder, vocal y guitarra) Michael Vidal (guitarra y voz), David Reichardt (bajo) y Reggie Guerrero (batería), han firmado un disco en el que colisionan estilos divergentes, sacando chispas y despidiendo una energía furiosa. Skeleton no es un disco que permita las medias tintas, su estrepitosa acometida se ama o se odia, por igual.
Se trata de música que se siente tribal y primigenia, pero también urbana y ruda. A mucha gente se le antoja como el retorno de aquel exabrupto conocido como No wave, que emanara de la vanguardia neoyorkina a finales de los setenta.
Abe Vigoda saben como retorcer y quebrar los ritmos, fragmentarlos y ponerlos al servicio de canciones para rituales de nueva generación. Su propia disquera acuño un término para definirlos, lo mismo curioso que polémico: punk tropical.
Su sonido cambia constantemente y por ahora recupera la sensibilidad y falta de prejuicios de una nueva camada de grupos californianos (entre los que se encuentran Mika Miko y Health). De hecho, forman parte importante de las agrupaciones surgidas en torno a una sala de conciertos de espíritu autogestivo y de promoción musical: The Smell.

Ellos mismos precisan el sentido del lugar: “No se trata de un club, no está hecho para ganar dinero. Pagan a los grupos con las entradas y ellos no se llevan nada. Es un punto de encuentro donde nos reunimos con los amigos y tocan bandas hasta de chicos de catorce años que no pueden tocar en otro sitio”.

Jim Smith, el propietario, ha decidido cobrar un máximo de 5 dólares por entrada, además de vender únicamente café, té y agua, más algunos snacks y comida vegetariana. En ese ámbito han trabado una fuerte amistad con otro proyecto que en este momento vive un importante hype internacional: No age.
Lo que es más, Dean Spunt es el responsable de Post Present Medium, el pequeño sello donde graban (distribuido por Touch & Go en Norteamérica), y con quien han compartido varios splits, como miembro que es al 50% de No age (se trata de un dueto).
Aunque tienen detrás a Sky Route/ Star roof (05) y Kid city (07), el cuarteto considera a Skeleton su primer disco en forma, tanto por la naturaleza del material como por la actitud más comprometida que han asumido. Los medios les han encontrado cercanías con Battles y Frog Eyes, más allá de que al pasar a ser distribuidos en Europa por Bella Union (con el ex-Cocteau Twins Simon Raymonde al mando) se les hiciera pasar como: “el matrimonio entre Captain Beefheart y My Bloody Valentine que baila reggaetón”. Estrategia que funciona en lo publicitario pero un tanto alucinada en lo estrictamente musical.
En constante movimiento entre Chino y Los ángeles, buscan absorber todo cuanto cae en sus manos. Por lo mismo no extraña que su nombre provenga de un actor secundario, cuyos papeles más importantes fueron en las dos primeras cintas de El padrino, y que hoy tiene casi 90 años de edad. Nadie puede precisar sí Abraham Charles "Abe" Vigoda sabe que un grupo de punk ha utilizado su nombre y sí puede gustarle tan demencial propuesta.
Y es que Skeleton es un disco sin reposo, pura descarga adrenalínica; desde “Dead City/Waste wilderness”, pasando por "Bear face", "Lanterng lights", “The garden” y “Cranes”. 14 temas que se consumen con la intensidad de una pira: batería machacante, cierto minimalismo, melodía camuflada y cambios abruptos. 34 minutos sin elementos añadidos, puro tuétano.
Abe Vigoda es un grupo intuitivo y salvaje, que cuando menos en este disco consiguen llevar a la llamada world music un paso adelante, especialmente la de origen africano, aunque se resisten a una comparación formal con Vampire Weekend (los tienen en su myspace como una broma): “no creo que nos parezcamos. Hay mucha gente que siempre intenta comparar grupos por una cosa -refiriéndose a la influencia africana- pero me ofende un poco porque venimos de un lugar diferente y no tenemos nada que ver”, explica el baterista Reggie Guerrero.
Abe Vigoda es una banda que sabe lo que quiere. Rechazaron grabar para una disquera grande: “dijimos que no porque iba en contra de nuestros principios. Siempre nos han rodeado nuestros amigos y no queríamos que dejase de ser así. Era muy importante para nosotros sacarlo con un amigo porque sabemos que va a hacer lo que sea necesario por nosotros”, explica Velázquez. Además de que usan instrumentos baratos, como las guitarras Squier, graban en un estudio casero de a 8 dólares la hora (aunque la mezcla y las masterización si fueron profesionales).
La precariedad de recursos y tecnología más bien desata su creatividad. No dudan al momento de esconder las voces y las melodías en un segundo plano, ni se preocupan porque sólo dos de las canciones del disco rebasan los 3 minutos. Con muy pocas palabras resumen su actitud y postura: “Sabemos que no tenemos que seguir las reglas porque ya no existen”. Que la música sea.

Gang Gang Dance: tecnotribalistas de hoy

2009-03-09T13:10:00.001-07:00

· (para no perderse en Coachella)

Mucho se habló durante la década de los noventas de la manera en que la infraestructura tecnológica permitiría a un cierto número de personas desplazarse a residir en el campo, realizar desde allí sus labores y retornar a formas más simples de vida. Tal fenómeno fue denominado tecnotribalismo, y si bien paulatinamente se ha ido haciendo posible, todavía no se trata de una opción de masas.
Encuentro muy útil este concepto para resumir el sonido de una más de las agrupaciones emanadas de Nueva York que están transformando el sonido del mundo. Puedo decir que Gang Gang Dance son una banda tecnotribalista, pues simultáneamente suenan futuristas y primigenios, retuercen la vanguardia y se muestran primitivistas al mismo tiempo.
En Saint Dymphna se muestran como un puñado de músicos funcionado como una tribu, apoyados en implementos rústicos que alternan con elementos tecnológicos. Una extraña mezcla de espíritu neo-hippy, esencia nerd y concentrados de esoteria y misticismo. Ante todo existe un interés por las culturas antiguas y su producción musical, que son asimiladas a las formas contemporáneas. Algo está pasando para bien, que las fórmulas conocidas no se respetan y los géneros son transpuestos para crear algo cuya mera descripción suponen un reto.
Lizzi Bourgotumus, Brian Degraw, Tim Dewitt, Josh Diamond y Nathan Maddox han venido editando grabaciones desde el 2002, aunque al principio lo hacían en ediciones limitadísimas en cd-r, que luego trasladaban al vinyl. En cada trabajo han ido haciendo evolucionar composiciones un tanto minimalistas, que a veces parecen surgidas de la improvisación más esquizofrénica. Lizzi y Nathan gruñen, gritan y recitan, pasando sus voces por distintos tipos de efectos, que convergen en estructuras concéntricas.

Destaca el hecho que los medios consideran este su disco más accesible, aun cuando se sustenta en una variedad de ritmos irregulares, que parecen por momentos hechos con tambos, troncos o con instrumentos hallados en una caverna. A ello se agregan capas de teclados y guitarras que vomitan delays larguísimos.
Ecos hindúes, repaso de rítmica africana, electrónica de baile y pasajes de shoegaze a lo My Bloody Valentine. ¿Eso es todo? Por supuesto que no, también recurren al grime, que se enfatiza con la intervención del MC Tinchy Stryder en “Princess”, que resulta selvática y urbana por igual.
Gang Gang Dance salpican sus piezas asimétricas de texturas, disonancias y requiebros inimaginables, que en Saint Dymphna resultan todo menos incomprensibles.
Podemos sentirnos en una aldea lejana o en la pista de baile de algún antro de Brooklyn y ambas sensaciones son posibles; así ocurre con “Bebey”, “First communion” y “House Jam”, de las que no ha faltado el conspicuo periodista que las considere la hipotética reunión de MIA con !!!, también residentes en el vecindario junto a Animal Collective, Black Dice, Tv on the radio, Double Leopards, Excepter, Mouthus, Sightings y Wolf Eyes, entre muchos otros. No cabe duda, Brooklyn cuenta con la escena más apasionante e incendiaria en el actual panorama.
El quinteto habrá de reconocer en esta emergente celebridad un resultado del trabajo constante, aunque a los ojos de gran parte del público pasen por unos recién llegados. Saint Dymphna fue editado originalmente por la discreta Social Registry en 2008, pero contó con el apoyo de la influyente Warp para propulsar su onda expansiva.
Si es que hay que buscar a los verdaderos descendientes de la furiosa No Wave, que emergiera con furia en esa misma ciudad a finales de los años setenta, Gang Gang Dance parece tener la mano levantada bien alto; es indudable que se envuelven en la misma bandera que ha enarbolado la jungla social y artística de la ciudad: ansias de vanguardia, actitud ecléctica y ganas de evasión.

La música no se puede estancar, debe mirar hacia el futuro, aunque tenga en el bolsillo una postal de sus antepasados. Llega un momento en que modernidad y tradición se dan la mano. Así que ya sean llamados neo-primitivistas o tecnotribales, hay creadores para los que la experimentación y el riesgo son lo más importante.

Marianne Faithfull: el canto de una superviviente

2009-03-09T13:03:00.000-07:00

Easy come, Easy go es un álbum de versiones y duetos que van del jazz al rock contemporáneo.

Escuchar “hold on, hold on” es una sublimación del arte realizado y concebido por mujeres. Se trata de una canción original de Neko Case, ex – vocalista de The New Pornographers, muy hábil para dotar de sensibilidad sus composiciones y explicitar su íntima percepción de las cosas sin perder energía. En este rock de medio tiempo confluyen las voces de dos damas: por un lado, la siempre intensa Cat Power, que tampoco pierde su toque aterciopelado al cantar, haciendo contrapeso con una señora que bordea los sesenta y que interpreta acusando un vida completa posada sobre el filo de los excesos.

Marianne Faithfull (Londres, 1946) ha editado un nuevo disco de versiones, Easy come, easy go (Naive, 08) completando una trilogía temática (que tiene en Kissin`time, 02 y Before the poison, 05, sus antecedentes inmediatos) en una carrera que se compone de 22 discos; una friolera que la ubica como una artista de largo aliento a la que ponderar por su obra misma, más allá que su biografía tenga tintes de leyenda.

Personaje esencial del swinging London de los años sesenta, era una belleza impresionante que atrapó al líder de los Rolling Stones. Descendiente del noble que dio pie al nacimiento del masoquismo (Leopold Von Sacher-Masoch, austriaco que escribió La Venus de las pieles), poseedora de gran cultura (que le brindaron numerosas instituciones privadas y colegios de monjas), fue ella quien dio a leer a Mick Jagger El maestro y Margarita, la novela de Bulgakov, inspiración a la postre de “Sympathy for the Devil”.

Descubierta por Andrew Loog-Oldham, miembro del crew de los Stones, fue descrita en aquel momento como: “un ángel con tetas grandes". Pero no sólo su físico era impresionante, hizo patente su talento como compositora al adjudicarse -tardíamente (mediante un juicio)- la autoría de la letra de “Sister Morphine”, contando con el apoyo de Keith Richards.

Debutó en el cine en 1968; vestida de cuero acudía a un encuentro con Alain Delon en La motocyclette. Para ese entonces ya llevaba cuatro años de carrera discográfica, que pese al éxito consistía de temas algo cándidos, en franco contraste con una vida de escándalos (se libró de prisión por un pelo tras la redada en el cuartel de Sus satánicas majestades por asuntos de estupefacientes).

Posteriormente, fue arrollada por la vorágine de la época, tal como lo narra en uno de sus dos libros de memorias: "Yo fui una más de los millones de estúpidos que, en los sesenta, nos sentíamos atraídos por el malditismo de la drogadicción. En El almuerzo desnudo, de William Burroughs, vi una guía para la autodestrucción como opción estética. Tuve que pasar por el infierno para comprender que, si había algún mensaje en el libro, es que había que tener mucho cuidado con las drogas. Y que la razón final de la obra es su inventiva literaria, su poderío verbal".
Lejos parecen los días en los que vagaba errante por Londres buscando hacerse de una nueva dosis. Al menos mantuvo su adicción lejos de los tabloides. Su vida privada no alimentó el morbo en demasía (dos divorcios y tres bodas), la prensa musical se ha interesado de buena manera por cada grabación de una auténtica superviviente (se sobrepuso en los últimos años a un cáncer de pecho que la aquejaba).

Tras de aparecer en el video de “The memory remains” de Metallica, ha regresado al cine. Por una parte, interpretó a María Teresa I de Austria en la película de Sofia Coppola María Antonieta, y posteriormente protagonizó Irina Palm, sobre una viuda madura que trabaja en un club de alterne para pagar un tratamiento médico a su nieto; además de aparecer en uno de los cortos de Paris Je t`aime.

Musicalmente, sus últimos trabajos dan cuenta, por una parte, de su buen gusto en cuanto a la selección del material, y por otra, subrayan muy buen tino al momento de elegir a sus invitados, elogio que quizá también se merece su equipo de trabajo, pero que sin duda le genera distintos y renovados escuchas.
Easy Come, Easy Go tiene una edición doble (acompañada de un DVD en la que explica la elección de cada uno de los 18 temas) que es la que refleja fielmente la naturaleza del proyecto (aunque por razones comerciales se ha lanzado también un disco unitario con una decena nada más; así como un doble vinilo). No faltan pues elementos para degustar de canciones sobriamente arregladas y que forman parte del corpus de una cantante en plena madurez. Ahí está un crooner maldito como Anthony Hegarty en “Baby” o la adaptación de un tema indie rock compuesto por la banda de Portland, The Decemberists, titulado “The Crane Wife” o bien, ese fastuoso interprete de oropel que es Rufus Wainwright sumando su voz a “Children of Stone”.

El productor Hal Willner (Leonard Cohen y Nick Cave, entre otros) se hizo de los estudios más antiguos de Manhattan, Sear Sound, para grabar. Durante las sesiones contó con el apoyo de los arreglistas Cohen Bernstein y Weinberg Goldstein para supervisar las tomas, que conforme a la fama de Marianne, llamada cariñosamente One Take Faithfull, requirió de escasas repeticiones, e incluso algunas piezas son tomas únicas.

Cierto es que los orquestadores contaban con material de primerísima calidad para trabajar. Basta mencionar que el tema que titula al álbum es un clásico de Bessie Smith o que “Solitude” pertenece al legado de la inmensa Billie Holiday. Pero no sólo se optó por temas jazzeros, ahí están “Dear God, Please Help Me”, compuesta por Morrisey, además de “Salvation” de Black Rebel Motorcycle Club.

Con una historia que conjuga mitos urbanos, como prácticas eróticas usando chocolates, con curiosidades como ser la primera persona en utilizar la palabra fuck (coger) en una película (I'll Never Forget What's 'Isname), verdaderamente ha atravesado por momentos difíciles, entre los que se cuentan sobredosis, un aborto, intentos de suicidio y anorexia. Utiliza tal cúmulo de vivencias para volcarse sobre cada interpretación realizada con su voz rota y profunda, ya se en clave de jazz, blues o rock puro.

Para una mujer que reanudó su carrera en 1979, con el bien recibido por la crítica pero poco vendedor Broken english, es bueno contar con la complicidad y admiración de la gente a la que convoca para su serie de versiones. Se percibe el convencimiento de las partes y no sólo la participación para cumplir con el trámite; del dandy llamado Teddy Thompson (“How Many Words”) al reencuentro con esa ave de las tempestades que es Keith Richards (“Sing Me Back Home”). Cada personalidad brinda una arista interesante al conjunto. Ahí está Jarvis Cocker desparramando elegancia en “Somewhere (A place for Us)” de Leonard Bernstein o bien Marianne en solitario con “Down from Dover”, haciendo suyos los terrenos de Dolly Parton.

Lejos parecen quedar los días de la maraña psicodélica que la acompañaba mientras editaba sus primeros sencillos: “As Tears Go By” (compuesta por Jagger y Richards), “This Little Bird” y “Summer Night”. De la vida de excesos tan sólo queda una moderada afición por el tabaco y una energía imperecedera en torno al arte musical. Ella misma es consciente de ello: “Soy un ejemplo viviente de que no es cierto lo que predican los moralistas. Es posible que una mujer pueda vivir excesivamente y terminar convertida en una dama interesante. Como yo".

2008 en 10 discos memorables

2009-01-25T16:29:00.000-08:00

*Publicado en el suplemento El ángel del Diario Reforma (Dic. 08)

Siempre será difícil llegar a listas definitivas e inapelables. Cada recuento es subjetivo y cuestionable. Por ello no se trata aquí de un compilado de los 10 mejores discos según el criterio del reseñista, sino de una selección de una decena de álbumes que de alguna manera contribuyan al memorioso acto de reconstrucción del año. Un ciclo que en cuanto a la música contemporánea se caracteriza, en términos generales, por una serie notable de debuts que concentran buena parte de las propuestas más creativas y energéticas, y que se ubican por encima de lo hecho por figuras supuestamente consolidadas.

2008 también será recordado por ser el año en que los músicos occidentales más han volteado hacia África, para recurrir a sus sonoridades y rítmicas. Por otra parte, habrá que consignar también la importancia de Brooklyn como epicentro de la producción musical. Diversos medios apuntan que, hoy por hoy, se trata del barrio con mayor concentración de artistas por metros cuadrado, basta citar unos cuantos ejemplos: Sufjan Stevens, Animal Collective, Tv on the Radio, Antibalas, The National, Clap your hands and say yeah!, The rapture, Yeah, Yeah, Yeahs, The Strokes, Ra Ra Riot, High Places, Prefuse 73 y un larguísimo etcétera.

Otro aspecto importante de resaltar en este recuento anual nos lleva a la escena de la electrónica, cuya crítica central se dirige a subrayar lo predecible y estandarizado de muchas de sus producciones. Durante los últimos doce meses aparecieron trabajos cuya ambición consiste en inyectar nueva vida a un género que terminó por ser casi pasteurizado y domesticado por la industria.

Revisemos entonces un puñado de obras que con el tiempo habrán de traernos al 2008 a la mente.

Vampire weekend
Vampire weekend
XL Recordings
Egresados de la Universidad de Columbia, este cuarteto de veinteañeros optaron por combinar el legado de los Talking Heads (banda que les ponían sus padres de pequeños) con el afrobeat a lo Fela Kuti. A medio camino entre el pop, el indie rock y la música del mundo, Vampire Weekend editó el álbum más refrescante del año, por ubicuo, inaprensible y chispeante. Un debut soberbio desde el corazón de Brooklyn.

Tv on the Radio
Dear science
4AD
Otros neoyorkinos que con sus dos anteriores discos ya anticipaban ser una de las bandas más propositivas del presente. Incluso la prensa británica consignó que su líder, David Sitek, es el productor que le está cambiando el sonido al mundo. Su tercera entrega es menos ruidosa que sus antecesoras, pero igual de energética en su entrecruzamiento entre funk, rock y electrónica. Recurren a guitarras filosas que acompañan a derivaciones rítmicas que rebosan negritud (de hecho, Sitek es el único miembro blanco del quinteto). Temáticamente, incursionaron en cuestionamientos humanistas sin perder su perfil de crítica social y política. La prensa del mundo entero reconocerá con amplitud a esta obra maestra; sin duda, un nuevo clásico.

Portishead
Third
Mercury
2008 será recordado como el año en que el triphop volvió (Tricky, Martina Topley Bird, Massive Attack y Leila, entre otros). Más de 10 años de espera para un lp nuevo de los de Bristol, que incluso dicen odiar al género con el que se les identifica. Regresaron para llevar su música un paso adelante y ello implicó hacerla más densa y experimental. Una maraña de texturas conducida por la voz de Beth Gibbons, en calidad de sílfide contemporánea. Aclamada por todos sus incondicionales, quienes pasan por alto su aspereza y carácter casi abstracto. Renacer completamente renovados y arriesgándolo todo, tal fue la consigna.

Hercules and love affair
Hercules and love affair
Mute
Andrew Butler, un dj del influyente sello neoyorkino DFA, decide crear un proyecto orgánico que transformara lo que se conoce como música Disco y para ello convocó a una terna de vocalistas, en la que destaca la voz de Antony Hegarty, una figura superlativa junto a The Johnsons, que interpreta con gran sensibilidad y registro andrógino. La combinación funciona al yuxtaponer a un crooner maldito, cajas de ritmos y festivos metales. La delirante fiesta posmoderna ha encontrado a sus nuevos heraldos.

El guincho
Alegranza
Discoteca océano /XL Recordings

Pablo Díaz- Reixa es un joven músico canario que aprovechó que por su isla pasaba todo tipo de artistas para nutrir su formación. Radicado ahora en Barcelona y armado con un sampler y un arsenal de percusiones, se inventó el disco español de mayor proyección en la escena anglosajona de los últimos años (relanzado incluso por el sello inglés XL). Alegranza es un complejo collage de música africana, ritmos caribeños y experimentación; un amasijo chispeante que reivindica lo artesanal y el llamado low-fi. Una fiesta tribal que no conoce de fronteras físicas ni musicales. Contribuye a la renovación de lo que se entiende como música electrónica a partir de una concepción amplia de la fusión.

Metallica
Death Magnetic
Vertigo / Universal Music

Tras un lustro sin editar un álbum, se da el regreso de los héroes del metal tras de sus producciones más dóciles. Una vuelta a su salvaje y frenético sonido original, de la mano de un productor de leyenda: Rick Rubin. Ante regresos tan pasteurizados, como los de Oasis o Primal Scream, este cuarteto norteamericano no se anduvo por las ramas y grabó su concepción total del pandemónium: baterías atronadoras, guitarras taladrantes y el bajeo de una aplanadora. Hace tiempo que el rock and roll deseaba reconciliarse con su naturaleza. Es rudo, es veloz y agresivo… es rock si ataduras ni contemplaciones. Buen ejemplo de envejecer con dignidad y sobreponerse al impulso de autodestrucción, tanto como personas como a nivel grupal.

The Bug
Londo zoo
Ninja Tune
Kevin Martin es un músico que ha estado inmerso en la vertiente más combativa de la electrónica desde los años noventa. Ahora presenta su particular visión acerca de Londres, que dista mucha de la aséptica postal que ya se vende a propósito de su futuro olímpico. Más que un visión armónica, The bug muestra las tensiones sociales y culturales que se viven en una de las ciudades más eclécticas del planeta. La música recupera el acervo jamaiquino de la comunidad de inmigrantes y lo mezcla con dubstep, una corriente crepitante y oscura, que se distingue por sus ritmos lentos y densos, más bajos poderosos. Aquí la música de club muestra su perfil político y reflexivo.

Cut copy
In ghost colours
Modular-Island
El maridaje perfecto entre rock y electrónica de baile procede de Australia. Este trío originario de Melbourne sabe como amalgamar secuencias y programaciones con elementos orgánicos, propios de una banda que toca en vivo. En su propuesta se adaptan sonoridades procedentes del funk y el dance al rock, para formar parte de esa entelequia llamada indie. Se trata de la pista sonora más maleable y hedonista del panorama actual.

Lindstrom
Where you go I go too
Smalltown supersound

Este músico es la punta de lanza de toda una camarilla de escandinavos que le están cambiando la cara al techno. La propuesta del escuadrón balear consiste en trabajar material considerado de escasa calidad procedente de la Disco music setentera, además de reivindicar a esa saga cósmica que va de Vangelis a Jean Michel Jarre hasta Tangerine dream. Eligen un tema y le pulen digitalmente todo lo que se considera de “mal gusto” para luego agregar guitarras espaciales y algunos otros elementos, obteniendo temas enteramente renovados e irreconocibles. Tal avanzada tiene otros nombres ilustres (Prins Thomas, Todd Terje, Diskjokke y Mental Overdrive; Aeroplano (dueto belga) más Cloudland Canyon (un alemán y un norteamericano), a los que Lindstrom sirve de carta de presentación. Sentido progresivo, toque retro y psicodelia digital empujando a favor del futuro.

Santogold
Santogold
Smalltown
Se trata de la nueva reina de las revistas de tendencias. Nacida en Filadelfia pero asentada en New York, Santi White encarna al estilo y sofisticación propios del mundo de la moda aplicados a la música. El dueto que conforma con Johnny Rodeo contó con el apoyo del dj-productor Diplo (clave también en la carrera de M.I.A.) allanándoles un lugar en el medio. Su música es capaz de aceptar cualquier tipo de influencia, del hip hop al raggamuffin, del pop a la electrónica y al new wave de segunda generación. Santogold lanzó un disco que se convirtió en suceso inmediato y que en su seno posee lo mejor y lo peor de la industria musical del tercer milenio.

el pop mutante y lisérgico de Animal collective

2009-01-25T16:20:00.000-08:00

Todavía recuerdo con claridad prístina la presentación de Animal Collective en el Coachella 2007. De hecho, verlos en directo era una de las prioridades del viaje. Aparecieron a comienzo de la tarde en el segundo escenario, bañados por el sol californiano y a salvo de las infernales carpas.

Apostados detrás de un nutrido aparataje electrónico, los instrumentos convencionales apenas y jugaban un papel secundario. Se trataba de una orgía del sampler y las programaciones, que acompañaban a una performance esquizofrénica en la que quien tomaba el micrófono –hiper filtrado- era salpicado de algo parecido a violeta de genciana o tinta morada.

Crujidos, texturas, gritos y sonidos guturales se expandieron procedentes de una maraña que nos dejó sin habla. Aquella aparición se recuerda como una de las más memorables de la banda y que finalmente también sembró interrogantes diversos en torno a si estábamos preparados bien a bien para asimilar lo que ellos entienden como música. No faltaron las alabanzas incondicionales, ni la crítica sorda, pero cierto es que aquello fue una sesión demandante –física e intelectualmente- y un ejercicio serio de lo que se entiende como vanguardia, pese a que a los propios miembros del colectivo no se sientan a gusto con que se les adjudique tal término.

Feels (05) y Strawberry jam (07) se convirtieron en discos aclamados internacionalmente, aunque muchos coolhunters no entendían completamente de que iba la cosa. La actitud parecía ser: -si se dice que algo es punta de lanza, entonces lo es aunque no se le comprenda cabalmente-. Un poco como nos enseñara la historia de El traje nuevo del emperador, que sólo es visto por personas “inteligentes”.

Animal Collective parece prolongar al infinito su esencia de improvisación estridente, segundos después montan un rave a partir del baile primitivo y tribal, para súbitamente convertirse en un recital ruidoso y abstracto. Avey Tare (David Portner), Panda Bear (Noah Lennox), y Geologist (Brian Weitz) tienen muy en claro la naturaleza de tal mixtura: “se debe al hecho de que apreciamos mucho el tecno y la música primitiva: ambos tienen en común ritmos que sugieren un trance. Luego, este aspecto tribal y primigenio lo mezclamos con sonidos electrónicos, lo que le da el toque futurista. Es una mezcla bien particular entre vanguardia, sicodelia y un sentimiento originario”.

En repetidas ocasiones han precisado que su intención es generar un estado de confusión mágico, lo que evidentemente consiguen tanto en el estudio como en sus directos, y que ahora prolongan al arte del que se considera su octavo disco oficial: Merriweather Post Pavillion (Domino, 09). La portada consiste en un efecto óptico creado con formas que semejan hojas y que atrapan la mente de quien la mira. No falta quien apoya esta alusión a la vieja psicodelia ni a los que les parece un recurso manido. Ese ha sido el sello de la casa: provocar polémica y dividir opiniones. Más aun cuando se dicen elaborar una música abierta, que busca ser accesible para todo tipo de públicos, cuando es notorio que para su asimilación se exige del escucha una apertura total hacia los territorios del pop más experimental y bizarro, ese que se alimenta glotonamente de folk, hip hop, house, rock, world music, noise y mil cosas más.

En el rompecabezas sonoro que han ido armando con los años, parece que ahora calzan mejor las piezas, hay cierta apertura hacia formas tradicionales y una moderada sobrevivencia de los estribillos. Ya se dice que se trata del disco más pop de Animal Collective y no creo que se trate de una descalificación, más bien amplía todavía más el panorama de una banda siempre impredecible y enigmática

Merriweather… ve la luz tras una etapa en la que el ahora trío ha dividido su residencia entre Lisboa, Nueva York y Washington. Apenas poco tiempo antes de la aparición de uno de los discos más esperados del año, habían estado trabajando con el director Danny Pérez, con quien preparan una película desde hace dos años y que terminarán en el futuro. Mientras tanto se reunieron durante dos semanas en el Sweet Tea Recording Studio en Oxford, Mississippi, para grabar el material del que surgen las 11 piezas de la versión en disco compacto.
Durante las primeras entrevistas a propósito de la edición del disco (que obviamente se filtró semanas antes a la red) han señalado que el elemento clave ahora fue el bajo –pretendían que calara hasta los huesos- y que a partir de este fueron construyendo las partes, para provocar su tan querido trance; por ello no extraña la presencia de un didgeridoo en “Lion in a coma”, el potencial hipnótico de un mantra posmoderno como “My girls” o el carnaval percusivo afrocaribeño de “Brothersport”.
Con esta entrega no hacen sino subrayar la influencia decisiva que ejercen sobre la música de avanzada; confirman el magnetismo que ejercen sobre artistas como High Places, Fleet Foxes, The Ruby suns, Gang Gang Dance, The War on the Drugs y El guincho, entre muchos otros.
La gira previa, que apenas terminó a finales del 2008, les llevó a lugares tan disímbolos como Turquía, Grecia, Eslovaquia, Perú, y Chile, que sirvieron como fogueo para los temas nuevos, que no improvisan sobre el escenario; tocan las composiciones una vez que las tienen terminadas, pero que sin embargo van evolucionando: “Hay algo en lo que hacemos que me recuerda al hip-hop más antiguo, con un acercamiento bien primitivo en el uso de las máquinas, en el que no todo encaja perfectamente. Cuando usamos sintetizadores o computadores, no estamos sincronizados por máquinas, sino que cada uno está apretando los botones para hacer calzar las piezas… y claro que no encajan bien, pero esa es la idea. Personalmente, nuestro sonido me recuerda en algo a grupos como Public Enemy, pero también a la electrónica de la gente de Basic Channel, o el dub”, apuntaba Panda Bear a un periodista chileno antes de su presentación en el Industria Cultural.

El proceso de composición consiste en grabar partes tocadas orgánicamente y luego manipularlas digitalmente a través del sampler. El peculiar universo de Animal Collective se equilibra combinando elementos aparentemente opuestos; en este caso tenían la intención de que sonara más electrónico que sus antecesores pero también recurrieron a técnicas propias de la música clásica, como lo son las variaciones, que van haciendo evolucionar una composición sin perder su esencia, recurriendo a sutiles modificaciones progresivas.
Cuentan con múltiples recursos: voces hipnóticas en los coros de “Guys Eyes” o bien una pátina a lo Brian Wilson y Van Dyke Park atascados de efedrina en “Summertime clothes” y “Bluish”. Apuntalan el álbum en un tema como ‘My Girls’, contagioso, adictivo, tribal y futurista a la vez, que es quizá lo más cercano a un sencillo que han escrito nunca. En un mundo perfecto su destino sería lo alto de las listas de popularidad, pero hasta ahora la rareza no es apreciada lo suficiente.
El colectivo animal ha entregado un disco que aparece apenas comenzado el año y que ha generado que se le considere una obra definitiva y crucial. Lo que es seguro es que su sonido habrá de conseguirles muchos nuevos adeptos. Hace tiempo que se han convertido en un referente de la exploración musical. Pero no faltarán los radicales a los que no les parezca que la banda se proyecte a otro nivel, ni escasearán los recién llegados que los consideren la panacea.
Sea cuál sea el caso, Merriweather Post Pavillion es el disco que va a marcar el pulso de la actualidad, agitara con fuerza la bandera de la vanguardia, algunos querrán verla, otros tantos dudarán antes de abrazarla. Esa es la historia del mundo y de este trío de músicos que vaga por él.

Scott Matthew: la melancolía que habita en Brooklyn

2009-01-21T18:23:00.000-08:00

Desde hace algunos años parece que la mayor parte del talento emergente radica en ese barrio neoyorkino. Los nombres no escasean, todo lo contrario, abundan: Sufjan Stevens, Animal Collective, Tv on the Radio, Antibalas, The National, Clap your hands and say yeah!, The rapture, Yeah, Yeah, Yeahs, The Strokes, Ra Ra Riot, High Places, Prefuse 73 y un larguísimo etcetera. Si el caso fuera sumar nombres, quizá la lista abarcaría todo el texto y no es tal la intención. Basta señalar que hoy por hoy, Brooklyn es probablemente el vecindario con la mayor cantidad de artistas por metro cuadrado. Ya que no sólo implica músicos, basta con mencionar a otro de sus habitantes más ilustre: el escritor Paul Auster, que tanto ha reivindicado su barrio.
Ese pequeño enclave de la Babel de hierro no deja de recibir habitantes avocados al arte y que constantemente están mostrando trabajos relevantes. Tal es el caso de un australiano que por un asunto pasional dejó la tierra de los canguros y los koalas en 1997 para emprender la aventura americana. Y es que Scott Matthew es un caso más del tan sobado Do it yourself. Ha pasado por incontables trabajos menores para sobrevivir, siendo el de mesero el más recurrente, pero en ningún momento ha dudado en abandonar su carrera de compositor, cantante y actor.
A tal empecinamiento –y a una ruptura amorosa- debemos la fortuna de contar con la colección de baladas que conforman su primer Lp epónimo. Son voz y música que expresa la complejidad de un hombre que sufre y ausculta la pérdida. La pasión se acaba y un creador vuelca su tristeza en un puñado de canciones que calan hasta la médula y que se potencian por el peculiar registro vocal de Matthew, que en algo es influido por su condición homosexual. Algunos de sus temas se sienten cercanos al lóbrego entorno queer de Anthony and the Johnsons, otro ángel caído que se nutre del dolor: del propio y del ajeno.
Es importante destacar que los primeros logros de Scott no se dieron en la industria musical, sino en el cine. El punto de inflexión para su carrera fue su aparición en la película Shortbus (06), dirigida por John Cameron-Mitchell, donde hacía de una especia de crooner residente en un club que daba su nombre a la cinta, para la cual compuso también cinco de los temas de la banda sonora e interpretó personalmente tres.

Scott Matthew (Glitterhouse, 08) es un disco para paladear en solitario, para dejarse imbuir en su delicada intimidad, en su belleza lánguida, fatal y atractiva a la vez. Surgida como de un misterioso cabaret, ya que la base la integran un piano más un violonchelo. Después vendrá un discreto bajo y pasajes en los que recurre a la kalimba, un instrumento sudafricano que se pulsa con los dedos, y al ukelele, tan vigente en los últimos tiempos, gracias a grupos como Beirut y The Magnetic Fields. Si bien musicalmente algo tiene también de otro icono gay, Rufus Wainwright, el tono de su voz nos hace rememorar con insistencia al David Bowie de la época entre Heroes (77) y Scary Monsters (80)
Lejos quedan los días en los que junto a Spencer Cobrin (acompañante habitual de Morrissey) formó el malogrado grupo Elva Snow, del que no pasó nada con un primer disco editado hace tres años. Paralelamente, trabajó para las series de animación japonesa Ghost in the Shell y Cowboy bebop, producidas por el compositor y arreglista japonés Yoko Kanno, obteniendo ingresos suficientes para seguir en la brega.
El caso es que supo canalizar toda su experiencia existencial en piezas de carácter autobiográfico que resumen por todo lo que ha pasado: “La decepción y la desilusión son inevitables para todo aquel que intente lo que yo he intentado. Pero, por suerte, finalmente he encontrado mi voz, mi sonido, mi género. La mayor parte del tiempo, dedicarme a la música me proporciona alegría, por lo que si mi historia fuera un cuento, tendría un final feliz”.
Como compositor insiste en que incluso cuando está lleno de vibra positiva el tono de su música es triste; no puede evitar la melancolía, que tanto bien hace a canciones como “Abandoned”, “Amputte” y “Laziest lie”. Las referencias a los amores no correspondidos, corazones rotos y espíritus solitarios son recurrentes, pero utilizadas con tanta delicadeza que no caen en la cursilería, sino en un azote bucólico, casi impresionista.
Scott sabe que no descubre nada nuevo, sin embargo se muestra orgulloso de su personal tratamiento: “me he pasado la vida entera obsesionado con el amor. A veces de forma poco saludable. Finalmente, sin embargo, creo que he encontrado un equilibrio y una lógica. Estoy orgulloso de no haberme convertido en un cínico por mucho que mi buena predisposición me haya causado mucho dolor”.

Este tipo sensible, que en directo hace versiones impresionantes de “Harvest moon” del inmenso Neil Young y de “Heaven knows I´m miserable now” de The Smiths, se encuentra tocando a las puertas de la celebridad mediática, que probablemente caiga seducida por toda la melancolía que habita en Brooklyn y que ha sido hurtada por uno de sus inquilinos.

Dengue fever: el rock camboyano resurge desde california

2009-01-16T06:54:00.000-08:00

El gobierno comunista de Pol Pot y su partido de los jemeres rojos se mantuvo en el poder en Camboya entre 1975 y 1979. Durante este período cerca de dos millones de habitantes murieron a causa de las políticas de exterminio de lo que el pensamiento oficial llamó "el enemigo oculto", es decir, todo aquello que consideró contrario a su plan de construir "una nueva Camboya comunista".
En ese momento la música popular había recibido el impacto del rock, que fue asimilado a temáticas y sonidos nativos, dando pie a una versión psicodélica, en lo que fue llamado Khmer rock o rock jemer. También perseguido por el estado.
Tras un complejo proceso de sucesiones y un juicio por genocidio a los antiguos dirigentes de la entonces Kampuchea Democrática, el país sigue sumido en un periodo de Post-guerra con todo lo que ello implica: pobreza, desempleo, epidemias y otros males. Sin embargo el aumento del turismo, el incremento de la ayuda internacional, la labor de las ONG´s y la inversión, abren poco a poco el panorama a un país con vecinos poderosos y ricos.
Atraído en un principio por el exotismo, un joven californiano realiza un viaje para conocer en carne propia Camboya. Transcurría 1998 cuando Ethan Holtzman está de regreso en los Angeles, con una buena cantidad de discos de aquella bizarra y emocionante forma de rock and roll casi extinto. Contagia su entusiasmo a su hermano Zac, y juntos deciden buscar a una vocalista que conozca la lengua de aquel país para retomar tal estilo. Resultó que en Long Beach existe un área conocida como Cambodia Town, y en ella un club nocturno donde conocieran a Chhom Nimol, una joven que cantaba en Khmer, idioma oficial del país, y quien sólo tangencialmente conocía esa extraña forma de rock, debido a que sus padres- músicos ambos- llegaron en calidad de refugiados y con apenas pertenencias.

Inicialmente, grabaron algunos covers del repertorio jemer para consolidar su sonido. Venus on earth es su tercer álbum, que consta ya de material original, compuesto por un sexteto conformado por Chhom Nimol (voz), Ethan Holtzman (teclados), Zac Holtzman (guitarras y voz), David Ralicke (vientos), Paul Dreux Smith (batería y percusión), Senon Gaius Williams (bajo). Además de la colaboración de Gordon "Nappy G" Clay a la percusión.

Dengue Fever no se conformaron con imitar la música de esa parte de Asia sino que también agregaron su conocimiento del surf californiano, el garage sucio, y por si fuera poco algo de spaghetti western y soul etíopep; para la banda sonora de Flores Rotas de Jim Jarmush hicieron un tratamiento del jazzista Mulatu Astatke, quien desde África realizaba una música llena de texturas y armonías poco habituales para los oídos occidentales, lo mismo que hasta la fecha interesa al grupo.

Posteriormente, también aportaron un tema suyo a la cinta La Ciudad de los Fantasmas, firmada por Matt Dillon, que terminó por darles el empujón definitivo, como complemento a su continua presencia en el circuito californiano, donde destacaban por una fuerte presencia escénica.

Para cuando Venus on earth ve la luz, a través del modesto sello M-80, las buenas reseñas y comentarios no se hacen esperar. Publicaciones de la talla de MOJO, The Times, Evening Star, Rock ‘n’ Reel, The Independent y Rough Trade los consignan como una de las bandas a seguir. Pero todo cobra otra dimensión cuando el disco es licenciado por Real World, el sello propiedad de Peter Gabriel, quien como es usual colocó una pieza en el portal de la disquera, “Tiger Phone Card”, para que los visitantes puedan remezclarla a su gusto.

En Venus en la tierra pueden escucharse los resabios de bandas sonoras de Bollywood, algunos acordes de rhythm & blues y una maraña psicodélica, que curiosamente nunca pierde su estirpe pop. Muchas plumas coinciden en que suenan como si se estuviera viendo Kill Bill en ácido y no se explican, el porqué Quentin Tarantino no los ha contactado todavía.

Incluso el nombre de la banda trae consigo una curiosa anécdota. Durante el primer viaje de Ethan a Camboya, en 1998, su acompañante contrajo tal enfermedad, por lo que tuvieron que viajar de Seam Reap a Phnom Penh, en una pickup atascada de gente, que también llevaba pollos. El chofer iba escuchando un cassette de Sin Sissamout y Rosery Sothea. El trayecto fue tan alucinante y en recuerdo del mal que afectaba a su amigo decidió bautizar a su futura banda como Dengue Fever.

La agrupación ya realizó una gira de mes y medio por aquella nación durante 2005, tanto para mostrar su propuesta como para seguir recopilando material, ya que la mayoría de los músicos que tocaban y escribían la música que los ha inspirado fueron asesinados por los Jemeres Rojos. Como documento de ello existe la serie de recopilaciones Cambodian Rocks, que cuenta con varios volúmenes.

El hecho de alternar letras en inglés y camboyano les da una personalidad especial, por ejemplo, en “Sober Driver” se mantiene una conversación telefónica en la que ella le llama a él, borracha, desde una fiesta que se acaba para que vaya a buscarla; él se queja de que le utiliza.

El exotismo oriental y psicodélico se concentran en el tema de apertura, “Seeing hands”, mientras que la canción que le sigue, “Clipped Wings”, posee un riff que en mucho recuerda a “Come as you are” de Nirvana, a la que se le incorpora un saxo cabaretero.

Venus on earth es un álbum sumamente parejo; cada una de sus 10 piezas suma algún elemento distintivo, ya sea el poco usual órgano Farfisa o una línea melódica de ensueño, como en “Moonson of perfume”. Dengue Fever consigue pasar de momentos de intimidad y delicadeza a mostrarse como una sudorosa banda garage. Lo suyo es el alto contraste, tal como transcurre la convivencia interracial en la urbe californiana, lugar desde donde ésta expresión cultural camboyana se está reconstruyendo y cobrando una nueva dimensión.

Tilly and the Wall

2009-01-05T10:41:00.000-08:00

Una bailarina de tap, un ratón y mucho optimismo invaden al universo indie.

Sabino Mendez, ex – guitarrista de Loquillo y los trogloditas, se encontró la sabiduría tras de atravesar los inframundos más obscuros –esos que aparecen en la punta de una jeringa-; así que sabe lo que habla. Vuelto hoy día periodista, en un texto titulado Tiffany´s musical nos hace ver que: “El mundo del arte es un mundo de observación. Cualquier representación que salga de él con vitalidad para atravesar los años no procede de otra cosa que del gusto por la vida. Cualquier arte nace en el momento en que vivir resulta incluso insuficiente para disfrutar la vida”.

¡Cuanta razón le asiste! Basta con dejarse llevar con la música de Tilly and the Wall para confirmarlo. Estos oriundos de Omaha, Nebraska, dilapidan un torrente vitalista en cada canción. Que importa si es pop, indie o rock cuando sus canciones, se vuelven tan elusivas como un pez al que tratamos de atrapar con las manos. Al momento de abordar de que va lo suyo nos son útiles dos palabras: desparpajo e imaginación.

Hay que tomar la creación a la ligera para que no les importe si los consideran neo-hippies o los sobrinos de The Mama´s and the Papa´s. Nada impide que este quinteto haga la música que les da la gana, ni siquiera lo hizo la falta de un baterista como tal. A la falta de un miembro había que ponerle imaginación –como a todo en la vida-; ahí estaba su buena amiga Jamie Pressnall, quien militaba en diversos grupos de baile para hacer las veces de un músico convencional auxiliada por el taconeo de sus zapatos.
Del resto se ocupan Kianna (voz), Nick (teclados), Neely (voz) y Derek (guitarra/voz), -el bajeo es compartido-, como lo han venido haciendo desde su debut en 2004 con Wild Like Children, arropados por otro músico nativo de Omaha en pleno ascenso de popularidad; nada menos que Connor Oberst, conocido mayormente como Bright Eyes, quien lo editó en su sello Team love, como también ocurrió con Bottoms of Barrels (05) y su más reciente producción, sintéticamente titulada O.
Tal parece que ese encanto naif que une a los miembros de la banda no se extingue. La chispa de lo esencial se preserva con los años a partir de que su nombre se debe a un libro para niños escrito por Leo Lionni bautizado como Tillie y el Muro; e incluye la anécdota acerca de la forma en que se conocieron, que no raya en lo fantástico ni mucho menos: cuando dos de sus elementos estaban recién llegados a Omaha no tenían televisión, por lo que un amigo los llevó a casa del resto para reunirse a ver Dawson Creek. Primero fue explicito su gusto por la serie y luego emanó su pasión por la música.
En su imaginario musical cabe de todo: cantidad ingente de pop sesentero, preferencia por las armonías vocales entre chico y chica, algunas evocaciones de americana y folk y mucho zapateo de Jamie. En su tercera producción amplían las temáticas de sus canciones, por lo que además de historias colegiales también abordan la astrología, el sexo la naturaleza y la magia.
“Pot Kettle Black” es el primer sencillo de un álbum que también ha sido fichado por el sello inglés Moshi Moshi para su difusión europea. El interés se potenció al encontrarles semejanzas con el sonido de Of Montreal y Architecture in Helsinki, por lo que han decidido mostrar en el viejo continente los haceres de estos freaks procedentes de la Norteamérica profunda, que ya habían picado piedra haciendo una gira junto a Cansei de Ser Sexy.
Gran parte del encanto de Tilly and the Wall radica en que la formación como profesores de dos de sus miembros les ha hecho conservar ese espíritu infantil: “La gente dice que para crecer has de olvidar tu niño interior; ser mayor significa comportarte con seriedad, buscar trabajo... Pero no creo que nadie esté obligado a hacer nada de eso. Ser joven de espíritu consiste en mantener tu libertad. Muchos creen que esto es infantil pero lo cierto es que los que nos abrimos y nos dejamos llevar, somos más felices”, apunta Kianna.
Lo cierto es que en O no hay ataduras, de hecho, su primer sencillo “Pot kettle back” suena garagero, como si de unos White stripes menos clavados y con voz de mujer se tratase, pero la rola funge como un despiste para el resto del disco. Su inmediata acompañante, “Cacophony” abandera todo el homenaje al pop nacido durante el verano del amor californiano; parece un himno emanado de otros tiempos. Mientras que el tema que abre, “Tall tall glass” exhibe su lado de indie-folk, pastoril y encantador.
No se encasillan en un género, prefieren deambular aquí y allá. Trasponer barreras, como el ratón que protagoniza la historia que les da nombre y que vivía junto a un muro, del que todos le dicen que no hay que preguntarse qué hay del otro lado. Tillie decide conocer la verdad y se aventura, representando a los inconformes e irreverentes. La banda comparte a fondo tal actitud: “El mensaje es: sé aventurero y no dejes que los demás te impidan mirar hacia otro lado. Lo mismo pasa en la música. La gente te dice que no innoves, que hagas lo que sabes que funciona... Pero yo quiero saber qué hay al otro lado, quiero salir, descubrir, divertirme... Así que pienso que nuestro nombre nos define mejor de lo que nosotros mismos pensamos al elegirlo. Al principio no le dimos mucha importancia; era bonito, nos gustaban las ilustraciones del cuento y necesitábamos un nombre para nuestro primer concierto... Fue algo intuitivo pero ahora veo que elegimos bien”.

Tilly and the Wall son una banda atípica en cuanto a estructura y recursos; no deja de sorprender el zapateo de la chica sobre el escenario, -que por momentos es abrigado por caja de ritmos y secuencias-; luego viene una actitud positiva –lo que ya no es frecuente en un mundo ensimismado-. O es un disco en el que el colectivo sigue dando la batalla; incluso funcionan como una familia ambulante pues dos de sus miembros están casados. Con todo, al final del día lo que quedan son las canciones: bien tocadas, sencillas y vehementes, cada una refleja un tanto el anhelo que han acuñado como banda: “Da la sensación de que todo el mundo esté cansado y haya tirado la toalla. Ante la decepción, la gente olvida su inocencia… sabemos que la vida puede ser difícil, incluso triste, pero hay que seguir adelante porque, quieras o no, el sol saldrá de nuevo”.

Un cuerpo, novela de Diego José

2008-12-31T08:41:00.000-08:00

Tras el asesinato queda el cuerpo, pero no sólo se pierde un alma; tras una muerte física se desata todo un proceso de putrefacción que también acaba con la familia, con la inocencia y con la integridad.

La segunda novela de Diego José (1973) tiene como escenario una ciudad de provincia que puede ser casi cualquiera que experimente la transición de dejar de ser un pueblo grande para convertirse en otra anodina urbe sin identidad propia, un monstruo más de la modernidad.

Con gran cercanía al esquema del clásico Fuenteovejuna, aquí se cuenta el proceso de putrefacción de una sociedad y una nación entera en que imperan la impunidad y la ley de la selva. “A quien le importa, cuando vivimos en un país en el que iniciarse en el crimen desde joven es una forma de adquirir los anticuerpos que necesitarás para subsistir a la corrupción en el mundo de los adultos”.

Lo público y lo privado se entreveran. En el seno de una familia muere la hija adolescente, la encuentra su hermano menor. El padre se devasta y la madre decide mandarlo todo al carajo. Al chiquillo protagonista sólo le queda la posibilidad de escapar, mientras observa como el entorno se colapsa.

Este poeta vuelto también narrador es uno de los talentos mexicanos que se abre espacio en el mercado editorial español. Posee una prosa tan prístina que su crónica de la violencia cómplice es tan exacta como conmovedora. “Afuera, ruido de ambulancias, el morbo escurriéndose por los colmillos de los vecinos, gente de la ciudad, prensa, chirridos de llantas, olor a caucho.”

451 Editores, 08

Las malas amistades: el amateurismo como forma de arte

2008-12-31T08:39:00.001-08:00

Suena “Cuaderno“; abre un teclado casero, y lo que sigue es una guitarra acústica que domina. La melodía parece simple, seminal, rústica. Como si fuera ejecutada por aprendices o niños. Cierra una batería electrónica de la más baja calaña, extraída de la más pura tradición charanguera.

La vanguardia sonora no sólo tiene esa cara formal y fría de la experimentación purista y académica, también puede ser desfachatada y azarosa. Se puede estar haciendo una propuesta novedosa incluso sin saberlo, sin pretenderlo. Tal espontaneidad puede surgir casi de la nada, por mero instinto, como en el arte naif, o bien puede calcularse, para mantener en el amateurismo al proyecto. Lo que no es infrecuente en el ambiente arty o intelectualoso. Se llega a dar una apariencia popular o populachera, aunque se provenga del ámbito artístico.

Todo esto puede sonar complicado, pero el hecho es que la música de los colombianos Las malas amistades es sencillísima; posee el encanto de lo improvisado, de las afortunadas ocurrencias. Se alimentan del folk y el pop, básicamente latinoamericano, pero con la actitud de quien ha sabido estudiar y analizar las corrientes de avanzada del mundo entero. Mantienen lo suyo en un low fi radical que encanta.

Desde el comienzo su formación fue atípica: una guitarra, un cuatro, tres teclados, batería electrónica, melódica y un puñado de instrumentos de percusión. Todo tocado como si en realidad no se supiera hacerlo, como si se llevara 5 minutos con el instrumento correspondiente o como si lo tocara cualquier persona que fuera pasando.

Y es que tener el valor de hacer algo así, además de conservarlo puro, tiene su mérito. La cosa más natural es que te vayas afirmando como “profesional” de la música y no te conforme sonar de esa manera, prácticamente fuera de cuadratura y afinación.

A Las malas amistades tal postura no les vino mal. Formados desde 1994 a la fecha han editado 3 álbumes y reducido sus presentaciones en directo casi al mínimo. Pero la diosa fortuna –más los tiempos que corren- hicieron viajar su material hasta alcanzar manos y oídos inesperados. ¿Quién hubiese pensado que llegaría a Damon Albarn?

La mente tras Blur y Gorillaz no se lo pensó dos veces para fichar a este combo bogotano para su sello Honest Jons, con quien debutaron con un segundo disco Jardín Interior (06) Bajo este auspicio sus composiciones han transpuesto fronteras y alcanzado estaciones aniversarias de los Estados Unidos y otras partes del mundo. No reparan en señalar haber sido la banda más radiada de una estación colegial de Carolina del Norte, durante 2005.

Patio bonito, su tercer largo, reafirma lo que la banda divulga por doquier: que lo suyo es música urbana y melódica, pero precaria y libre. A la fecha se conoce que varios de sus miembros son estudiantes de arte, por lo que no extraña su concepción de la música, que puede ser provocadora para quien no capte la intención con que ha sido creada. Cantar mal es todo un estilo.

En torno suyo han girado distintos proyectos creativos; como un concurso para que videoastas ilustraran los temas de su disco debut o su intervención en el festival de Performance de Cali, edición 2001.
Con recursos muy limitados se atreven a incursionar en la electrónica rústica, pero también en el cha-cha-cha u otros ritmos folklóricos. A este sexteto no le da miedo ni pena de nada; ellos tiran pa´lante con un desparpajo punketo, propio del que no espera nada y consigue mucho.
Todo parece improvisado; de la estructura de las canciones a las letras. Como en un juego que conoces el derrotero de los “ismos”, del surrealismo bretóniano a la incursión situacionista. Mucho han reflexionado lo suyo aunque no lo aparenten. De repente suenan como unos Aterciopelados en ácido durante sus comienzos. Sus canciones van desgranado frases sueltas, triviales, tan comúnes que a cualquiera se le podrían ocurrir.
Su caso quizá sólo sea comparable al de los Amigos invisibles en Venezuela y Los de Abajo en México, firmados inesperadamente por Luaka Bop. De no pertenecer a sello alguno a firmar en las grandes ligas. Allende la frontera colombiana apreciaron su arrojo, pero no se trata de algo aislado; sí es que se les quiere encontrar cercanías, pues hay que anotar a Javiera Mena, Juana Molina y sobre todo Gepe, procedente de Chile.
Ahora nos ofrecen 19 temas en los que desfilan los ecos de viejas cumbias colombianas pasando por Juan Gabriel y Sandro sancochados con Young Marble Giants o los Residents. Les gustan por igual Leo Dan que Sonic Youth o la bizarrez de Pram con algo de balada.
Las malas amistades no desprecian a nadie y la suya es una de las propuestas más libérrimas y despatarradas del continente. Y quien se atreva a negarlo, basta con que de Play a un disco imprevisible, carente de lógica y cuyo delirio musical se desparrama.

¿A que suena un Buen Invierno? a pérdida, soledad y desolación

2008-11-16T11:40:00.000-08:00

El estado de Wisconsin se encuentra entre la cuenca del río Mississippi y los Grandes Lagos, al norte de los Estados Unidos; tiene una región montañosa visitada en el pasado por numerosos cazadores y tramperos, gente que dada su naturaleza se hallaba más cómoda entre la flora y la fauna, y lejos de los hombres.

Hasta allí llegó un joven músico de 27 años para refugiarse en una cabaña familiar. Justin Vernon venía huyendo desde Raleigh, Carolina del Norte, donde reside y aparentemente tenía una vida organizada, pues quiso el destino que los miembros del grupo de rock en el que militó durante una década decidieron hacerlo a un lado. Y no es que Yarmond Edison gozarán de gran fama, pero si cala que tus compañeros prescindan de tus servicios y hasta cambien de nombre a la banda que fundaste (ahora se hacen llamar Megafaun).

Para colmo la vida sentimental del guitarrista también se había ido al carajo, tras el infaltable y típico truene con la pareja. Hallándose solo, con el ánimo destrozado y sin plan alguno definido, optó por refugiarse en una vieja cabaña de madera, propiedad de sus padres y ubicada a unos 150 kilómetros de Eau Claire, el lugar que le vio nacer.

Justin obtuvo tiempo suficiente para convivir de cerca con su memoria, para evocar lo vivido, pasar los tragos amargos del desamor y vomitar todo convertido en canciones, pues como compañía llevó una guitarra, un rifle (para cazar venados) y un porta-estudio de 4 tracks para grabar sus ocurrencias.

Así nació For Emma, Forever Ago un disco personalísimo y confesional en el que la mujer evocada no es el truene inmediato de Justin, sino un primer amor malogrado cuya maldición hace que todo lo posterior marche mal y de cuyo recuerdo pretendía exorcizarse.

Las canciones fueron apareciendo durante los tres o cuatro meses que permaneció en la montaña, surgían acompañando a las nevadas, pero a diferencia de estas se quedaron para siempre, por lo que bautizó su nuevo proyecto como Bon Iver, una distorsión de la frase en francés que define a un buen invierno. Lo que en principio parecía un viaje de expiación terminó por significar un renacimiento como persona y como músico.

A su regreso editó 500 copias con el resultado (9 canciones) previamente retocadas en estudio con suma prudencia y contención. El trabajo llegó a manos de la disquera independiente Jag Jaguwar y de ellos a 4AD en Inglaterra. Los responsables de ambas empresas cayeron seducidos por el influjo de un tipo que cantando casi todo el tiempo en falsete rememoraba los mejores momentos de Elliott Smith, M. Ward, Iron and Wine, Micah P. Hinson y algo del Neil Young en su faceta de leñador.

Pero lo que distingue a For Emma, for ever ago es que el tono de las composiciones no es lastimero ni pusilánime, más bien abunda en bellas imágenes bucólicas, casi impresionistas. Es evidente que tantas pérdidas eran una herida abierta, que es tratada con sinceridad y no con autocompasión. Vernon nos introduce al interior de su existencia, como quien nos deja ver en su diario; dentro encontramos grandes amores, derrotas, pero siempre un nuevo comienzo. La Emma del título es la suma de todas las mujeres con quienes se ha involucrado.

Una novena de canciones que funcionan casi como minicantos gregorianos llenos de calidez. “Flume”, “Lump sum” y "Skinny love” conforman una triada contundente e inspirada que sin duda refleja la naturaleza del álbum: “Lo que quiero hacer con mi música es que tenga su propio linaje y cuente una historia a través de toda mi vida, para compartir mi perspectiva y mi contexto emocional con los demás”, revelaba al periodista español Miquel Botella.

Así el debut de Bon Iver -en un año de grandes noveles- se distingue por su tono abrigador, que sirve de refugio para todo aquel que sufre, y cuya calidad le garantiza no ser un disco pasajero, más bien se irá apreciando con el tiempo, mientras se erige ya como uno de los trabajos más intensos y bellos de lo que va de año.

Vernon supo sacarle a los montes de Wisconsin, lo que Bob Dylan a los de Minnesota y que luego plasmó en Time Out of Mind (97). Justin trabajó a fondo con su voz y dotó a las canciones de sentimientos reales, con lo que obtuvo una purga para el alma que dura 37 minutos y 15 segundos.

Un disco de este tamaño parece un reto difícil de superar, pero al creador de Bon Iver no parece preocuparle, como explicó a la revista Uncut: “Lo cierto es que no me intimida la idea de un segundo álbum después de éste. El gran logro para mí en For Emma, Forever Ago fue el de haber aprendido a cavar. Yo siempre había compuesto con la mentalidad de un buscador y un discípulo, pero aquí alcancé el punto exacto, el Modo, con M mayúscula, para comprender cómo escribir y cómo exhumar cosas de mi psique. Ahora que he llegado hasta aquí, sólo tengo que preocuparme de recrear algo. Así es que, a propósito, todavía no tengo nada escrito para el próximo disco, porque prefiero sentarme y hacerlo todo de un tirón, así las canciones crecerán a partir de un único contexto. No creo que vaya a sonar parecido a lo que ya hice y me parece que eso es bueno”.

Mientras tanto sus canciones ya suenan en series tan influyentes como Gray’s Anatomy y Dr. House y ha sido invitado para componer una banda sonora. A fin de cuentas, cuando alguien canta con verdad puede convencer al mundo entero de que la perdida es un nuevo comienzo, así sea con las manos vacías y en completa soledad.

El cabaret fantástico de Lonely Drifter Karen

2008-11-08T08:41:00.000-08:00

No es del dominio del gran público que el verdadero nombre de Lewis Carroll, autor de Alicia en el país de las maravillas, es Charles Lutwidge Dodgson y que además de llevar una vida como sacerdote anglicano, no sólo se dedicó a la literatura sino a la fotografía, disciplina en la que volcó su búsqueda de la belleza, expresada en importantes y largas series de retratos realizados a niñas. Algunas tomas fueron en traje de baño y otras semidesnudos, que ofendieron a la moral victoriana de la época.
Carroll, nacido en Daresbury, Cheshire, en 1832, generó con su trabajo tras de la lente ciertas sospechas de pederastia, además de que no faltó quien afirmará que consumía láudano, un analgésico que procede del opio y de uso común en aquellos años, o algún otro estupefaciente, que le permitieron concebir el mundo alucinado y psicodélico plasmado en su obra más célebre.
El caso es subrayar que en ocasiones las cosas aparentemente cándidas poseen también un lado oscuro que las dota de un encanto perverso. Es como si descubriéramos a Mary Poppins y Bert -el deshollinador- durante una sesión de sadomasoquismo o los personajes del Mago de OZ fumando marihuana.
Tal es el efecto que me produce la escucha repetida de Grass Is Singing, la ópera prima en formato largo de Tanja Frinta (Innsbruck, 1979), conocida por el mundo como Lonely Drifter Karen, y que aglutina en su propuesta un barroquismo que enriquece y torna delirante a lo que puede entenderse como pop en un amplio sentido.
Austriaca de nacimiento y nómada por convicción, ha retomado el sentido teatral de los musicales vieneses, la herencia del germano Kart Weill y la vasta y sinuosa tradición de la canción francesa para macerar su debut discográfico en formato largo, concebido en compañía de Giorgio Menossi (79), un baterista de origen italiano, y Marc Meliá (80), un pianista nativo de la isla de Mallorca, España.
Los trece temas, que mucho tienen de folk mediterráneo, parten de las afluentes creativas de Frinta: "Me atrae la idea del sueño. Sin orden, con caos, como son los sueños". El disco surge de las alternadas residencias entre Gotemburgo, Viena y Barcelona. Por lo que tiene un lado que no abandona la melancolía y otra cara mucho más luminosa; ambas llenas de elementos fantásticos. Tal como la naturaleza de los relatos infantiles.

La vagabunda y solitaria Karen tomó su nombre de batalla de uno de los personajes de Los idiotas, una cinta del maestro del dogma Lars Von Trier, y volcó todo su talento como cantante y guitarrista para conciliar su amor por el cabaret alemán con la vena de fan de Jacques Brel de Melià, productor y ex miembro de El Diablo en el Ojo y mitad del dúo El Piano Ardiendo.
Las piezas tienen un notable aire cinematográfico, cuyas imágenes, florales y arborescentes, se cuelgan de melodías sugerentes y arreglos sinuosos. Cuando le preguntan acerca de los filmes en específico en los que basan su música, es Meliá quien responde: "Ninguno en concreto. Nos interesa la música como generadora de imágenes; eso es lo que hacemos, pero si he de mencionar una referencia concreta, serían las composiciones de Nino Rota para Fellini. Y Tanja completa: "Hace tiempo, me di cuenta de que, cuando las oía, me imaginaba a mí misma cantando en esas piezas instrumentales".
El camino discográfico de Loney Drifter Karen comenzó en 2003 con el extended Sinsweetime, publicado con el sello vienés Fettkakao, en el que todos los instrumentos fueron interpretados por ella misma. Después vino la correspondiente gira, que la llevó por Alemania, Suecia, Noruega, Polonia, España e Italia, donde durante 2006 conoció a Giorgio, nativo de Verona.
Acerca de la elección de la perla del mediterráneo para grabar Grass is singing, editado por el sello belga Crammed Discs, Tanja precisa: "Me encanta la ciudad; es un lugar en el que pasan muchas cosas, y aún se conservan la cultura y la música popular, al igual que en Francia e Italia. En Austria o Alemania, en cambio, casi han desaparecido".
A esta fantasía cabaretera que narra un torcido cuento de hadas no le faltan las canciones memorables, Ahí están “This World Is Crazy”, “Carousel Horses”, “Climb” y “No True Woman” que constatan las intenciones vertidas por la cantante a través de su MySpace, en el que afirma que el mejor momento para cantar es cuando va en bicicleta, paseando.
La prensa europea ha dicho que se muestra como un Tom Waits que cambiara el motel por un tupido bosque. Lonely Drifter Karen nos entrega un primer álbum propicio para cualquier tipo de viaje; una grabación llena de detalles, filigranas y matices. Su elegancia traspone sus orígenes clásicos o jazzeros; sólo el pop sabe ser tan maleable y expansivo, y esconder detrás de una apariencia dulce y tranquila la esencia obscura de las cosas.

Maldito Tango de Daniel Melingo

2008-11-08T08:39:00.000-08:00

Maldito Tango de Daniel Melingo
El futuro se encuentra en la raíz

En muchas ocasiones el nombre es destino y esta es una de ellas. Basta con repasar la letra escrita por el poeta Luis Roldán en 1916: “Maldito tango que envenena con su dulzura cuando suena, maldito tango que me llena de tan acerba hiel. Él fue la causa de mi ruina, maldito tango que fascina”.

De allí provino el nombre de un disco que traza un vínculo entre los poetas malditos franceses y los argentinos, de Baudelaire a los poetas lunfardos, ya que esta expresión callejera del habla es el idioma literario del género. Maldito Tango (Mañana-Naive, 08) representa también un paso adelante en la trayectoria de quien fuera uno de los protagonistas del rock argentino, antes de pasar al ámbito folklórico: Daniel Melingo.

Miembro en los ochenta de bandas legendarias como Los Twist y Los Abuelos de la Nada, una década después partió a España, donde creó Lions in Love, una agrupación experimental adelantada a su tiempo. En 1998 y de regreso en Argentina, editó el primer disco de una saga que lo reconciliaba con sus orígenes: Tangos bajos (1998). Como músico porteño, Melingo buscó apropiarse de un género que le corría en la sangre por herencia: "En mi familia todos eran tangueros de Parque Patricios, milongueros del cuarenta y además tenía dos tíos letristas de la Academia del Lunfardo, gente del tango”.

El cuarto disco de esta dinastía ve la luz a través de Mañana, un sello propiedad de Eduardo Makaroff de Gotan Project, y en el que curiosamente no han aparecido fusiones de vanguardia sino interpretaciones más apegadas a la tradición. Maldito tango tiene como núcleo central las añejas composiciones de poetas como Carlos de la Púa, Dante A. Linyera, Enrique Cadícamo y Celedonio Flores. Se eligieron textos que no tuvieran música para adaptarlos a nuevos arreglos, que aunque su estructura se apegara a la historia pudiera incorporar instrumentos poco frecuentados, como el trombón, la sierra con arco, vibráfono y clarinete.

Como parte del proceso creativo se desprende la obsesión de alejarse de los lugares comunes y los clichés, como lo es la imagen recurrente del cornudo llorón; en su lugar ha optado por retomar temáticas que en su tiempo fueron censuradas: "Siempre me gustaron los poetas malditos del tango, los renegados, que hablan de las drogas, la mala vida, los asesinatos, la prostitución, la homosexualidad, todos temas prohibidos para el tango. Lo que buscamos es hablar de otras cosas en las que el tango no se mete, porque casi siempre se habla del desengaño amoroso".

Su interpretación tiene como trasfondo la figura mítica de "El Polaco" Roberto Goyeneche, con quien le hermana el registro vocal, una voz rasposa que sirve de sustrato ideal para cronicar historias canallas y orilleras, repletas de seres de marginales, perdedores, viciosos y pendencieros.

Formado en el Conservatorio con Alberto Ginastera, entre otros, y habiendo tocado un tiempo con Charly García, construyó en torno suyo una leyenda negra, debida a los excesos, por lo que sorprendió a propios y extraños cuando incursionó en el formato del tango-canción.

Hoy día, con una cincuentena de años a cuestas, ha redireccionado su carrera apoyado en el tango de raíz, el más primitivo, el que conduce hasta África. Según entiende la esencia de la música: “Para poder experimentar, primero hay que ir a la fuente y a la raíz de cada estilo, ya sea en el tango, el blues o el rock. Para mí, fue importante aprender las técnicas básicas del tango para después poder fusionarlas, componer y arreglarlas en este estilo. Pero los porteños somos un mosaico de cultural. No podemos mentir, porque no existe el purismo”.

Entre su discografía tanguera también se encuentran Ufa (2003) y Santa Milonga (2004), en los que prosigue en su afán de revitalizar al género, por lo que discrepa de aquellos que desean mantenerlo inalterable y explotar su veta de turismo folklórico; en sentido contrario intenta retomar su versión más antigua, lo que no obsta para que se olvide de sus amigos del mundo del rock; en Maldito Tango colaboran Andrés Calamaro y Vicentino (Fabulosos Cadillacs), entre otros.

Nominado a los Premios Goya (los Oscares españoles) en la categoría de mejor canción original por su tema "Pequeño paria", incluido en la película El niño de barro de Jorge Algora, goza a plenitud de su libertad creativa: "Hoy por hoy, puedo hacer una canción de rock o hacer un tango canción. No le hago asco a nada, porque el tango y el rock son una excusa para hacer música… también doy señales de que puedo ir a otros lados y que no soy un radical del tango”.
Daniel Melingo ha aprovechado las enseñanzas de su gran amigo Luis Alposta, quien a sus 70 años es el presidente de la Academia Porteña del Lunfardo y discípulo directo de Cadícamo, con quien desarrolló algunos de los temas, como en el caso de “En un bondi color humo”, que narra la historia de un ladronzuelo que es pillado in fraganti a bordo de un autobús, o "Cuando la tarde se inclina", una metáfora sobre el atardecer en un barrio cualquiera de Buenos Aires; descriptiva y costumbrista.

Se trata de una concepción del tango que no está aislada; de hecho, Carlos Cáceres, otro compositor de gran nivel y autor de Utopía, publicado por el mismo sello, avala esta postura: “La parte más oculta de esta música ha sido silenciada. Y desde el punto de vista ético y etnológico musical, es muy importante para nosotros, argentinos comprometidos con una visión ética y política, reapropiarnos de nuestra identidad, rescatar lo que es negado”.

Tanto Cáceres como Melingo son artistas que sostienen que el tango es algo más importante que esa visión estereotipada del bailarín mundano y engominado. Sostienen su importancia como la música de los desposeídos, de los inmigrantes, de los negros, de lo que eran Argentina y Uruguay a finales del siglo XIX.

La Orquesta Nacional de Barbes: música ancestral africana con actitud rocker

2008-11-01T12:08:00.000-07:00

Barbès es un barrio de París, situado a los pies de la iglesia del Sagrado Corazón, sus calles están llenas de restaurantes de cus-cus y bares cargados del humo que sale de las hookas; es un pedacito de África inserto en las entrañas de Francia. En sus cafés y salones el tiempo transcurre lento entre partidas de dominó y música que llega vía satélite desde diversas latitudes del llamado continente negro. Allí las nacionalidades se difuminan y los conflictos se dejan de lado, propiciando la convivencia pacífica.

En sus alrededores se asientan desde hace 50 años aquellos africanos que han intentado “la aventura francesa”, en pos de mejores condiciones de vida. En ese entorno se reunieron músicos de diversos países para conformar una agrupación musical que fuera insignia de la multiculturalidad del barrio, de su tolerancia práctica y que mostrara al resto del mundo el gran acervo rítmico ancestral africano desde una óptica contemporánea.

Animados por el bajista Youcef Boukella, se reunieron el percusionista, cantante y animador Kamel Tenfiche; el tecladista marroquí Taoufik Mimouni, el vocalista Mehdi Askeur; Fateh Benlala con su mandolina y canto chaâbie y kabile; Fathellah Ghoggal en la guitarra, más una base rítmica compuesta por Ahmed Bensilhoum, un gran percusionista en todos sentidos, y Michel Petra, baterista sin límites.

La Orquesta Nacional de Barbès comenzó su historia en 1995, repasando la riqueza sonora de África, desde el norte –el Magreb- hasta las tierras que empiezan a partir del desierto del Sahara, siendo la voz de un conglomerado humano que según su fundador: “es una encrucijada donde se rompen las fronteras. En la orquesta no somos ni kabiles, ni argelinos ni marroquíes, somos personas”.

De Barbès (97), su disco debut -que tenía un sonido más jazz a lo Bradford Marsalis-, vendieron más de 100 mil copias y no pararon de fusionar raï, reggae, y gnawa por doquier hasta que en el 2002 decidieron entrar en un impasse. Poco se sabía del futuro de esta enorme banda compuesta por solventes músicos procedentes de Argelia, Marruecos y de varias ciudades y suburbios de Francia.

La Orchestre National de Barbès está de nuevo en la calle con una grabación que sucede a Poulina (99). Alik (Soudani-Karonte, 08) es el título de su tercera producción, cuyo nombre cuando menos conlleva dos interpretaciones; la primera señala que proviene de un término raï que significa pensar. Y la otra consigna que su correcta traducción es atención.
Tras alguna esporádica presentación en el 2006 (en el Etnival) siete de los diez componentes originales se juntaron para hacer su disco más rockero y rabioso a la fecha y de obligada conexión con Rachid Taha, Mano Negra y Les Negreses Vertes. Basta decir que una de sus piezas fundamentales es una versión de “Sympathy For The Devil” de los Rolling Stones, en lo que no es una apropiación gratuita sino más bien un intercambio, pues la banda de Mick Jagger hace años incluía en sus conciertos “Alaoui”, original del combo galo, que por su parte cerraba su directos con ese inmenso himno compuesto por los ingleses. Un cover que inevitablemente nos hace rememorar el excelso “Rock el Kasbah”, la adaptación de Rachid Taha a The Clash.

La parte tradicional del álbum se sustenta en el homenaje a tres compositores argelinos; Mohamed Larbi, también conocido como Cheikh el Mamachi, un gran poeta y cantante beduino, del que ejecutan “Civilise” en clave raï-rock; Slimane Azem, un disidente kabile, autor de “Residence”, un canto sobre la inmigración actual que tiene como base una mezcla de zouk y rumba congoleña; y Mohamed Mazouni, un inmigrante incomodo de los años sesenta y compositor de “La rose”, que aparece primero a ritmo a vals y después en una de las atrevidas fusiones típicas de las Orquesta.

Su carácter desenfadado y arrabalero, así como su actitud combativa los hacen ver como una expresión que conjuga con especial maestría los códigos de las culturas autóctonas con los del rocanrol más visceral.

Bien ha valido la pena esperar casi nueve años para una tercera entrega, que los mantiene apegados a sus ideales de origen: "Estamos aquí para tocar y hacer disfrutar a varios países, a varias culturas. La música provoca placer y el placer dulcifica las amarguras de la vida, aunque no las cure. Lo que no impide que haya que cantar: ¡hermano, cantemos!”. Tal ideología es vertida durante sus presentaciones recientes, entre las que se cuentan los Festivales La Mar de Músicas y Pirineos Sur, ambos en España.

Alik es un trabajo vigoroso y vasto, en el que también hay música de la tradición gnawa (“Khalti Hlima”) o fiestera total en “Wawa” y “Madame”, en las que Kamel luce sus amplias posibilidades y recursos vocales. Es una puntual bitácora sonora de un barrio que no pide pasaporte, donde sus ciudadanos se erigen como miembros de una nación imaginaria verdaderamente interesada en aquel viejo lema: Libertad, Igualdad y Fraternidad.

Polka Madre: Punk gitano (y mexicano) por las calles del mundo

2008-11-01T11:55:00.000-07:00

Nota: versión completa de la entrevista publicada en la revista Marvin 65 (octubre)

Existen bandas ajenas a cualquier escena; reacias a echar raíces en alguna parte, que vagan errabundas esparciendo su arte. Tal es el caso de Polka Madre, un combo en que militan finlandeses, gringos y mexicanos. Toda una rara avis del rock nacional que tiene, acorde con su naturaleza, una historia bizarra a cuestas. Hay ocasiones en no conviene explicar demasiado las cosas, más vale dejar hablar a los protagonistas.

Conversamos con Marina de Ita, mexicana encargada del Acordeón, y Eric, finlandés-norteamericano, a punto de embarcarse en una gira que los llevará desde Arizona a la alta California y de ahí a Portland, uno de los centros neurálgicos de la música actual. Como se verá más adelante hablan sin cortapisa alguna y se dan tiempo para no dejar títere con cabeza, algo que se agradece en estos tiempos de tanta hipocresía políticamente correcta.

Polka madre tiene una historia un tanto curiosa, ¿podrían hacer un recuento?

Eric.- Llegué a México después de la universidad para estudiar español. Conocí enseguida a Marina y comenzamos una banda tocando música judía. Compré a 330 pesos una guitarra que sonaba jodidamente mal. Entonces encontramos a Enrique Pérez, un tipo que se ganaba la vida tocando el clarinete en la plaza de Coyoacán por algunos pesos que le daban los ‘fresas’ que estaban tomando café. Y resultó un genio. Pasaba sus días improvisando en las calles y puede tocar cualquier cosa. Lo introdujimos en la música judía y el clarinete, obviamente, es el instrumento perfecto para tal música. Más adelante cambiamos a muchos bateristas y bajistas hasta que retornamos a Pórtland. Allí encontré a Andrew Cameron, y sabía que el era la única persona lo suficientemente loca para dejar su casa, familia, amigos e irse a vivir a México. El hizo la música más rápida y pesada con su bajo.

Marina.- Además de editora y correctora de estilo, yo era maestra de español para extranjeros ocasionalmente; oficio que aprendí cuando vivía en Oaxaca. Un día me habló una amiga para decirme que había un gringo- finlandés que venía un mes a México y quería aprender español. “Puedes sacarle unos dolaritos…”. Ese gringuito era Eric. Cuando nos conocimos, en vez de darle una clase formal de español, empezamos a hablar de música. Le conté que había retomado el piano dos años antes y que estaba componiendo melodías que tenían un aire judío, húngaro, sin habérmelo propuesto; era algo natural, acorde con mi personalidad, algo confusa, triste, pero un tanto valemadres y fiestera también. En cuanto empezamos a tocar juntos supimos que estaba naciendo algo importante (los dos éramos escritores incipientes no satisfechos; el resultado de ese experimento musical nos dejó más contentos que nuestros intentos de cuentos o novela).

También debo reconocer la influencia de Las Comadrejas, banda de amigos míos, a los que admiraba mucho, y que estaban tocando polkas, covers de Kusturica, boleros vueltos polkas punks. Antes de escucharlos, ya estaba experimentando en esa dirección, pero fue cuando Eric y yo los vimos en vivo que supimos que debíamos atrevernos a formar una banda y tomarlo en serio. Verlos fue un empujón; ellos ya eran muy buenos ejecutantes. Ninguno de nosotros dos había tocado en una banda y con ellos vimos que era posible hacerlo a cualquier edad –no éramos ya tan chavitos cuando empezamos-, teniendo cualquier otra profesión.

Pero hay otra historia que ahora he decidido contar; es que inconscientemente estaba esperando algo que cambiara mi vida aburrida y me diera fama, dinero, viajes, amores y drogas. Y Casa Kramer, mi hogar, era el lugar perfecto para que eso sucediera. Situada en el centro de la colonia Atlántida, en Coyoacán, barrio diseñado en forma de triángulo por un esotérico, Miguel Kramer, esta casa, a la que nos trajo el terremoto del 85 –nuestra cuadra en la Narvarte había quedado prácticamente destruida- había atraído a músicos y artistas desde que mi hermana, Laura de Ita, empezó a hacer fiestas universitarias que poco a poco se volvieron masivas. Luego seguí haciéndolas yo, trayendo bandas, djs, escritores, pintores… Así que en cuanto se formó la banda nosotros podíamos tocar sin que nadie nos pudiera bajar. Debo admitir que al principio tocábamos muy mal. Un amigo escritor me dijo recientemente que antes dábamos pena ajena, pero era mi casa y nadie se atrevía a decirlo. Pero algunos músicos profesionales, jazzistas, músicos de conservatorio, nos animaban diciendo que aunque no ejecutáramos muy bien, nuestra música era algo muy diferente, que aunque remitía a la música balcánica era algo realmente original… Entonces decidimos estudiar música, algo de armonía y ejecución.

Ahora también puedo contar que cuando nos conocimos, Eric y yo nos enamoramos, así que estábamos muy emocionados por tener a un compañero con quien además había un proyecto que parecía tener futuro… pero la relación no duró mucho tiempo, así que Polka Madre es el hijo de una pareja de divorciados que se volvieron grandes amigos.

Pero lo más importante fue que nos encontramos cinco vagos, dispuestos a dejar todo por la música, y muy necios, por cierto. En varias ciudades, como México, Portland, Nueva York, Helsinki, Paris, nos han dicho que nos quedemos más tiempo, que nos conectemos con disqueras, managers, clubs, pero ya no podemos estar más de un mes en un lugar, somos adictos al viaje, a los shows, a la fiesta, así que no hacemos mucho caso y agarramos camino a donde nos ofrezcan tocadas.

Polka Madre, más que una banda, es una familia, y un estilo de vida.

En este momento parece ser que la música de los balcanes despierta gran interés y no sólo por pensar en nombres como Emir Kusturica o Goran Bregovic sino en Beirut, The Hawk and the Hackshaw, Devotchka o Shantel, ¿a qué creen que se deba?

Eric:
Devotchka es una de mis inspiraciones. ¿Has escuchado su canción titulada algo así como “Mi vida sin ti”? La simple repetición de un riff en la escala armónica menor es hipnótica, me hace sentir como si estuviera montando sobre un caballo en un bosque eslavo, hambriento, y listo para ir casa. Es a partir de su segundo álbum que he hecho una canción con Polka Madre, con la idea general de que el ritmo y la repetición de una frase es muy importante.

Pienso que la gipsy-music es un capricho que es como cualquier otro, y pasará dentro de un par de años. En Nueva York, por ejemplo, el gipsy-punk es muy popular. Eso significa, como regla, que será muy popular en Londres, Paris, Estocolmo, Barcelona y así irá hasta hacerse popular en Fargo, Dakota del Norte. Es entonces cuando se vuelve aburrido y sobre explotado.

Estudié literatura inglesa en Londres. Nuestra Universidad fue famosa por el diseño de modas. Pienso que esos estudiantes fashion usaban ropas horribles. Algunos años más tarde, sin embargo, noté que ellos habían diseñado la moda del futuro, usando la ropa kitsch de los 80. Lo que siento es que fue muy feo volverse hermoso.

Una de mis amigas diseñadores de moda decía: “El siguiente verano ‘la moda insufrible’ (suffering fashion) estará en todos los anuncios”. En efecto, la siguiente temporada observé que ella tenía razón, que todo eso fue todo un gran plan, un movimiento diseñado por los editores de revistas de moda.

Marina: No te podría dar una explicación de experto, no he estudiado la historia de la compleja región de los Balcanes ni de su música, tan llena de influencias de diversas culturas, italiana, rumana, búlgara, griega… por su ubicación geográfica y su proceso histórico, pero como ejecutante y escucha sólo puedo decir que esa música es realmente pegajosa, poderosa, tan festiva por momentos, pero tan trágica a la vez. Es un tipo de música que se toca con mucho orgullo. Sabes que en el momento de tocar vas a conmover de una manera casi peligrosa a quien escucha. Invitas al público a bailar de manera frenética y a celebrar la vida sin ningún pudor, pero también lo vas a lanzar a zonas de dolor, recuerdos, reflexiones sobre la muerte, la pérdida, o sobre uno mismo. Claro que eso sucede con otros géneros y otras expresiones artísticas, pero la naturaleza misma de los instrumentos característicos de la música balcánica como el acordeón o los metales, y las escalas que se utilizan comúnmente, como la húngara o la armónica menor, pueden hacer que el rostro del más insensible empiece a llenarse de lágrimas y a contraerse de dolor y sentimientos confusos.

Como casi todos los movimientos migratorios, resultantes en su mayoría de guerras y situaciones penosas, la llegada de algunos serbios o ucranianos a ciudades que dictan el rumbo de la moda en todos los ámbitos ha favorecido y transformado la escena musical. Se dice que fue en Berlín donde empezaron a instaurarse las fiestas balcánicas, gracias al dj serbio Roberto Soko, que al poco tiempo de haber emigrado tuvo la suerte de contactarse con clubs importantes en donde hizo resonar esa música que traía de su tierra. En Nueva York, Eugene Hutz, vocalista de Gogoll Bordello, y Joro Boro se consideran pioneros en el movimiento. Y en ciudades como Ámsterdam, Bruselas o Paris existen también bandas y djs importantes, sólo que en México no nos enteramos sino de lo que pasa en Estados Unidos.

Algunos de estos proyectos ni siquiera proceden de Europa, sino de lugares distantes, ¿cuál es tu sentimiento acerca de ese espíritu nómada?

Eric: Polka Madre toca esta música porque así es su vida. Si gastas largos meses viajando y durmiendo en suelos sucios de casas sucias, entiendes, -poco a poco- que tocando música te ganas un momento de libertad. Los cinco de nosotros vamos en una van, manejando largas distancias con poco dinero, cansados y hambrientos, ya sea en Europa, EU o México.

Nos gusta viajar. Si le chingas, puedes empezar de nuevo al día siguiente. Cada día el show se vuelve mejor. Somos albañiles de la música, y tratamos de tocar cada día si podemos. Y en el inter bebemos cerveza, vodka, agua con MDMA (de Holanda) y hacemos muchos amigos.

Marina: A nuestra generación le ha tocado viajar de manera mucho más fácil, sobre todo, obviamente, a los jóvenes de países ricos como EU o europeos. Ahora se puede ver a cualquier chavo clasemediero deambulando en Estambul o en ciudades en donde en las esquinas hay gitanos tocando acordeones y clarinetes con orgullosa tristeza. Algunos turistas que regresarán a sus casas y trabajos estables lanzan monedas a estos músicos errantes como aplauso por soportar la difícil vida del gitano, pero si eres músico o alguien más o menos sensible te ves arrastrado inmediatamente a ese tipo de vida, aunque hayas crecido en un contexto estable.

Es fácil volverte viajero una vez que te das cuenta de que cruzando carreteras y ciudades puedes enfrentar situaciones que sólo podías vivir de manera indirecta a través de la literatura o el cine. Está claro que es más emocionante sentarte en una esquina de Ámsterdam a escuchar a unos rumanos tocar, o a tomar y hablar con ellos hasta que llega la policía y separa a la familia, como sucedió una vez, o en una plaza de Hamburgo, donde también cuando acabaron de tocar los músicos llegó una prostituta algo vieja y borracha que era la esposa de todo el grupo, como cinco hombres, que leer que lo hace un personaje en un cuento.

Yo era fan de la poeta argentina Alejandra Pizarnik y siempre recordaba una nota en sus diarios que decía algo como: “preferiría estar cantando blues en un pequeño bar lleno de humo que estar escarbando en el lenguaje como una loca”. A veces cuando estoy tocando en alguna ciudad lejana, en un bar lleno de humo de haschis, como uno en Lieja, Bélgica, la recuerdo y con cierta arrogancia me siento bendecida por estar ahí y no en mi cuarto tratando de escribir una línea.

Por otro lado, nosotros tenemos la influencia de los punks desde que Andrew, el bajista gringo llegó a la banda. La mitad de los shows que hemos dado en Estados Unidos ha sido en casas o bares manejados por punks, y la mayoría de la gente que conocemos son viajeros incansables, siempre saltando trenes, viajando de aventón, acampando de casa en casa, gorroneando muchas veces lo que pueden ofrecerles los sedentarios que sí trabajan… pero lo curioso y contradictorio es que vas a casa de sus padres y te encuentras con que viven en suburbios con muchas comodidades y hasta lujos.

Y bueno, para concluir, aunque me dé pena decirlo, por ser un cliché, y porque le podría restar mérito a la vida gitana que algunos músicos hemos adoptado, debo admitir que Internet, con myspace, craigslist, last fm, etc… son de muchísima ayuda para estas nuevas bandas. Ahora puedes planear un tour con Myspace contactándote con foros o bandas de países a los que parecía imposible acercarse.

¿Cómo se dio la grabación del disco (Casa Dónde, Intolerancia, 08) y como se conformó el repertorio?

Eric: Nosotros hemos tocado algunas canciones por años. Otras las aprendimos en giras, de extraños que conocíamos en pequeñas plazas o lugares. Este es el primer álbum y la culminación de todo lo que hemos realizado antes. Marina y yo (cuando éramos pareja) usualmente nos sentábamos en casa y trabajábamos juntos por horas. Ahora que no lo somos, las canciones son más un asunto personal. Tengo mis canciones, otras que quizá sean embarazosas, mientras que Marina tiene las suyas a las que les falta, -en mi opinión- mi tacto, mi toque, jajaja. Pero nos volvimos más profesionales. Siento que componer música y letras es el honor más grande de estar en una banda.

Marina: Debo agregar que el proceso de este disco fue muy doloroso. Conocimos a los personajes del estudio Kriminal Records gracias al que era entonces manager de Joe Volume, y nos prometieron un gran disco con poco presupuesto que estaría listo en un mes, pues lo necesitábamos urgentemente para una gira que teníamos planeada en Europa.

Grabamos en una sola semana a principios de mayo de 2007, con algunas dificultades como que por tener muchas tocadas estábamos crudos y algo dispersos todo el tiempo. Y a mí me habían invitado a tocar en el Vive Latino mis amigos de La Tremenda Korte unas canciones y me la pasé ensayando con ellos, así que hacía primeras tomas y me iba… Y teníamos las primeras tocadas en Finlandia en julio.

El proceso de mezcla y masterización fue muy tardado, teníamos las fechas encima y no quedaba y no quedaba. Nuestra instrumentación no es común para ingenieros que han trabajado con bandas de rock. Así que nos tuvimos que ir sin disco, con una primera mezcla no muy buena, con una portada provisional que dejaba mucho que desear. Estuvimos vendiendo por toda Europa discos quemados. En cada ciudad preguntábamos precios de maquila y hablábamos con artistas o diseñadores sobre la posible portada, siempre pensando que en cualquier momento nos mandarían los archivos vía Internet, pero el disco no llegaba. Regresamos a México y nada, el disco no estaba listo todavía. Se nos reclamó que nos hubiéramos ido sin estar en el proceso, peleamos con los ingenieros, que ahora son muy amigos, y se acordó que buscarían ayuda de alguien con más experiencia en mezcla y masterización. Entonces se metió en esto Luis Ernesto Novelo, miembro de la Gusana Ciega, que tiene un oído muy fino, personaje sensible y disciplinado, practicante de yoga, y tiene un estudio impecable en Desierto de los Leones; sin cobrar un solo peso metió mano y dejó algo que nos tiene muy contentos y que ha gustado mucho.

Sobre el repertorio, hay canciones de Eric, Andrew, Enrique y mías. Raymundo, el baterista, no ha compuesto canciones completas pero siempre aporta ideas. Cada quien añade su sello personal a las canciones de los otros.

¿Cómo sienten el panorama musical mexicano?, ¿encuentran un sitio para la banda?

Eric: El rock mexicano apesta. Odio especialmente a los Fancy Free y Zoe. Si tuviera que asesinar a alguien sería a esas bandas exactamente. Los Dynamite y otros por el estilo que están surgiendo son igualmente horribles. Es embarazoso estar en México y tener bandas como esas en la radio.

Sin embargo, me gustan Los Relámpagos del Norte, Los Tigres del Norte, Los Alegres del Terán y todas las variantes del son jarocho. México tiene demasiada buena música y es especial, porque está lleno de música -en peseros, en las calles, en ventanas abiertas y en cantinas-. Odio el rock mexicano porque si quieres buen rock mejor ve a NY o a Londres. Pero la música mexicana es hermosa. Las únicas otras buenas bandas son Café Tacuba y Joe Volume y los Vincent Black Shadows.

Marina: No voy a ser tan directa como Eric, pero sí puedo decir que no hay sitio para nosotros en la escena musical de México. Muchas veces nos ofrecen lugares en que nosotros tenemos que armar el cartel y no sabemos a quién invitar, así que acabamos tocando solos y se nos llega a reclamar que no incluyamos a nadie más. También se nos ha llamado malinchistas algunas veces, pero qué le voy a hacer, tal vez por algo me llamo Marina, como llamaron los españoles a la Malinche.

En Cd. Juárez existe la banda de nuestros amigos de La Caravana, aunque es música más gitana, con un toque más latin, con percusiones, suena más a world music… Nabuzenko también es una banda amiga, pero su música es mucho más apegada a la música tradicional balcánica; el fundador estuvo viviendo en esa zona y aprendiendo de los maestros nativos… Pero en cuanto al movimiento balcánico, los dj’s Gadgio, Ruth Selecta y Peach Melba (Jesús Pacheco) se han encargado de incluirnos en fiestas, festivales y de hablar de nosotros en medios recientemente.

Con quienes hemos tocado varias veces y consideramos que tienen la misma energía es con Joe Volume y los Black Vincent Shadows. Su música es muy diferente, es estricto rock and roll, de a de veras, con huevos, con actitud. Son odiados por mucha gente por su actitud, que podría parecer de chavitos prepotentes, por hacer público que usan drogas, por provenir de familias con dinero. Pero musicalmente hablando están muy por encima de la mayoría de bandas en México.

También soy fan de Café Tacuba, pero no se han dado cuenta de que existimos. En México no se nos ha hecho ningún caso en el mainstream. Y no es que no lo buscáramos, pues quién no quiere ganar más dinero de la música. Al principio sí íbamos a las estaciones a dejar nuestros demos pero a nadie le interesó nuestra propuesta, pero así son las cosas. Volviendo a un cliché, nos tocó vivir en carne propia aquello de que nadie es profeta en su tierra.

Polka Madre son:
Eric Bergman: voz y guitarra
Marina de Ita: acordeón y teclados
Enrique Pérez: clarinete
Andrew Cameron: bajo
Raymundo Vera: batería

Pascal Comelade, el genio de la música de juguete

2008-11-01T11:28:00.000-07:00

A través de los años, Pascal Comelade se ha construido a pulso una reputación inapelable como músico excéntrico y genial manipulador de juguetes y objetos diversos. Su carrera ha estado inspirada por un fino sentido del humor; de entrada dejó correr el rumor de que su lugar de nacimiento era un lugar llamado Sant Feliu de les Forxetes, un pueblo que no existe.

De padre psiquiatra y madre autora de libros de cocina medieval, nació en Montpellier, en el año de 1955. En aquella ciudad de los Pirineos Orientales, creció rodeado de constantes visitas de músicos del lado sur de la frontera, por lo que optó por definirse como un catalán del norte y para fortalecer sus raíces -imaginarias hasta entonces- durante la década de los setenta se trasladó a la ciudad condal, donde se dejó absorber por la bohemia. Vivió en casa del cantautor Lluís Llach; lo que permitió que conociera a Maria del Mar Bonet, Francesc Pi de la Serra, Toti Soler y el músico experimental Víctor Nubla (miembro de Macromassa), que lo introdujo a las experiencias de vanguardia.

En 1983 fundó la Bel canto Orquestra con Cathy Claret y Pierre Bastien, pero la ruptura en su obra sobrevino al escuchar Music for Amplified Toy Pianos de John Cage. Descubrió un vasto universo de posibilidades, que a la fecha le ha permitido firmar alrededor de 40 discos y realizar algunas colaboraciones insignes, con figuras como P. J. Harvey, Robert Wyatt, Anthony and the Johnsons y Goran Bregovic, entre otros.

Esquivo personaje, estudioso de las tradiciones y la música popular, ha conseguido inyectar vida nueva a la música elaborada con juguetes de diversa índole, una corriente que tiene como precursores distinguidos a Perrey-Kingsely, Raymond Scout y Bruce Haack. Todos manipulando objetos reales y sin ningún artilugio tecnológico, una combinación que se daría a partir de los años sesenta.

Pascal se ha mantenido también trabajando orgánica y físicamente, fascinado por la naturaleza de este tipo de artículos: "una de las características que adoro de los instrumentos de juguete, didácticos, es que siempre tienen un sonido diferente. Depende del tamaño, el material o la forma, adquieren muchos tonos diferenciados entre sí".

La música que produce no acepta fácilmente etiquetas: ni pop, tampoco avant garde, ni rock, ni minimalista, ni folklore. Puede serlo todo a la vez o emprender la fuga de los cánones. Lo que si es un hecho es que sabe trastocar los géneros tradicionales dándoles retorcidas e inéditas formas. Comelade es consciente de los enormes retos y dificultades que enfrenta una creación como la suya: "Mi música, y la manera de producirla, están hoy fuera de juego en el mundo y el marcado occidental. Hacer música instrumental como la mía es un suicidio".

Autor de álbumes tales como La manera més salvatge (06), Espontex simfonia (06) y la antología La filosofía del plat combinat (04), ha utilizado con gran tino las piezas que ha venido reuniendo: "Es una colección que he ido aumentando gracias a mis visitas a infinidad de tiendas de juguetes y mercadillos. Hay instrumentos de todo tipo y procedencia".

Método de Rocanrol

Apasionado de dos pianos miniatura con los que se pasa horas componiendo y repasando, sobre todo, el legado musical de Cataluña, Pascal ha concebido un nuevo proyecto, que parte tanto de la libertad total compositiva como de una especie de broma de humor negro. Un par de álbumes editados con algunos meses de separación a los que ha llamado Metode de Rocanrol (Discmedi, 07-08), pero no contienen formalmente ningún tema que se ciña o aluda al término; lo que es más, afirma categórico que el rock no tiene método alguno; he ahí la humorada.

Musicalmente, los discos contienen desde boleros bizarros a coplas catalánas; ecos de cabaret a lo Kurt Weil, tangos mutantes, sardanas, esbozos minimalistas a lo Eric Satie y tonadas de feria, romance y verbena. Hay versiones instrumentales de temas de Joan Manuel Serrat (“Cançó de bressol”) y Pau Riba (“Noia de porcellana”), de quien también se incluye “Cançó sense títol”, un entrecruzamiento entre poesía y música, recitado por Enric Casasses, poeta animador incansable de la escena barcelonesa e influencia definitiva en Comelade.

La brisa del pasado abatiéndose sobre La perla del mediterráneo se siente en “La vedette del molino”, “L’enterrament de les sardines”, “Le barman de Satán” y la adaptación de “Passejant per Barcelona”, original de Quico Pi de la Serra. Sobre cada una se descarga una instrumentación abigarrada: armónicas, peines, guitarras de tianguis, xilófonos de colores, acordeones, saxofones de plástico, trompetillas, silbatos y baterías de latón, usadas por sus únicos tres colegas de planta: el baterista Didier Banon a la batería, Enzo Tozoni en el trombón y Pep Pascual, manipulando el arsenal lúdico.

El único resabio roquero se halla en el peculiar cover de “Cadillac” de Vince Taylor o el guitarreo acústico de “Elvis loved dogs” (incluido en el segundo volumen). A fin de cuentas, convierte en un circo la música seria y de dan densidad formal a la música ligera.

El cabaret Galáctico

Considerado por algunos como un rocker ultra minimalista y por otros, un clásico post-moderno, su influencia se ha esparcido incluso en Japón, donde una banda se nombró Pascals a manera de homenaje y cuyo disco debut se compone solamente de arreglos. Es curioso que en su país natal no halla alcanzado el mismo eco que en el extranjero, no obstante sigue editando allí su material, pese a que considere que: “Francia vive de un cliché cultural; un retorno de la canción francesa revivalista”.

Desmarcándose de cualquier influencia nativa, su senda pasa por revisar la música tradicional catalana (Música Pop, Dances de Catalunya Nord (03) y dos volúmenes de Pop Songs del Rosselló (00-01)), trasmutar temas del dominio público, como “Honky Tonk Women” de los Rolling Stones, “Bésame mucho” y “Brand New Cadillac” de The Clash en Dances et Chants de Syldavie (94) y recopilar buena parte de su vasta creación, que incluye música para cine, teatro, espectáculos de danza y obras de teatro, en la caja Monofonicorama 2005-1992 (07).

Autor de corte personalísimo del que se dice: no ceja de editar viñetas instrumentales inocentes por fuera; perversas por dentro, como en El cabaret Galactic (95) ha colaborado en el próximo disco de Albert Pla y prepara una grabación en directo que se publicará junto a un cómic del dibujante culé Max, dedicada a la historia de la Bel Canto Orquestra.
Pascal Comelade posee un brío creativo imparable. Se desborda en cantidad de proyectos, ya sea en solitario o con buenos amigos. Entiende al mundo del arte como un juego y viceversa. Para un tipo como él, la hora del recreo es infinita.

Máscaras y Luchadores, nuevo libro de Federico Arana

2008-10-09T16:40:00.000-07:00

De verdad que soy un convencido de que el azar tiende hilos invisible para que los acontecimientos ocurran de una determinada manera; a veces los elementos se conjugan para que sobre el velero de nuestra existencia sople un potente viento a favor.

Y digo esto porque no estaba planeado que el día de hoy estuviese sentado aquí, acompañando a Federico Arana, en un acontecimiento que verdaderamente me emociona. Bien podría señalar una por una las diversas empresas que este escritor, investigador y científico hidalguense a llevado a cabo durante su vida, pero antes que otra cosa, se impone sobre mí la pasión de lector y todavía puedo recordar cuando a mis veintipocos años me hice de un ejemplar de Las jiras, la novela con la que Arana obtuvo el premio Villaurrutia y que se había publicado en 1973, cuando apenas y quien les habla rondaba los 5 años de edad.

En aquel libro podía leerse y cito:

“Creo -empecé a contarle a Margaret- que la culpa de todo la tuvo el ambiente de la música pop. Hace años formé el grupo con unos compañeros de la escuela. Entonces nos llamábamos "The Happy Boys Blues Band Revelation", pero el baterista se separó robándonos el nombre, así que nos convertimos en "Los hijos del Ácido". Este nombre lo sugirió el Foco, como ocurrencia suya, pero después descubrimos que en Acapulco había un grupo homónimo en el que tocaba un primo suyo; por ello, cuando íbamos por aquellos lares, actuábamos con el nombre de "La Tropa Maldita".

Dedicarse a rocanrolero es agradable, por el dinero (fácil), las chicas (predispuestas), la popularidad, los viajes... Lo malo es que hay que rozarse con tipos como el Blondidudi, el Cerdo y el Foco, verdaderos indeseables”.

Y es que a finales de los ochenta hablar y disertar acerca de rock en México era prácticamente imposible; todavía se sentía la ley mordaza que trajo consigo el malogrado festival de Avándaro de 1971, y lo que es más, a finales de esa misma década (1980), Pachuca había sido invadida y vejada por las bola de alucinados jipitecas que arribaron para el mítico concierto que Johny Winter, la leyenda albina del blues, daría en el estadio revolución y que terminó en un desmadre, cuando a un músico le reventaron la cara con un botellazo. Ergo el rock and roll era un asunto de vicios y desadaptados, y algo prohibido para el resto de la sociedad.

Es por ello que Las jiras era una novela reveladora; gracias a ella se establecía que era viable abordar con seriedad la literatura sin tener que caer en la petulancia y la pesadumbre intelectual. Se podía escribir acerca de la vida al interior de una banda de rock e incluso ganar un premio de reconocido prestigio. Las jiras es un libro que sigue abriendo puertas hacía otra dimensión de la escritura, hacía un amplío páramo lleno de libertad creativa.

Un año antes del mundial de fútbol, exactamente en el fatídico 1985, va apareciendo paulatinamente en 4 tomos Guaraches de ante azul, la historia del roc en México, editada por Posada, y que es un trabajo fundamental para la historiografía del género en nuestro país; muy bien documentada, esta investigación de largo aliento, incluía además la visión crítica y ácida de su autor, que se daba tiempo para hacer bromas e ironizar acerca del asunto y sus propios colegas.

Así las cosas, habremos de mencionar que el guitarrista y líder del grupo Naftalina desarrolló también una importante trayectoria académica dentro de la UNAM, pero no en el campo de las humanidades sino en la Facultad de Ciencias, dada su formación como Biólogo, ramo en el que ha alcanzado el grado de Doctor.

Por si fuera poco, Federico también es pintor, dibujante y caricaturista; ha expuesto su obra en Estados Unidos, Suiza, Alemania y México; además ha compuesto música para algunas películas y colaborado para periódicos y revistas.
No menos memorable es su personaje Ornitóteles, el pájaro filosófico, protagonista de las caricaturas que iba publicando en el diario Novedades y que después se reunieron en dos libros. Aunque no son pocos los estudiantes que lo identifican por los textos de índole científico y didáctico que ha publicado, entre los que se encuentran: Método experimental para principiantes; Ecología para principiantes y Fundamentos de Biología.

Con tantos proyectos y actividades a cuestas, lo más probable es que pensemos que a este hombre no le queda tiempo para ninguna otra cosa. Que se encuentra ocupado y apenas si cuenta con espacio para comer y dormir, pero hoy nos demuestra todo lo contrario, pues podemos confirmar que Federico Arana es también un coleccionista compulsivo, que luego entrevera su parte lúdica con el rigor del investigador para conformar así obras tan singulares como los dos volúmenes con que ya cuenta México enmascarado, los recopilatorios de Máscaras y luchadores, que han visto la luz en coautoría con Mario Paniagua, su amigo de antaño y aficionado crónico a las arenas y cines de barriada.

Y cuando apunto acerca de esa afición recalcitrante por los cines de rompe y rasga y las arenas de medio pelo, conecto también con mi propia pasión por la lucha libre y su ramplona fantasía de tela y piel.

No voy a remontarme a los ensayos de Octavio Paz para explicar la importancia de la máscara en los pueblos latinoamericanos, ni haré una alocución acerca del simbolismo de la lucha libre y su conexión con la sempiterna batalla entre los opuestos complementarios: el bien y el mal, el cielo y el infierno. De todo ellos se da cuenta en el ensayo introductorio del primer tomo.

En vez de ello opto por recomendar la lectura y consulta de este par de libros dada su gran capacidad por devolvernos a tiempos idos, por remontarnos a un país que no existe más y del que muchos de los mexicanos ni se acuerdan o no se quieren acordar.

Al pasar las páginas me descubro de nuevo, cuando durante los veranos de mi infancia acudía a la Feria de Atotonilco, no motivado por los juegos mecánicos, sino por la presencia de un cine nómada, que divididas por tandas, proyectaba diversas cintas de luchadores. Afuera de la improvisada carpa, los espectadores indecisos escuchaban los acontecimientos a través de los altoparlantes y se animaban a pagar por dos tandas y acomodarse en las vigas de madera que hacían las veces de asientos.

Con el ciclo escolar había que regresar a la ciudad y a hacerse espacio para asistir al Cine Alameda (uno de los más viejos de Pachuca) para reventarse 3 películas completas por el mismo boleto, que incluían no sólo la saga entera de El Santo, sino también la de los Campeones justicieros (con todo y un rayo de Jalisco que más bien daba risa), las de Superzan (del que pocos sabían que era nada menos que el actor Jorge Rivero, o al menos eso se decía) o las de los jaguares, un clan de héroes tercermundistas que ni para mallas les alcanzaba y aparecían en las cintas en calzones de pintitas.

A los 8 años me cambié de casa, sólo para que la diosa fortuna designara que el nuevo domicilio se localizara a dos cuadras y media de la Arena Afición, catedral local del pancracio, y donde se batían figuras que ahora pertenecen al laberinto de los tiempos. Sobre aquel encordado desfilaban El troglodita Flores, René “Copetes” Guajardo, Lalo Montenegro y Karlof Lagarde; estetas secundarios que acompañaban a los grandes ídolos: Mil máscaras, Canek, Fishman, Villano III, El solitario y Aníbal, y en contadas ocasiones al propio Enmascarado de Plata, que aquí jugaba de local, pero venía poco.

Hoy día no puedo sino arrepentirme de haber regalado mi colección de casi un millar de revistas de luchadores. Box y Lucha, El halcón –sólo lucha libre- y otras más, que mi memoria no consigna. Quiso mi vicio por el rock and roll, las artes marciales y las mujeres que me olvidara por un tiempo de la lucha libre. Pero aunque las pasiones se agazapen y permanecen en estado recesivo, se hallan a la espera del estímulo adecuado que las haga reaparecer.

Máscaras y luchadores o México enmascarado, como se prefiera, tiene el poder de ilusionarnos e ilustrarnos en torno a la evolución de los personajes, sus atuendos y personalidades.

Cómo olvidar a La maravilla enmascarada, uno de los precursores, o que Huracán Ramírez tuvo de aliada a una monjita negra. Que Irma González llegó a enmascararse para encarnar a La novia del santo, o bien despatarrarse de risa al contemplar a luchadores tan delirantes como Pancho Pantera, las múltiples momias o los regionalistas Fantasma de la quebrada y Araña de Morelos.
Mazámbula, Canaima y Chanoc se remontaban al imaginario étnico, pero también había quien escribía mal su nombre en inglés o hasta inventaba palabras. Ahí están Neutrón o el Médico asesino perpetuando su leyenda de celuloide, al lado de inmortales como Blue Demon, que siempre madreó al Santo, Black Shadow, quien se desmoronó al perder la tapa, o el Psicodélico, tan acorde con los años sesenta.

Al final del segundo volumen se incluye una sección con los carteles y stills diseñados para promover las películas, en sí mismos dignos de un estudio profundo y que son joyas del arte naif o como dijera Sergio Arau, del más puro Art nacó.

En suma, Máscaras y Luchadores es una obra disfrutable como pocas, interesante te guste o no la lucha libre. Se trata de un documento que cada día irá ganando más valor y producto del trabajo incansable de un creador a tiempo completo, que también ha hecho suya aquella frase que dice que: no hay peor lucha, que lucha villa. Federico Arana siempre ha ganado la suya, subámonos con él al cuadrilátero de la lectura.

La última broma de David Foster Wallace

2008-09-27T09:40:00.000-07:00

Intentar describir de que trata una novela tan extensa como La broma infinita implica de entrada acotar que, como las matrushkas rusas, tenemos delante a una obra que encierra otras muchas en su interior. Es una maquinaria narrativa desplegada en más de 1000 páginas que contiene varias novelas en su seno y que a la postre funcionan como una sola. Pasa de abordar el destino de Norteamérica desde una perspectiva política a retratar con sorna e ironía el fin de la familia tal y como la conocemos; es también una delirante novela de espionaje y terrorismo (con travestismo incluido) entre norteamericanos y canadienses, y una más, de ciencia ficción, acerca de un territorio biotecnológicamente modificado.

En ella, una academia de tenis y una clínica de desintoxicación sirven como pasarela para un desfile de personajes que exhiben la miseria humana. Alcohólicos, drogadictos y deportistas con instintos de superación se arrebatan un mendrugo de vida, mientras en el cuarto de al lado un famoso jugador de fútbol americano despliega una hilera de conquistas sexuales. Aunque tampoco podemos dejar de lado la historia fantástica sobre una película asesina y una ex musa fílmica que esconde su rostro ante una belleza terrible.

Con este libro, Foster Wallace intentó prácticamente contarlo todo y se volcó en el intento, logrando un summun de las neurosis contemporáneas y todo tipo de adicciones. Ya el propio autor trazaba su obsesiva percepción de la existencia: "Todos nos morimos por entregar nuestras vidas, quizá a Dios o a Satán, a la política o a la gramática, a la topología o a la filatelia… a lo que sea”.

Con La broma infinita, publicada en inglés en 1996 (hasta el 2002 apareció en castellano vía Mondadori), le vino el calificativo de escritor de culto, de un adicto patológico a la escritura, de un autor para autores. Muchos de sus colegas consideraron al libro como: “la novela más audaz e innovadora escrita en Estados Unidos en la década final del siglo XX”.

Nacido en Ítaca, Nueva York, en 1962, creció en el ambiente universitario, pues sus padres impartían filosofía y literatura. Sus primeros libros La escoba del sistema (1987) y La niña del pelo raro (1989), le allanaron el camino en el medio editorial, interesado por encumbrar a un nuevo enfant terrible que provocara a los conservadores mediante algunas ideas incendiarias, vertidas en una prosa sumamente cuidada. Tal provocación ideológica se montaba en un estuche minuciosamente detallado.

Admirador de personajes tan polémicos como el conductor televisivo David Letterman y el cineasta David Lynch, de quien aprendió la presencia cotidiana del absurdo y la existencia como un fenómeno delirante, encontró sitio en el ámbito académico (impartía clases de escritura creativa en la Universidad de California en Pomona) y dedicaba tiempo a la redacción de brillantes trabajos periodísticos (recientemente seguía y analizaba la campaña del senador McCain).

Pese a la buena fortuna de sus libros de cuentos y ensayos, entre los que se encuentran Algo supuestamente divertido que no volveré a hacer (1997), Historia abreviada del infinito (2003), Olvido (2004) y Hablemos de langostas (2005), y a llevar una estable (aparentemente) vida matrimonial, entendía la existencia como algo sombrío y decepciónate. Durante una conversación con el periodista Eduardo Lago para el diario El país, declaró: "los Estados Unidos son un buen lugar para vivir. La economía es muy potente, y el país nada en la abundancia. Y sin embargo, a pesar de todo eso, entre la gente de mi edad, incluso los que pertenecemos a una clase acomodada que no ha sido víctima de ningún tipo de discriminación, hay una sensación de malestar, una tristeza y una desconexión muy profundas”.

En varias ocasiones solicitó a su familia que lo internaran en una clínica, pues no creía poder controlar de otra manera sus impulsos suicidas. Tales iniciativas fueron inútiles, el pasado 12 de septiembre se ahorcó en su residencia de Claremont. El cuerpo fue descubierto por Karen Green, su mujer, quien notificó a la policía. La noticia no se hizo del conocimiento público hasta 24 horas después, causando consternación pues aunque era una persona taciturna era muy apreciado entre la comunidad literaria y estudiantil.

A los 46 años de edad puso fin a su vida, quien fuera considerado: “el mejor cronista del malestar de la sociedad norteamericana de finales del siglo XX y comienzos del XXI”. Su obra abrió puertas para una generación entera, que incluye los nombres de Richard Powers, A. M. Homes, Jonathan Franzen, Mark Layner Chuck y Palahniuk; un grupo no formal que algunos llamaron la Next generation.

Heredero de una tradición novelística que pasa por Thomas Pynchon, Don DeLillo y John Barth, Foster Wallace percibió que el realismo no era suficiente para plasmar la irracional forma de vida contemporánea, marcada por la dictadura mediática, la sobreoferta de información, la voracidad de la industria del entretenimiento y la amenaza constante del terrorismo.

De ello dio cuenta en La broma infinita, ubicada en los Estados Unidos del año 2025, una época en la que el cine sigue siendo la fábrica de mitos, que encandila a los cada vez más solitarios seres humanos. Aun planteada en clave futurista, la obra es una crítica despiadada de la sociedad actual, es por ello que uno de sus amigos cercanos, Jonathan Franzen, autor de Las correcciones, afirmó que David era: “nuestro escritor retóricamente más afilado”. La novela fue considerada por la revista Time dentro de las cien mejores novelas escritas en lengua inglesa desde 1923, por sus "diálogos dolorosamente graciosos" y "la fantasía casi infinitamente rica".

Por su parte, Javier Calvo, traductor de la obra de Foster al español, acotó: “Él analizaba muchas formas de soledad de esta sociedad fragmentada, que no tiene defensa para el individuo. Fue la incapacidad para defenderse, la vulnerabilidad del individuo precisamente, la que ahora se muestra como un comentario autobiográfico".

Afectado por profundas depresiones, se mantuvo en tratamiento durante 20 años, pero los molestos efectos secundarios llevaron a Foster a suspender el tratamiento desde el año pasado y buscar apoyo en terapias alternativas de escaso o nulo efecto. Para Michiko Kakutani, crítico del New York Times, la personalidad del también autor de Extinción era compleja pues podía ser: “triste, gracioso, conmovedor y absurdo. Todo con la misma facilidad e incluso al mismo tiempo".
Convencido de la importancia de la experimentación en la literatura, su legado su basa en una obra que con el paso del tiempo va cobrando mayor importancia, y que, más allá de cualquier juego estilístico, tocó fibras nerviosas del tejido social norteamericano, además de reflejar lo que siempre valoró de la escritura, como lo explicaba a Lago, director de Instituto Cervantes de Nueva York, en aquella conversación: "Lo esencial es la emoción. La escritura tiene que estar viva, y aunque no sé cómo explicarlo, se trata de algo muy sencillo: desde los griegos, la buena literatura te hace sentir un nudo en la boca del estómago. Lo demás no sirve para nada".